Mese: Giugno 2018

Natas – Delmar

Delmar fu il primo lavoro degli argentini Natas, e per molti fu un disco epocale perché portava con sé la scoperta di un suono che stava nascendo in quel momento e che aveva le sue radici nel passato ma guardava in maniera diversa al futuro.

Delmar fu il primo lavoro degli argentini Natas, e per molti fu un disco epocale, perché portava con sé la scoperta di un suono che stava nascendo in quel momento e che aveva le sue radici nel passato ma guardava in maniera diversa al futuro.

La Argonauta Records di Genova ci propone la ristampa rimasterizzata dai nastri originali di questo grande disco, ai tempi per la Man’s Ruin Records. I Natas (leggete al contrario e troverete il marchio di fabbrica del più longevo manager della storia del rock), furono per lo stoner desert quello che i Sepultura furono per il death, ovvero mostrarono che anche in paesi diversi da quelli canonici si produceva un ottimo stoner, fatto in maniera innovativa e con una grande impronta personale. Dischi come questo sono stati possibili solo in quegli anni, che sono stati forse l’ultimo periodo veramente creativo della musica e non solo. In Delmar c’è tutto, dalle cose più Kyuss a passaggi fortemente grunge nella loro essenza. Questo disco è prima di tutto un viaggio, un’esperienza psichedelica con i Natas come sciamani che ci guidano in territori sconosciuti. Riascoltando Delmar possiamo ritrovare quel tocco magico, quella freschezza dell’onda marina che ti tocca sul bagnasciuga durante un rosso tramonto. I Natas sono un gruppo che evoca magia attraverso una musica che porta lontano, e forse questo album è stato il loro momento migliore, anche se i dischi successivi sono molto buoni, ma Delmar è un pilastro, un peyote da prendere quando si vuole, perché soddisferà sempre, ora ancora di più con i suoni ancora più nitidi. La capacità compositiva di questi argentini stupisce ancora adesso, e si capiscono ora la forze e l’influenza che hanno avuto su molti gruppi che li hanno seguiti. Dopo venti anni è ancora potentissimo e bellissimo.

Tracklist
1. Samurai
2. 1980
3. Trilogia
4. I Love You
5. Soma
6. Mux Cortoi
7. Delmar
8. Windblows
9. El Negro
10. Alberto Migré

Line-up
SERGIO CH. – GUITARRA Y VOCALS.
WALTER BROIDE – BATERIA.
GONZALO VILLAGRA – BASS.

NATAS – Facebook

Grave Upheaval – Untitled

Un album per pochi, un’opera nera che più che un ascolto diventa esperienza totale, un rituale di morte e profanazione della durata di quasi un’ora in cui tutto quello che avete vissuto e creduto lascia spazio alla paura.

Il duo australiano chiamato Grave Upheaval è da un po’ che circola nella scena estrema di stampo death/doom, anche se un preciso genere per descrivere la musica del misterioso duo proveniente dal Queensland è impresa quasi impossibile.

Attivi da una decina d’anni, i Grave Upheaval hanno dato alle stampe un primo lavoro sulla lunga distanza nel 2013, senza titolo e con una tracklist numerata al posto dei titoli.
Seguendo il primo capitolo, il nuovo album risulta una discesa negli inferi davvero inquietante, i due membri provenienti da Portal, Temple Nightside ed Impetuous Ritual, creano una soffocante atmosfera di morte, descritta dalla marcia lavica di un doom/death al limite, urla e growl provenienti da un abisso di sofferenza e a tratti sferzati da accelerazioni di stampo black.
Occultismo, morte, buio millenario, la paura primordiale si fa spazio in noi, mentre la nostra anima scende sempre più in basso, lascia per sempre la luce e grida la sua disperazione ed il buio perenne inesorabilmente la avvolge.
Untitled è un’opera nera che più che diventa esperienza totale, un rituale di morte e profanazione della durata di quasi un’ora in cui tutto quello che avete vissuto e creduto, lascia spazio alla paura.
E’ molto difficile giudicare un’ opera del genere, potrebbe piacervi e rimanerne affascinati, come rigettarla dopo pochi minuti: un album per pochi, anzi, pochissimi.

Tracklist
1.II-I
2.II-II
3.II-III
4.II-IV
5.II-V
6.II-VI
7.II-VII
8.II-VIII

Line-up
– Guitars, Bass, Vocals
– Drums

GRAVE UPHEAVAL – Facebook

Lost Reflection – Trapped In The Net

Ritorno con il terzo album di Fabrizio Fulco ed i suoi Lost Reflection, band hard & heavy tra tradizione britannica ed attitudine street rock.

Torna Fabrizio Fulco con i suoi Lost Reflection, band che prende il nome dalla famosa canzone dei leggendari Crimson Glory, con il terzo album licenziato dalla Hellbones Records.

La band prende vita nel 1996, ma il primo album è targato 2011, anche perché Fulco nel 2005 si trasferisce negli States per prendere il posto come bassista nei Ben Jackson Group, progetto del chitarrista dei Crimson Glory.
Il ritono in Italia coincide con la ripresa delle attività con i Lost Reflection e vengono pubblicati due lavori: Florida (2011 SG Records) e Scarecrowd (2014 SG Records).
L’hard & heavy suonato dal gruppo è però lontano da quanto fatto dalla storica band statunitense e più orientato verso un buon mix tra la tradizione britannica ed attitudine street rock.
Trapped In The Net è composto da dieci brani che si muovono tra questi due generi, dando vita ad un metal scontato ma gradevole, dalle ritmiche hard rock e da cavalcate di stampo new wave of british heavy metal.
God Of Hate, opener dell’album è un brano tra Saxon e Motley Crue, mentre Together As One ricalca gli schemi del metal losangelino di metà anni ottanta.
Questa alternanza continuerà per tutto l’album, che risulta una discreta opera di metal old school sanguigno e potente, con qualche dettaglio da perfezionare (la voce a tratti leggermente forzata), ma con un buon lavoro strumentale.
Cavalcate metalliche e hard rock stradaiolo ed irriverente come One Night In Your Bed trovano libero sfogo tra lo spartito di Trapped In The Net che vede all’opera, oltre a Fulco ( chitarra, basso e voce), Max Sorrenti (chitarra) e Max Defender Moretti (batteria).
La cover del leggendario Derek Riggs valorizza Trapped In The Net, che risulta così un buon ritorno per il musicista nostrano e la sua band.

Tracklist
1.God of Hate
2.Together as 1
3.Into The Social Network
4.Brand New Love Brand New Life
5.One Night In Your Bed
6.My Promised Land
7.Hollywood Dream
8.Master of Your Soul
9.Homeless Boy
10.No More Blood

Line-up
Fabrizio Fulco – Vocals, Guitars, Bass
Piero Sorrenti – Guitars
Max Defender Moretti – Drums
PJ (live bassist)

line up attuale
Fabrizio Fulco – Vocals, Guitars
PJ – Bass
Max Defender Moretti – Drums

LOST REFLECTION – Facebook

Hypnos – The GBG Sessions

The GBG Sessions è un album che difficilmente troverà estimatori nei seguaci del rock odierno,  rimanendo legato strettamente al decennio settantiano e a quelle band che ne hanno decretato l’assoluta importanza nella storia del rock.

Band che non lascia trapelare molte informazioni, i rockers svedesi Hypnos tornano con un album sulla lunga distanza, questo discreto esempio di hard rock vintage intitolato The GBG Sessions.

Non avevamo più notizia del gruppo da quattro anni e dal singolo The Mountain, che troviamo pure su questo album composto da otto brani dove riff su riff si accavallano e costruiscono un muro sonoro, che va dai Black Sabbath ai Thin Lizzy, passando per i Kiss e a tratti per le band che del revival settantiano hanno decretato il successo (Spiritual Beggars).
Niente di nuovo dunque, specialmente se le operazioni nostalgiche vi lasciano indifferenti, anche perché gli Hypnos fanno di tutto per confondervi, ipnotizzandovi con piccole jam psichedeliche nel bel mezzo di brano hard rock come Hands Of Evil, facendovi credere di essere nel bel mezzo degli anni settanta con il vostro armadio colmo di jeans a zampa di elefante e giubbotti con le frange.
Il quintetto, dalla sua, ci fa partecipi di un sound diretto, suonato senza troppa attenzione ai diabolici particolari tecnici odierni, ma con uno spirito rock’n’roll che non lascia dubbi sull’attitudine dei musicisti coinvolti, rockers d’altri tempi, specialmente quando il blues di Nightmares alza di molto la temperatura sulla montagna dove la band continua a jammare con la sanguigna 1800.
The GBG Sessions è un album che difficilmente troverà estimatori nei seguaci del rock odierno,  rimanendo legato strettamente al decennio settantiano e a quelle band che ne hanno decretato l’assoluta importanza nella storia del rock.

Tracklist
1.Aint No Fool
2.Border Patrol
3.Hands Of Evil
4.Nightmares
5.Looking Out
6.1800
7.The Mountain
8.Gimme! Gimme! Gimme!

Line-up
Linus
Oskar
Pontus
Anton
Hampus

HYPNOS – Facebook

Keys Of Orthanc – Dush agh Golnauk

Trattandosi di un esordio ci si potrebbe accontentare, anche se non sono pochissimi gli aspetti da migliorare, per evitare che le buone idee espresse da Dorgul vengano restituite in maniera oltremodo confusionaria.

Keys Of Orthanc è il nome di questa nuova one man band che si affaccia sulla scena black metal.

Come fanno ampiamente intendere monicker e titolo dell’album è l’immaginario tolkeniano a dominare a livello lirico nel lavoro del musicista del Québec (che per eliminare ogni fraintendimento si presenta come Dorgul).
L’interpretazione che ne deriva non può che risentire di tutto questo, per cui sono atmosfere per lo più epiche a caratterizzare l’opera, anche se le pulsioni pagan folk sono meno accentuate a favore di un incedere più malinconico.
A livello compositivo Dorgul si fa valere ma la produzione non è nitida come dovrebbe, per cui purtroppo gli spunti melodici non emergono come dovrebbero, soffocando per esempio le buone intuizioni dei due brani centrali Witchking e Mor Gashnum.
Trattandosi di un esordio ci si potrebbe accontentare, anche se non sono pochissimi gli aspetti da migliorare, per evitare che le buone idee espresse da Dorgul vengano restituite in maniera oltremodo confusionaria; d’altro canto, considerati i mezzi che mette a disposizione l’odierna tecnologia, ignorare questo aspetto non dovrebbe essere così complicato.

Tracklist:
1. Satum
2. Ringwraiths
3. Witchking
4. Mor Gashnum
5. The White Wizard
6. Outro

Line up:
Dorgul – All instruments, Vocals

KEYS OF ORTHANC – Facebook

HOGS

Il video di Stinking Like A Dog, dall’album Fingerprints (Red Cat).

Il video di Stinking Like A Dog, dall’album Fingerprints (Red Cat).

Gli HOGS ci dimostrano che l’auto ironia unita al groove della loro musica è l’arma migliore per ballare a ritmo di rock ‘n’ roll, lasciandosi alle spalle le problematiche della vita quotidiana, tematica centrale del pezzo.
Nasce così il video di “STINKING LIKE A DOG”, primo singolo estratto dal nuovo album del quartetto rock fiorentino “Fingerprints”, uscito questa primavera per Red Cat Records e 7Hard.

Regia di “Notubers” (Simone Brogi ed Eugenio Palagini), riprese @ Agility Dog di Empoli.
Ringraziamo Luciano Pucci ed i suoi splendidi “attori” (Airyn, Micheal, Lars, Bellina, Jinn, Twenty, Attila, Baby, Dj, Mila, Splendore).

CONTATTI BAND:
Homepage: www.hogsband.com/

Facebook: www.facebook.com/hogsband

Youtube: www.youtube.com/channel/UCXla5VyvN7zkAjuuoudFYjg

LABEL:
www.redcatpromotion.com
http://www.7hard.de/

Majesty Of Silence – Zu dunkel für das Licht

Il sound teatrale e straripante di enfasi fatica a raggiungere l’obiettivo, perché con un simile approccio è senz’altro importante un buon talento compositivo (e fin qui ci siamo), ma lo è altrettanto, se non di più, un senso della misura che fa decisamente difetto ai Majesty Of SIlence.

Un altro ritorno dopo oltre un decennio di silenzio: questa volta sono gli svizzeri Majesty Of Silence a rifarsi vivo dopo un lungo oblio iniziato nel 2006, dopo l’uscita del loro quarto full length.

Tutto sommato il momento scelto per ripresentarsi sulla scena sarebbe anche quello giusto per chi si dedica ad un genere come il symphonic black che, in effetti, negli ultimi anni era finito fuori dai radar della maggior parte degli appassionati, fino al recente rientro in pompa magna dei Dimmu Borgir e alla luce del gradito recupero ad alto livello degli stessi Cradle Of Filth.
Dimezzati rispetto alla formazione originale (sono rimasti i soli Peter Mahler e Christian Geissmann), gli elvetici cii sommergono con un album come Zu dunkel für das Licht entro il quale non si fanno mancare nulla, riversandoci tutto quanto sarebbe lecito attendersi da interpreti di questa frangia metallica che non ha mai avuto la sobrietà tra le sue caratteristiche principali.
E’ cosi che il sound teatrale e straripante di enfasi fatica a raggiungere l’obiettivo, perché con un simile approccio è senz’altro importante un buon talento compositivo (e fin qui ci siamo), ma lo è altrettanto, se non di più, un senso della misura che fa decisamente difetto dell’Argovia.
Ecco, se Dani Filth vi appare in certi momenti fastidiosamente verboso, andando a sovrastare costantemente le trame musicali dei suoi compagni, non è nulla rispetto a quanto accade con i Majesty Of Silence i quali, per ottanta minuti, ci sommergono incessantemente con le proprie strepitanti liriche in tedesco, facendomi persino venire in uggia una lingua che personalmente adoro in certi ambiti ambiti musicali.
Peccato, perché questo lavoro, con le dovute sfrondature farebbe tutto un altro effetto; nei frangenti più solenni e teatrali affiorano persino reminiscenze dei Devil Doll, mentre i passaggi sinfonici riportano necessariamente ai Dimmu Borgir, e non è un caso se sono per lo questi momenti quelli in cui si rimpiange maggiormente la bulimia verbale che affligge alcuni passaggi magnifici, disseminati in buona quantità specialmente nella seconda metà dell’opera (Traurige Geschicht’, Rudi, Sonne, Erlösung).
Probabilmente il tutto sarà anche funzionale al racconto (ed evidentemente cose da dire ce ne sono in quantità) ma si giunge alla fine dell’opera abbastanza estenuati nonostante l’abitudine a certi ascolti e la relativa buona predisposizione.
Le migliori band attuali, non solo in ambito estremo, ci stanno insegnando che la musica aumenta la sua efficacia quando si toglie piuttosto che aggiungendo, e il sound dei Majesty Of Silence è “troppo” sia per minutaggio che per interpretazione del genere, con l’aggiunta puntuale anche di una voce femminile che c’entra come i cavoli a merenda.
Ecco, è per tutti questi motivi che il ritorno della band svizzera non va oltre una sufficienza derivante dall’apprezzamento per un’espressione musicale non banale, ma che necessita di una necessaria revisione per poter raggiungere in futuro un livello più consono al potenziale dimostrato a tratti.

Tracklist:
1. Der Untergang
2. Das Feuer
3. Der Zahn der Zeit
4. Unerwarteter Besuch
5. Endstille
6. Dem Engel noch zuhören
7. Klangfeind – Neuzeithasser
8. Traurige Geschicht’
9. Rudi
10. Sonne
11. Weisse Welt
12. Zweiundzwanzig
13. Erlösung
14. Stille

Line up:
Peter Mahler: Guitars, Vocals
Christian Geissmann: Guitars, Bass, Vocals

MAJESTY OF SILENCE – Facebook

Red Morris – Time

Lavoro difficile da rinchiudere tra le pareti di un solo genere e per questo affascinante e ricco di sorprese, Time conferma la bontà del progetto Red Morris che ci regala un altro piccolo gioiello musicale.

Se cercate qualcosa in più del solito album di genere e vi piacciono le sfide, arriva il secondo album del chitarrista e compositore bresciano Maurizio Parisi, alias Red Morris, accompagnato da una manciata di ottimi musicisti tra cui suo figlio Alberto al basso, Beppe Premi alle tastiere, Mirco Parisi alla tromba, Marco Carli alla batteria e Marcello Spera alla voce.

Time segue di tre anni Lady Rose, primo lavoro interamente strumentale che fece parlare non poco di Red Morris e del suo progetto gli addetti ai lavori, i quali saranno sicuramente ancora più entusiasti quando premeranno il tasto play e si immergeranno all’ascolto di quest’opera che, se vede la novità del cantato (il primo album era interamente strumentale), conferma l’alta qualità della musica proposta dal chitarrista nostrano.
Time è un condensato di musica che supera barriere fino ad oggi invalicabili, accomunando nello stesso spartito mondi musicali lontani nel tempo; progressive, hard rock settantiano, arena rock e metal del decennio successivo, il tutto viene  splendidamente tenuto legato dalla chitarra di Parisi, concettualmente shred, ma perfettamente inserita nel sound che accompagna i vari brani, uno diverso dall’altro.
Varietà è la parola d’ordine e i Red Morris riescono nell’impresa di risultare una fonte inesauribile di idee, mantenendo un filo conduttore che attraversa l’album, dalle prime note di San Sebastian passando per le splendide New York, Blessed Imelda e la spettacolare Opera, un geniale incrocio tra ritmiche soul, tromba che segue un filo di notturno jazz ed epiche atmosfere orchestrali.
L’apporto di tromba e tastiere aiutano non poco l’album nel suo apparire uno scrigno di ispirazioni, spettacolari ed efficaci le seconde che passano dal classico tocco alla Deep Purple a quello più pomposo dell’hard & heavy radiofonico degli anni ottanta.
Lavoro difficile da rinchiudere tra le pareti di un solo genere e per questo affascinante e ricco di sorprese, Time conferma la bontà del progetto Red Morris che ci regala un altro piccolo gioiello musicale.

Tracklist
1. San Sebastian
2. My Father
3. Transylvania
4. New York
5. Time
6. Money Kills
7. Blessed Imelda
8. Opera

Line-up
Red Morris – chitarra
Alberto Parisi – basso
Marco Carli – batteria
Beppe Premi – tastiera
Mirco Parisi – tromba
Marcello Spera – voce

RED MORRIS – Facebook

LE INTERVISTE DI OVERTHEWALL: PARRIS HYDE

Intervista con Parris Hyde, leader e vocalist dell’omonima rock band.

Grazie alla reciproca collaborazione con la conduttrice radiofonica Mirella Catena, abbiamo la gradita opportunità di pubblicare la versione scritta delle interviste effettuate nel corso del suo programma Overthewall, in onda ogni mercoledì alle 21.30 ed ogni domenica alle 22.00 su www.energywebradio.it.
Questa volta è il turno di Parris Hyde, leader dell’omonima rock band.

MC Ciao Parris. Tu hai alle spalle una lunga carriera musicale, sfociata poi in questo progetto che porta il tuo nome e che ti sta regalando tantissime soddifazioni. Ci racconti com’è nato?

Ciao a te e a chi ci sta seguendo.
Tralasciando i miei progetti passati, Parris Hyde è nato ufficialmente nel 2013 e la sua genesi è stata determinata dalla mia decisione di diventare cantante (sono sempre stato principalmente un chitarrista) : ero veramente stanco di dover rincorrere i vari cantanti che si sono avvicendati nelle mie band passate. Inoltre erano ormai anni che nel novero dei miei artisti preferiti figuravano più cantanti che chitarristi. Quindi dopo un paio d’anni di assestamento in questo nuovo ruolo e dopo aver preso un po’ di lezioni di canto, sono partito con questa nuova esperienza .

MC Diciamo i nomi della line up? E’ stato complicato trovare musicisti adatti al tuo progetto?

La line up è attualmente composta da Paul Crow alla chitarra, Max Dean al basso e Karl Teskio alla batteria.
Come detto Parris Hyde era nato come mio progetto solista; nel frattempo stavo suonando delle cover a tempo perso con i ragazzi che poi entreranno a far parte della band : sono stati loro in effetti a credere nella bontà del progetto e a volervi costruire sopra una band vera e propria.

MC Nel giugno 2016 pubblichi “Mors tua vita mea” Il primo album dei Parris Hide che è andato benissimo. Ci parli di quest’album?

Mors Tua Vita Mea è stato ottimamente accolto da pubblico e critica : grande soddisfazione per me che mi nutro famelicamente delle belle recensioni !!!
L’album è vario, vi sono brani più tirati ed altri più melodici, frutto del background che mi sono creato nel corso degli anni, direi un connubio fra Heavy Metal ed Hard Rock. Del resto alcune canzoni erano presenti in altri lavori del mio passato, ma in questa occasione ho voluta dare loro questa veste definitiva. Il tutto poi è tenuto insieme dalla mia voce sempre ben riconoscibile.
Finalmente ora posso ripartire con composizioni completamente nuove.

MC “Mors tua vita mea” è stato seguito quest’anno da un nuovo EP ‘Undercover 1’, rilasciato il 30 marzo, composto da 4 cover e un brano inedito. Tra le cover un omaggio all’indimenticabile Midnight dei Crimson Glory e ad un personaggio inusuale come Lady Gaga. Ci spieghi come mai questa scelta?

Midnight è in assoluto il mio cantante preferito: purtroppo ci ha lasciato troppo presto, a soli 49 anni : di lui apprezzo la sentita interpretazione che fornisce in ogni singola nota, una voce mistica, magica direi, che lasciava trasparire il suo animo tormentato (come il mio, del resto).
Per quanto riguarda Lady Gaga, la sua passione per l’Heavy Metal è stata definitivamente sancita con l’esibizione che ha tenuto insieme ai Metallica.
A parte questo, pur non seguendola particolarmente, apprezzo di lei i suoi video e spettacoli sopra le righe, i suoi abbigliamenti visionari, oltre al fatto che è un autrice davvero valida : la canzone Bad Romance, di cui abbiamo eseguito la cover, credo ne sia la dimostrazione.

MC Quali sono i progetti futuri della band?

I Parris Hyde sono attualmente impegnati su due fronti .
Fra un anno circa speriamo di pubblicare il nuovo album, già completamente da me composto. Ci vorrà un po’ di tempo per le registrazioni e gli arrangiamenti, aspetti in cui sono sempre particolarmente meticoloso.
L’altro progetto che verrà concluso entro l’estate è la realizzazione di un video: non si tratterà però di un classico video musicale, ma piuttosto di una sorta di cortometraggio in cui i Parris Hyde saranno protagonisti in qualità di cacciatori di Zombie; la colonna sonora sarà il mio brano esclusivamente sinfonico Mors Tua Vita Mea, che abbiamo utilizzato come intro dell’album ed anche dei nostri concerti. Il tutto è stato liberamente ispirato alla serie Tv “The Walking Dead”.

MC Sono previsti tour estivi in Italia o all’estero?

Riuscire ad esibirsi ad un certo livello, come richiede il nostro progetto, risulta a volte complicato, quindi non abbiamo al momento in programma un vero e proprio tour; si tenga anche conto del fatto che ho deciso di riprendere a suonare la chitarra dal vivo e quindi stiamo lavorando per rivedere gli arrangiamenti in tale senso

MC Quali sono i contatti sul web dei Parris Hyde per i nostri ascoltatori che volessero seguirvi?

Oltre al sito ufficiale , da me creato (posso dire orgogliosamente che è stata un’altra sfida da me vinta) , siamo molto attivi sui social Facebook e Reverbnation (da quest’ ultimo si possono ascoltare diversi nostri brani): quindi consiglio a tutti di seguirci ed interagire con noi attraverso i suddetti canali.

El Rojo – 16 Inches Radial

I Kyuss hanno figliato moltissimo, lasciando un’eredità pressoché enorme, e questi calabresi partono dallo stesso deserto, ma ne creano uno tutto loro davvero magnifico per un debutto che lascia a bocca aperta.

Gruppo stoner desert dalla Calabria, un suono caldissimo ed avvolgente che vi darà grande piacere.

Gli El Rojo nascono a Morano Calabro nel 2016, sono un gruppo di amici molto legati fra loro e fanno uno stoner hard rock di alta qualità. Hanno il passo dei Kyuss, ovvero uno stoner rock molto desertico ma hanno anche una serie di soluzioni sonore da hard rock, senza disdegnare qualche passaggio maggiormente psichedelico. Non c’è una cosa in particolare che risalta subito, la loro peculiarità è dare una sensazione di musica di cui non puoi fare a meno, soprattutto per chi ama questo genere. Gli El Rojo arrivano perché è il loro momento, e ascoltandoli lo si percepisce chiaramente: 16 Inches Radial è un disco affascinante e dal suono che ti induce in tentazione. Il gruppo calabrese ti fa percepire una sensazione di appagante soddisfazione sonora e ti induce ad ascoltare il disco più volte, rientrando nella non grande casistica dei gruppi predestinati. Non si può sapere se questi ragazzi faranno carriera nella scena, certo è che far uscire un debutto così è assai notevole. Ci sono delle cose da mettere a posto, e vanno perfezionate certe piccolezze, nell’ottica del massimo miglioramento possibile, ma stiamo parlando di un gruppo che nell’ultima traccia del disco, Red Sand, assomiglia in certi passaggi ai Doors, tanto per capire dove stiamo andando a parare. I Kyuss hanno figliato moltissimo, lasciando un’eredità pressoché enorme, e questi calabresi partono dallo stesso deserto, ma ne creano uno tutto loro davvero magnifico. Un debutto che lascia a bocca aperta.

Tracklist
1.Pontiac
2.Trigger
3.BSS
4.El Rojo (Instrumental)
5.Psilocybe
6.Red Sand

Line-up
Evo Borruso – Vocals
Fabrizio Vuerre – Guitar
Luigi Grisolia – Guitar
Pasquale Carapella – Bass
Antonio Rimolo – Drums

EL ROJO – Facebook

SILVER P

Il video di Road To Hell, dall’album in uscita in autunno (Red Cat).

Il video di Road To Hell, dall’albun in uscita in autunno (Red Cat).

SILVER P, il nuovo progetto di PUGNALE (alias Roberto Colombini), entra nel roster della RED CAT per la pubblicazione del suo nuovo album, prevista per questo autunno.

Anticipa l’uscita il singolo “Road to hell”, disponibile da venerdì 22 giugno in tutti gli store digitali mondiali, tramite The Orchard.
“Road to hell è un pezzo potente e diretto, con un sound moderno ma legato molto a sonorità anni 80.Il testo molto “rock” ha la velocità come protagonista, che peró porterà il protagonista dalla strada della vita a quella della morte!”

Silver P è un progetto solista nato da Pugnale (Colombini Roberto) a gennaio 2017, in modo semplice ed anche inaspettato.
Tutto iniziò da un paio di riff ed un computer che, dopo quattro mesi, portarono Roberto ad avere in mano undici brani completi, contaminati da tutti i generi riguardanti l’Hard rock, il Metal, il Blues, il Thrash, e non solo…
Li fece ascoltare ad Antonio Inserillo (fonico nel suo studio di registrazione e batterista), il quale ne fu entusiasta e lo convinse a registrare i pezzi in studio. Dopo la prima serie di preproduzioni, si pose il problema di trovare un cantante adatto al progetto e la scelta ricadde su Alex Iarusso, conosciuto per alcune tribute band (Iron Maiden, Dio), che accettò di partecipare alle registrazioni.
Da questo momento, Roberto iniziò a vedere realizzarsi concretamente i brani che aveva composto e che da tempo aveva in testa. Chiamò per il basso Alessandro Cola, con il quale suona da anni in varie band ed anche questa fu una scelta azzeccata!
L’album sarà terminato per l’estate e uscirà in autunno per Red Cat Records

Lillye – Evolve

Evolve cresce con gli ascolti, sorprende subito grazie alla vocalist, poi lascia che i brani trovino la loro strada per convincere gli amanti del hard rock moderno, ai quali va l’invito di non perdersi questa sorprendente ed affascinante sirena australiana.

Si affaccia sulla scena rock mondiale la cantante Virginia Lillye e la sua band, dall’Australia alla conquista delle classifiche radiofoniche, dagli States alla vecchia Europa.

La band, che gira intorno alla figura della cantante con un passato da protagonista in storici musical come Jesus Christ Superstar, Hair, Grease e Cats, vede all’opera il bassista Christian Lauria, il chitarrista Matt Ellis e il batterista Bennet Livingstons.
Attivi dal 2012,  dopo un paio d’anni i Lillye  hanno rilasciato l’omonimo ep, hanno girato in lungo ed in largo i palchi australiani prima di firmare lo scorso anno per Eclipse Records, che licenzia Evolve, esordio sulla lunga distanza destinato a portare alla band ottimi riscontri.
Evolve è un lavoro nervoso, melodico, graffiante e vario, un concentrato di hard rock moderno e pregno di groove, composto da una serie di canzoni che una per l’altra potrebbero fare il botto, anche per una prova sorprendente di questa nuova rock woman al microfono, una tigre dotata di una voce ed un talento interpretativo fuori dal comune.
Molto simile come approccio alla bravissima Skin degli Skunk Anansie, Virginia Lillye va oltre: meno istintiva e più studiata, la sua voce risulta il quinto strumento del gruppo e i brani pur nella loro struttura semplice, si ritrovano valorizzati da decine di ricami e sfumature.
Hard rock moderno, si diceva, e già dall’opener Run la band comincia a sciorinare refrain dall’appeal altissimo, le influenze sono quelle dei migliori act statunitensi, Halestorm su tutti, ma anche Sevendust, per una predisposizione all’alternative che ovviamente non manca certo nelle nuove leve dell’hard rock e che esce prepotentemente in episodi come Chained e Better Days.
Evolve cresce con gli ascolti, sorprende subito grazie alla vocalist, poi lascia che i brani (Fire, Grass Is Greener) trovino la loro strada per convincere gli amanti del hard rock moderno, ai quali va l’invito di non perdersi questa sorprendente ed affascinante sirena australiana.

Tracklist
1.Run
2.In The End
3.Chained
4.Brittle Glass
5.Better Days
6.Fire
7.It Is What It Was
8.Take On Me
9.Grass Is Greener
10.Surrender
11.Through My Soul

Line-up
Virginia Lillye – Vocals
Christian Lauria – Bass
Matt Ellis – Guitars
Bennet Livingstons – Drums

LILLYE – Facebook

REVOLUTIO

Il lyiric video di Meek And The Bold, dall’album Vagrant (Inverse Records).

Il lyiric video di Meek And The Bold, dall’album Vagrant (Inverse Records).

È prevista per il 9 Novembre 2018 la pubblicazione di Vagrant il nuovo album dei thrasher post apocalittici REVOLUTIO, distribuito da Inverse Records.

Il cantante Maurizio Di Timoteo ha commentato:
“Vagrant è composto da tanti viaggi, viaggi per raggiungere luoghi remoti e impossibili. Alcuni di questi luoghi vivono nelle nostre menti, altri sono celati nelle nostre anime. Meek and the Bold scava nel conflitto infinito che infuria in ognuno di noi. Il lato mite della nostra personalità vuole evitare il sacrificio e la sofferenza, mentre quello più audace abbraccia la lotta per cambiare un mondo fatto di odio e miseria. Questi due aspetti non possono essere separati, perché tale è la natura dell’animo umano. L’accettazione di questa dualità come condizione naturale è un passo cruciale nel raggiungimento della piena consapevolezza di sé.”

Il singolo di Meek And The Bold è disponibile in digital download su Amazon e in streaming su Spotify. Vagrant è disponibile in pre-order al seguente link https://bit.ly/2LIP4mG

Track list:
1. Aftermath
2. Meek and the Bold
3. What Breaks Inside
4. The Oracle
5. Ozymandias
6. Eclipse
7. Silver Dawn
8. Requiem
9. Daydream
10. The Great Silence

REVOLUTIO line-up:
Maurizio Di Timoteo – voce, chitarra ritmica
Luca Barbieri – chitarra solista
Francesco Querzé – basso
Davide Pulito – batteria

REVOLUTIO online:
http://www.facebook.com/RevolutioBand
http://www.instagram.com/revolutioband
http://www.revolutioband.com

Graveshadow – Ambition’s Price

Symphonic metal d’ordinanza, senza grossi picchi ma pure senza cadute rovinose, abbastanza estremo per risultare vario nelle atmosfere che toccano parti thrash e death con discreta fluidità nel songwriting; il resto lo fa una voce femminile più rock nelle parti pulite, rispetto al solito cantato operistico, ma leggermente forzata nel growl.

Symphonic metal d’ordinanza, senza grossi picchi ma pure senza cadute rovinose, abbastanza estremo per risultare vario nelle atmosfere che toccano parti thrash e death con discreta fluidità nel songwriting; il resto lo fa una voce femminile più rock nelle parti pulite, rispetto al solito cantato operistico, ma leggermente forzata nel growl.

Sono questi pregi e difetti di Ambition’s Price, secondo lavoro sulla lunga distanza dei californiani Graveshadow, attivi dal 2012 e già sul mercato con l’ep omonimo di inizio carriera e nel 2015 con il primo album, Nocturnal Resurrection.
I Graveshadow nelle parti melodiche dimostrano buone intuizioni, specialmente nei refrain, in quelle metalliche affondano i colpi grazie ad un’ottima prova delle sezione ritmica, anche se, come detto il growl non è sicuramente il punto di forza del gruppo statunitense.
Poi tutto gira come previsto nel genere, le orchestrazioni fanno da tappeto sonoro alle varie tracce senza risultare troppo bombastiche, i brani più diretti come Hero Of Time o Liberator sono i meglio riusciti e l’ascolto prosegue senza sussulti sino alla fine.
Ambition’s Price è un lavoro di genere che rischia di passare inosservato, non perché sia brutto, ma proprio in quanto mancante di un paio di canzoni che facciano la differenza.
Le influenze sono da ricercare nel symphonic metal ma anche nel power thrash statunitense, quindi all’ascolto dell’album troverete tracce di Nightwish e Delain come di Iced Earth, non male in effetti anche se la sensazione è che il sound abbia bisogno ancora di una registrata per funzionare a dovere.
I Graveshadow sono un gruppo che, portato qualche aggiustamento e limato un paio di difetti, potrebbero ripagare gli amanti del genere, per ora arrivano alla sufficienza abbondante ma senza riuscire a convincere del tutto.

Tracklist
1.Doorway To Heaven
2.Widow And The raven
3.Ambition’s Price
4.Hero Of Time
5.The Gates
6.The Unspoken
7.Return To Me
8.Call Of The Frostwolves – I. Slave
9.Call Of The Frostwolves – II. Liberator
10.Call Of The Frostwolves – III. Warchief
11.Eden Ablaze

Line-up
Heather Michele – Vocals
Will Walker – R.Guitars
Aaron Robitsch – L.Guitars
Roman Anderson – Drums
Ben Armstrong – Bass

GRAVESHADOW – Facebook

Spock’s Beard – Noise Floor

Noise Floor è un album che non delude le attese di chi ricerca un progressive d’autore di qualità garantita, e pazienza se l’ispirazione non è esattamente quella di un tempo perché, come si suol dire, “chi si accontenta gode” …

Se una ventina d’anni fa gli Spock’s Beard erano tra gli esponenti emergenti di maggior spicco del new prog di marca statunitense, oggi ci avviciniamo al loro ultimo lavoro con la deferenza ma anche con il disincanto di chi si trova al cospetto di una band storica che nulla deve più dimostrare.

Nel bene e nel male, questo è l’approccio naturale ad un disco come Noise Floor, al quale non si chiede certo di entrare nel novero delle opere imprescindibili del 2018, bensì di consolidare lo status di suoi autori ed offrire musica di qualità inattaccabile ai sempre numerosi estimatori del genere.
Per chi approdasse a queste righe da un diverso pianeta musicale è bene ribadire che, come per molte altre band in ambito prog (e non solo), c’è stato un momento per gli Spock’s Beard che ha rappresentato il classico spartiacque, corrispondente in questo caso alla fuoriuscita del fondatore e principale compositore Neal Morse; appare quindi naturale scindere la disocgrafia fino a Snow da tutto ciò che ne è venuto in seguito.
Il ricorso ad una soluzione interna, promuovendo al ruolo di vocalist il batterista Nick D’Virgilio ci ricorda senz’altro ciò che avvenne con i Genesis, quando Gabriel lasciò la band e venne rimpiazzato da Collins (tra l’altro anche il quel caso dopo aver pubblicato un doppio album di grande successo). La differenza sostanziale sta nel fatto che Neal Morse, come detto, si faceva carico di gran parte dell’aspetto compositivo, per cui ciò ha comportato anche un cambio di registro, che ha dato vita subito dopo ad album dalla struttura leggermente più robusta ma privi sostanzialmente di quelle intuizioni melodiche che ne caratterizzavano la precedente produzione.
Nel nuovo decennio la band statunitense ha visto un nuovo cambio dietro al microfono, con la sostituzione del defezionario D’Virgilio da parte di Ted Leonard, vocalist dei magnifici Enchant e dalla timbrica ancor più differente da quella del fondatore; Noise Floor ci riporta piacevolmente ad atmosfere più datate, offrendo una serie di brani invero molto belli, con menzione per quelli che rinverdiscono i fasti del passato come Have We All Gone Crazy Yet su tutti, senza tralasciare un singolo efficace e di immediata presa come l’opener To Breathe Another Day o l’evocativa Beginnings, degna chiusura di un lavoro certo non trascurabile.
Il ritorno di D’Virgilio alla batteria conferisce una marcia in più ad un tessuto sonoro dalla qualità esecutiva ovviamente ineccepibile, grazie alla maestria di musicisti formidabili come i vari Alan Morse, Dave Meros e Ryo Okumoto (il cui funambolico contributo si può apprezzare in Armageddon Nervous, una delle quattro tracce facenti parte del bonus Ep Cutting Room Floor, inserito in coda all’album).
Anche se, naturalmente, la voce di Leonard porta ad un’“enchantizzazione” dell’insieme, Noise Floor è un album che non delude le attese di chi ricerca un progressive d’autore di qualità garantita, e pazienza se l’ispirazione non è esattamente quella di un tempo perché, come si suol dire, “chi si accontenta gode” …

Tracklist:
Noise Floor
1 To Breathe Another Day
2 What Becomes Of Me
3 Somebody’s Home
4 Have We All Gone Crazy Yet
5 So This Is Life
6 One So Wise
7 Box Of Spiders
8 Beginnings

Cutting Room Floor EP
1 Days We’ll Remember
2 Bulletproof
3 Vault
4 Armageddon Nervous

Line up:
Alan Morse – Guitar, Vocals
Dave Meros – Bass Guitar, Vocals
Ryo Okumoto – Keyboards
Nick D’Virgilio – Drums, Vocals
Ted Leonard – Vocals, Guitar

SPOCK’S BEARD – Facebook

Desounder – Desounder

I Desounder sono una band a cui non mancano tecnica, una cantante che fa la differenza ed un sound che non si accontenta di seguire i soliti binari per cercare nuove strade ma senza paura di guardarsi indietro.

Che l’Andromeda Relix sia sinonimo di qualità non è certo una novità, infatti la label nostrana riesce sempre a sorprenderci con uscite varie e di alto livello, passando di genere in genere con la naturalezza di chi la materia la conosce molto bene.

Ecco che l’ultimo gioiellino marchiato dal logo dell’etichetta arriva puntuale a MetalEyes, presentandoci così i Desounder (ex Rider’s Bone), quartetto di Verona nato nel 2013 e al debutto con questo bellissimo album omonimo composto da undici brani davvero brillanti.
Il lavoro contiene hard rock aperto a non poche contaminazioni, tra spunti moderni e tradizionali, con il blues ed il soul a fare il bello e cattivo tempo e la voce splendidamente “nera” della singer Eleonora Nory Mantovani a svegliarci dal torpore e ad accompagnarci tra le trame del disco.
Basterebbe Dear John, terza traccia dell’album per mettere d’accordo chi nel rock cerca qualcosa in più, come le sfumature jazz/soul con quei fiati che duettano con la splendida voce della cantante, spettacolare anche su Pain, altro brano fuori dai soliti schemi obbligati dell’hard rock moderno.
Il bello di Desounder è la varietà di stili con la quale il gruppo ci tiene incollati alle cuffie e così si passa dalla semi ballad grunge I Take My Time, che ricorda gli Stone Temple Pilots di Core, all’alternative metal di Prisoner, al riff southern della letale King Of Nothing.
Un’ottima produzione fa il resto e questo primo lavoro ci consegna un gruppo notevole, a cui non mancano tecnica, una cantante che fa la differenza ed un sound che non si accontenta di seguire i soliti binari per cercare nuove strade ma senza paura di guardarsi indietro.

Tracklist
1. Reverse (intro)
2. Man From The Moon
3. Dear John
4. Pain
5. I Take My Time
6. Prisoner
7. The King’s Entrance
8. King Of Nothing
9. The Void Of Absence
10. Save Our Souls
11. You Fall Again

Line-up
Eleonora Nory Mantovani – Vocals
Nicolò La Torre – Guitars
Matteo Valle – Bass
Martino Pighi – Drums

DESOUNDER – Facebook

Psychotropic Transcendental – .​.​. lun yolina un yolina thu Dar​-​davogh .​.​.

Oltre un’ora e un quarto di musica mai banale e decisamente per ascoltatori dalla mentalità aperta, sebbene mai troppo cervellotica o sperimentale.

Quello dei Psychotropic Transcendental è un nome sconosciuto ai più, ad esclusione di qui pochi che immagino abbiano avuto il piacere di ascoltare il loro unico album ‘Ax libereld…, risalente al 2001.

La band polacca torna dopo una vita, non solo musicalmente parlando, con un secondo album che raccoglie materiale registrato in questo arco temporale e va detto subito che l’operazione su rivela quanto mai gradita: i Psychotropic Transcendental sono infatti autori di una sound che, senza essere particolarmente sperimentale, si rivela di difficile collocazione.
I testi cantati in una lingua inventata (var-inath) sono interpretati con buona versatilità da K-vass, che conosciamo anche per il suo operato con i notevoli Moanaa, e si snodano all’interno di un nervoso rock metal progressivo psichedelico e tutt’altro che scontato.
Basta l’ascolto della title track per farsi un’idea di quanto siano stati capaci di fare questi quattro validi musicisti: il brano possiede una sorta di chorus, al quale lo stratagemma linguistico dona un enfasi non comune, che rappresenta il picco attorno al quale si raduna oltre un’ora e un quarto di musica mai banale e decisamente per ascoltatori dalla mentalità aperta, sebbene come detto mai troppo cervellotica o sperimentale (fa eccezione la sola traccia conclusiva, Hoxathilag, sorta di outro di matrice ambient rumoristica).
Resta solo da capire se la musica contenuta in .​.​. lun yolina un yolina thu Dar​-​davogh .​.​. sia esclusivamente frutto dell’assemblaggio delle composizioni che avrebbero dovuto confluire in un album previsto nello scorso decennio e che non vide mai la luce, oppure se vi sia dietro anche un lavoro compositivo più recente che farebbe presupporre una ripresa a pieno regime dell’attività da parte di questi interessantissimi Psychotropic Transcendental.

Tracklist:
1. Mahad Lavor sa-zax
2. …Luvan daar quorkugh
3. …lun yolina un yolina thu Dar-davogh…
4. Lavor ni termaned
5. Iin Varandhaar iin Badenath mahad Karviin
6. Float wid xeruaned Rattha
7. Zig Il-saghar iin Il-saghar
8. Wid Arra float
9. Hoxathilag

Line up:
Kumala – guitars
Chrzaniec – bass
Gnat – drums
K-vass – vocals

PSYCHOTROPIC TRANSCENDENTAL – Facebook

Kronomatopea – Time It’s Time

Time It’s Time è un’opera impegnativa che per oltre un’ora vi terrà incollati alle cuffie, tra raffinati passaggi di musica classica, cavalcate metalliche, solos neoclassici e quell’epicità che affiora quando i due stili musicali si incontrano.

Kronomatopea è il progetto symphonic power metal del musicista e compositore classico Francesco Sammartano, appassionato di metal tanto da coniugare in maniera efficace le due anime musicali in questo bellissimo primo album, aiutato dal cantante Marco Scorletti (ex Astral Domine) e da altri importanti ospiti.

Time It’s Time è un’opera impegnativa che per oltre un’ora vi terrà incollati alle cuffie, tra raffinati passaggi di musica classica, cavalcate metalliche, solos neoclassici e quell’epicità che affiora quando i due stili musicali si incontrano.
Non si può non rimanere affascinati da un lavoro come Time It’s Time , sicuramente un must per gli amanti del genere, qui davvero coccolati dalle composizioni di Sammartano.
Le influenze che affiorano all’ascolto delle perle sinfoniche chiuse nello scrigno dal compositore nostrano vanno ricercate tra le icone del metal più nobile come Malmsteen (primo amore metallico di Sammartano), Angra, Stratovarius e i nostri Rhapsody, quindi non è l’originalità che troverete tra le note di Time It’s Time, ma musica fuori dal tempo, spettacolare, a tratti dal taglio cinematografico quando le orchestrazioni rimangono le uniche protagoniste dello spartito, prima che deliziose note classiche o ripartenze metalliche aggiungano eleganza o verve al sound.
A Way To Follow, The Song Of Light, Not For Glory e l’apoteosi neoclassic/power/symphonic/epic metal di Valkyrie’s Land portano l’opera dei Kronomatopea a livelli altissimi per un debutto, una vera sorpresa per chi ama gli effetti della sacra alleanza tra musica classica ed heavy metal.
Sembra che i Kronomatopea siano già al lavoro sulla seconda opera, nel frattempo godetevi questo bellissimo quadro musicale dal titolo Time It’s Time.

Tracklist
1.Overture
2.Time, It’s Time
3.A Way To Follow
4.A Break From The Line
5.The Song Of Light
6.Not For Glory
7.The Cycle Of The Life
8.Lighting
9.Valkyrie’s Land
10.Vissi D’arte
11.Tears And Memories

Line-up
Francesco Sammartano – All instruments
Marco Scorletti – Vocals

Riccardo Barbiera – Drums (on tracks: 1,2,3,5,6,8,11)
Gianluca Labella – Drums (on tracks: 8,9)
Simona Guaiana – vocals on tracks: 5,10)
Alessandro Flores – vocals (on track: 6)
Marco Scorletti – vocals (on tracks: 2,8,9)
Raffaele Albanese – vocals (on tracks: 3,8)
Mirko La Porta – lead violin (on tracks: 2,3)
Andrea De Paoli – Harpsichord (on track: 5)

https://www.facebook.com/sammartanoskronomatopea/?ref=br_rs

Ostura – The Room

Gli strumenti tradizionali e classici guidano la musica verso territori inesplorati e la forza del metal, come tempeste di sabbia nel deserto, si unisce alle orchestrazioni ed alle atmosfere suggestive di cui è composto The Room per un risultato sbalorditivo, avvicinandosi alla perfetta sintesi di quanto abbiamo ascoltato in questi anni in campo sinfonico e metallico.

Certo che ci vuole del coraggio per affermare che quello che esce oggi in ambito rock/metal non sia all’altezza delle opere passate, specialmente quando ci si finge sordi e si ignorano lavori di livello altissimo come The Room, ultima fatica e capolavoro della progressive symphonic metal band libanese Ostura.

Il gruppo, formato nel 2009 ed arrivato al secondo album dopo il debutto Ashes of the Reborn, licenziato nel 2012, è formato da cinque musicisti che si fanno accompagnare in questa nuova avventura musicale da una serie di ospiti internazionali di assoluta garanzia di qualità come Arjen Anthony Lucassen, Marco Sfogli e Ozgur Abbak alla chitarra, Michael Mills alla voce, Thomas Lang alla batteria, Dan Veall al basso,  Yamane Al Hage e Jokine Solban al violino, Nobuko Miyazaki al flauto, Mohannad Nassr all’oud e Roger Smith al violoncello, ai quali si aggiungono due orchestre, la City of Prague Philharmonic Orchestra e la The Lebanese Filmscoring Ensemble.
Un mastodontico lavoro di oltre settanta minuti di musica progressiva che ingloba qualsiasi tipo di spirazione arrivi ai musicisti, dal power metal alla musica orientale, dal symphonic metal all’industrial, in un susseguirsi di sorprese pescate dal cilindro musicale del gruppo come farebbe un prestigiatore per intrattenere gli astanti, rapiti dall’eleganza dei movimenti in un clima di magia.
The Room ha un taglio cinematografico, un suono bombastico e pieno, un approccio progressivo senza assomigliare troppo ad alcuna band, ma che se vogliamo si avvicina più alle colonne sonore e per l’approccio vario ed originale alle ultime produzioni dei Pyogenesis, però in un ambito molto più sinfonico.
Gli strumenti tradizionali e classici guidano la musica verso territori inesplorati e la forza del metal, come tempeste di sabbia nel deserto, si unisce alle orchestrazioni ed alle atmosfere suggestive di cui è composto The Room per un risultato sbalorditivo, avvicinandosi alla perfetta sintesi di quanto abbiamo ascoltato in questi anni in campo sinfonico e metallico.
Le sfumature prese dalla musica tradizionale e gli elementi progressivi aggiungono ulteriore poesia ed atmosfere suggestive a momenti di una bellezza straordinaria, come i dodici minuti di Duality o le trame classiche di Let There Be o della spettacolare The Sourge.
Cori epici, sontuose parti orchestrali, metal tra forza power e ricami progressivi, musica elettronica e folk, in questo lavoro c’è di tutto e di più, perfettamente plasmato in un unico sound, e per quanto mi riguarda sarà difficile fare meglio nel genere per quest’anno.

Tracklist
1.The Room
2.Escape
3.Beyond (The New World)
4.Let There Be
5.Erosion
6.Only One
7.Mourning Light
8.Deathless
9.Darker Shade of Black
10.The Surge
11.Duality
12.Exit the Room?

Line-up
Elia Monsef – Vocals, Production, Media
Danny Bou-Maroun – Keyboards, Orchestration, Production
Youmna Jreissati – Vocals
Alain Ibrahim – Guitars
Alex Abi Chaker – Drums (Live)

OSTURA – Facebook

NEW HORIZONS

Il video di “Inhuman Wrath”, dall’album “Inner Dislocation” (Revalve Records).

Il video di “Inhuman Wrath”, dall’album “Inner Dislocation” (Revalve Records).

The prog metal band New Horizons have released the Lyric video for the song “Inhuman Wrath”:

The song is taken from the album “Inner Dislocation”, released on February 23 via Revalve records. Available on CD/DIGITAL at :
https://player.believe.fr/v2/3614979678169
https://open.spotify.com/album/1mkQzFi3HgyhIx3U1iHxa7?si=GGJ6sURqSV-UCEkYV3QeoQ

https://www.facebook.com/newhorizonsprogband/
https://www.facebook.com/revalverecords/
http://www.revalverecords.com/NewHorizons.html