Witches Of Doom – Obey

Obey, primo album dei romani Witches of Doom, raccoglie il meglio del dark, doom, gothic mondiale e attraverso nove brani dal grande appeal.

Premessa: quest’album è di una bellezza straordinaria, almeno per chi, con un po’ di musica rock oscura sul groppone ed una mentalità abbastanza aperta per seguire la quarantina d’anni di evoluzione che il metal dalle tinte dark ha regalato a chi è affascinato da queste sonorità.

Obey, primo album dei romani Witches of Doom, raccoglie il meglio del dark, doom, gothic mondiale e attraverso nove brani dal grande appeal, a tratti violentato da pesanti scosse stoner, esplode in una cinquantina di minuti entusiasmanti, passando dal doom settantiano dei Black Sabbath ai maestri del dark ottantiano Sisters Of Mercy e Mission, da Jirki e i The 69 Eyes (quelli appena passati dal rock’n’roll delle origini al capolavoro “Wasting the Dawn”) ai Type 0 Negative del mai troppo compianto Peter Steele.
Band formatasi solo lo scorso anno, ma dotata di personalità da vendere, le “Streghe” ci deliziano di questo vademecum del dark/gothic che risulta vario proprio per la sua ecletticità, passando da brani più orientati al dark (sempre molto potenti), resi ipnotici da un riuscito vortice di suoni creati da una sezione ritmica devastante (Jacopo Cartelli al basso e Andrea Budicin alle pelli) e dal chitarrismo graffiante e dal forte impatto seventies del bravissimo Federico Venditti.
Senza nulla togliere agli ottimi musicisti, a cui si aggiungono le tastiere di Fabio Recchia e Graziano Corrado, entrato in pianta stabile nella band, il vero mattatore del disco è il cantante Danilo Piludu, un po’ Jirki 69, un po’ Jim Morrison, sempre sul pezzo nel dare alle songs la giusta tonalità, teatrale quando il songwriting si fa drammatico, superandosi nella lunghissima title-track posta in chiusura, una lunghissima jam dark/stoner da antologia, vero viaggio “acido” nel mondo degli Witches of Doom.
Non una nota fuori posto in questo debutto, dall’iniziale The Betrayal, con una slide guitars dai rimandi Fields of the Nephilim, devastata da massicci chitarroni stoner, alla gothic’n’roll Witches of Doom, bissata dalla trascinante To the Bone, dalla smiballad Crown of Thorns, improbabile ma efficacissimo mix tra Black Label Society e Sisters of Mercy.
Dance of the Dead Flies e Rotten to the Core sono brani dall’andamento freak cadenzato, devastanti sotto l’aspetto dell’impatto, macigni metallici dove i generi descritti si incontrano in una danza sabbatica che avvolge, come un serpente che scivola sul corpo di una bellissima strega.
It’s My Heart arriva giusto prima della fantastica Obey e, purtroppo, si arriva anche in fondo a questo bellissimo album che, a mio parere, eguaglia l’ultimo lavoro dei grandi Bloody Hammers, forse l’unica band che si avvicina alle streghe romane, anche se lo stoner settantiano prevale nel songwriting del gruppo americano, mentre qui l’alternanza di atmosfere e influenze è l’asso nella manica della band capitolina.
In conclusione, album fantastico.

Tracklist:
1. The Betrayal
2. Witches of Doom
3. To the Bone
4. Neeedless Needle
5. Crown of Thorns
6. Dance of the Dead Flies
7. Rotten to the Core
8. It’s My Heart (Where I Feel the Cold)
9. Obey

Line-up:
Jacopo Cartelli – Bass (2013-present)
Andrea “Budi” Budicin – Drums
Federico “Fed” Venditti – Guitars
Danilo “Groova” Piludu – Vocals
Graziano “Eric” Corrado – Keyboards

WITCHES OF DOOM

Majestic Downfall / The Slow Death – Split

Uno split album da accaparrarsi senza indugi vista la qualità e la quantità del materiale presente.

Anche se gli ultimi split album nei quali mi sono imbattuto mi hanno fatto in gran parte rivedere il mio parere iniziale, che vedeva questo formato utile per band ai primi passi e invece motivo di dispersione d’energia e talento per quelle già avviate, quest’operazione della Chaos Records che abbina due realtà death-doom quali i messicani Majestic Downfall e gli australiani The Slow Death, mi ha riaperto qualche dubbio.

Premetto che delle due band conoscevo solo la prima, che di fatto è sempre stata un progetto esclusivo di Jacobo Cordova, soprattutto per il bellissimo disco d’esordio “Temple Of Guilt”; in quest’occasione il musicista messicano mette sul piatto una mezz’ora di musica eccellente, grazie a tre brani capaci di attingere ciascuno alle diverse sfumature del genere, a partire dal black-death doom di The Dark Lullaby, passando per le atmosfere drammatiche di Renata e finendo con Obsidian, che si spinge su versanti gothic doom andando ad evocare talvolta i sempre graditi fantasmi di Paradise Lost e Fields of The Nephilim. Jacobo non si dimostra solo un bravissimo chitarrista ma anche e soprattutto un ottimo interprete con il suo growl sempre espressivo, capace di passare dai toni profondi dell’opener ai tratti più aspri e pregni quasi di disperazione di Renata. Insomma, con altri 10-15 minuti all’altezza ne sarebbe venuto fuori un full-length coi fiocchi ma, anche così, un Ep a nome dei soli Majestic Downfall ci sarebbe stato ampiamente. Tutto questo non è volto a sminuire in alcun modo l’operato degli inquilini della seconda metà dello split, i bravi The Slow Death: semplicemente, vista anche la durata complessiva dei tre brani che ciascuna band aveva a disposizione, c’erano tutti i presupposti per due uscite separate anche se è evidente che in periodi di vacche magre per chi produce e distribuisce musica, mai come oggi vale il famoso detto per cui l’unione fa la forza. I The Slow Death sono una band australiana che ha due full-length all’attivo e che propende per il versante più introspettivo e cupo del genere, cosa che fanno ottimamente con la splendida Criticality Incident I, traccia pregna di melodie dai tratti dolenti. Il problema della band del Nuovo Galles del Sud è, a mio avviso, nella prestazione vocale: qui l’abusato ricorso alla doppia voce femminile-maschile non funziona come dovrebbe, essenzialmente perché i due timbri sono in un caso eccessivo (il growl di Gregg Williamson è di fatto un vero e proprio grugnito privo di un minimo di espressività) e nell’altro inadatto (Mandy Andresen opta per uno stile vagamente sciamanico che mostra la corda particolarmente in una traccia più rarefatta come People Like You). I The Slow Death dimostrano grandi qualità a livello compositivo e il loro sound è tutt’altro che scontato, peccato che questi particolari ne offuschino la proposta invece di esaltarne le caratteristiche. Con tutto ciò, questo resta comunque uno split album da accaparrarsi senza indugi vista la qualità e la quantità del materiale presente, anche se al termine dell’ascolto rimarrà sicuramente la voglia di riascoltare subito i brani dei Majestic Downfall e magari un po’ meno quelli dei pur validi The Slow Death.

Tracklist:
1.MD – The Dark Lullaby
2.MD – Renata
3.MD – Obsidian
4.TSD – Criticality Incident I
5.TSD – Criticality Incident II
6.TSD – People Like You

Line-up:
MAJESTIC DOWNFALL
Jacobo Córdova – All Instruments, Vocals.

THE SLOW DEATH
Stuart Prickett – Guitars, Keyboards, Vocals
Mandy Andresen – Vocals, Keyboards
Gregg Williamson – Vocals
Yonn McLaughlin – Drums
Brett Campbell – Lead Guitar
Dan Garcia – Bass

MAJESTIC DOWNFALL – Facebook

Kalidia – Lies’ Device

La band toscana riesce nella non facile impresa di consegnarci un disco semplice ma costruito su belle canzoni, metalliche ma nel contempo orecchiabili, e va oltre le più rosee aspettative con il proprio power classico ma dal sapore melodico.

Un altro bellissimo album di power metal melodico tutto italiano uscito in questa prima metà dell’anno di grazia 2014, ed un’altra band da scoprire e da seguire per tutti i fan del genere.

Si chiamano Kalidia, vengono da Lucca ed arrivano al debutto sulla lunga distanza dopo un EP del 2012 dal titolo “Dance of the four winds”, prodotto da Alessio Lucatti (Vision Divine, Etherna) che offre loro la possibilità di intraprendere un’intensa attività live, suonando con la crema del power/prog metal nazionale ed internazionale (Vision Divine, DGM, Timo Tolkki, Etherna). Le registrazioni dell’album di debutto iniziano lo scorso anno, sempre sotto l’ala di Alessio Lucatti che produce, masterizza e mixa questo notevole Lies’ Device. La band, guidata dalla voce della bravissima Nicoletta Rosellini, che “interpreta” in modo caldo con il suo tono ricco di pathos ed emozionalità le trame presenti in questo debutto, riesce nella non facile impresa di consegnarci un disco semplice ma costruito su belle canzoni, metalliche ma nel contempo orecchiabili, e va oltre le più rosee aspettative con il proprio power classico ma dal flavour melodico, di gran lunga superiore a tanti artisti più famosi. Dimenticatevi suoni sinfonici, gothic e vocals baritonali, questo è power e, dove necessita, i Kalidia picchiano da par loro, lasciando spazio a momenti dove esce un po’ di anima prog, specialmente nella drammatica Harbinger of Serenity cantata in duetto da Nicoletta con Andrea Racco degli Etherna (freschi dello splendido “Forgotten Beholder”). Si passa così da momenti heavy ad altri dove la band lascia spazio al talento della vocalist, che spadroneggia su tutto l’album deliziandoci con Shadow Will Be Gone, ballad sopra le righe, The Lost Mariner, song che apre l’album tra ottime melodie e bissata dalla più potente Hiding From the Sun, e Dollhouse (Labyrinth of Thoughts), dalle melodie ariose che sfiorano l’AOR. Lies’ Device è a suo modo trascinante e l’ascolto sempre piacevole, tanto che arrivare alla conclusiva In Black and White, dove compare come ospite Alessandro Lucatti con la sua sei corde, è un attimo, passando per almeno altri due brani coinvolgenti come Reign of Kalidia e la title-track. L’abilità della band nello strutturare su un tappeto tastieristico l’ottimo power, addolcito dalla voce della cantante, fornisce a questo lavoro una marcia in più e ci consegna un altro debutto coi fiocchi da parte di una band nostrana, ovviamente consigliato a tutti gli amanti del metal melodico.

Tracklist:
1. The Lost Mariner
2. Hiding from the Sun
3. Dollhouse (Labyrinth of Thoughts)
4. Reign of Kalidia
5. Harbinger of Serenity
6. Black Magic
7. Shadow Will Be Gone
8. Lies’ Device
9. Winged Lords
10. In Black and White

Line-up:
Federico Paolini – Guitars
Nicola Azzola – Keyboards
Nicoletta Rosellini – Vocals
Roberto Donati – Bass
Gabriele Basile – Drums

KALIDIA – Facebook

Atom – Horizons

“Horizons” si rivela un album decisamente ricco di spunti interessanti, a conferma del fatto che, spesso, i lavori dediti al black metal e prodotti in totale autarchia regalano risultati sorprendenti, nonostante tutti i limiti oggettivi che possono derivare da tale condizione.

Atom, progetto solista di Fabio, musicista cesenate, arriva al suo secondo atto su lunga distanza dopo l’esordio avvenuto lo scorso anno con “Waiting for the End”.

Horizons si rivela un album decisamente ricco di spunti interessanti, a conferma del fatto che, spesso, i lavori dediti al black metal e prodotti in totale autarchia regalano risultati sorprendenti, nonostante tutti i limiti oggettivi che possono derivare da tale condizione.
Proprio il fatto di riuscire a proporre un lavoro privo di particolari cali di tensione nell’arco dei suoi tre quarti d’ora di durata, denota doti compositive di buon livello e, pur muovendosi in un ambito musicale decisamente affollato, è apprezzabile in particolare una certa impronta personale conferita da Fabio alla diverse tracce.
Di fatto il black degli Atom prende spunto a livello stilistico e ritmico da quello di matrice scandinava, arricchendolo con un gusto melodico sempre in primo piano: grazie a questo, il latente senso misantropico che aleggia sui brani viene stemperato in umori più malinconici che, più di una volta, vanno a sconfinare nel depressive, creando così un flusso sonoro sempre in bilico tra queste due anime.
Per gusto personale ho molto apprezzato sia la traccia d’apertura External Spectator sia, soprattutto, l’accoppiata centrale formata da Hazy Dreams, con la sua trascinante melodia chitarristica, e The Cold Eternal Light, dove sempre la chitarra regala arpeggi pregevoli, nelle quali il musicista romagnolo riesce probabilmente a focalizzare al meglio i propri intenti.
Meno convincente, invece, un brano come Atheist Manifesto, proprio perché esce parzialmente dalle coordinate sonore espresse negli episodi citati risultando così poco funzionale al contesto del lavoro, mentre un aspetto sul quale ci sarebbe da apportare qualche correttivo, anche in fase di produzione, sono senz’altro le vocals: lo screaming è troppo gracchiante in certi momenti, rivelandosi adatto stilisticamente ai tratti disperati del depressive più intransigente, piuttosto che alle sonorità meno esasperate in tal senso contenute in Horizons.
Se è vero che nel black non si va certo alla ricerca del bel canto, sarebbe ugualmente auspicabile nel futuro il ricorso ad uno stile vocale meno aspro e, magari, parzialmente intelligibile, vista anche la buona qualità dei testi.
Un peccato veniale che inficia, comunque, in minima parte la resa oltremodo soddisfacente di un album che mette in evidenza un nuovo stimolante progetto solista sfornato dall’underground estremo tricolore.

Tracklist:
1. External Spectator
2. Through Empty Days
3. Hazy Dreams
4. The Cold Eternal Night
5. Prelude to the Disenchantment
6. Atheist Manifesto
7. Dead Time
8. Horizons (outro)

Line-up:
Fabio – All Instruments, Vocals

ATOM – Facebook

Kynesis – Kali Yuga

Per i Kynesis un album d’esordio versatile e avvincente dalla prima all’ultima nota

Se c’è una certezza al termine dell’ascolto di questo primo album dei Kynesis, questa consiste nella difficoltà oggettiva di catalogarlo in uno stile specifico.

Infatti, ogni qualvolta pare d’avere inquadrato il sound della band torinese, il brano successivo arriva a ridefinire, quando non addirittura a ribaltare, quanto dedotto in precedenza. Non di rado questa caratteristica si può rivelare un potenziale boomerang, perché il rischio di disorientare un audience pigra è piuttosto elevato: per fortuna, quando una tale versatilità è accompagnata da doti compositive di rara efficacia come quelle mostrare dai Kynesis, tale rischio viene scongiurato. I, Iconoclast è il primo carico piazzato dalla band, un post hardcore sostenuto da un grande impatto melodico che si imprime a forza nella memoria e che, probabilmente, si rivela il picco qualitativo di Kali Yuga. Il fatto che ciò coincida con la prima vera traccia (il lavoro in realtà viene aperto e chiuso da due strumentali in apprezzabile stile space ambient) non significa affatto che il resto del disco si riveli sotto tono, tutt’altro: una serie di brani dall’enorme impatto, sia che appaiano contigui al death melodico, che attingano al più classico postmetal o che lambiscano territori black, almeno per le ritmiche, senza neppure disdegnare talvolta sfumature sinfoniche, si susseguono senza lasciare tempo all’ascoltatore di metabolizzare una specifica impronta, in uno spesso entusiasmante e caleidoscopico alternarsi di emozioni e sensazioni. Nonostante questa accentuata versatilità, come detto, i Kynesis riescono ugualmente a mantenere coesa una tracklist solo apparentemente disomogenea, grazie ad un tratto compositivo del tutto personale, a partire dallo screaming di stampo hardcore di Ivan fino all’ottimo lavoro d’insieme esibito dall’intera band. Un disco, questo, che potrebbe essere giudicato sorprendente per la qualità espressa solo da chi non si è ancora accorto del fatto che, in questo 2014, l’underground metal italiano sta sfornando a getto continuo dischi e band di livello eccelso. Se poi tutti, musicisti ed addetti ai lavori inclusi, continuano pervicacemente a sostenere che, in realtà, una scena tricolore vera e propria non esiste, beh, chi se ne importa, finché i risultati sono quelli esibiti dai Kynesis con Kali Yuga …

Tracklist:
1. Enter the Dark Age
2. I, Iconoclast
3. Gods from Ancient Skies
4. The Screamer
5. Karma
6. Redrum
7. Ex-Stasis
8. Chakra
9. Pancosmic Being
10. Monad

Line-up:
Ivan – guitars, vocals
Giacomo – bass
Francesco – synth, keyboard, programming
Luca – guitars
Alessio – drums

KYNESIS – Facebook‎‎

Demonic Resurrection – The Demon King

The Demon King è un lavoro assolutamente da ascoltare, un macigno di metal estremo sinfonico che vi stupirà.

L’India regala band e gioiellini metallici ogni qualvolta il nostro sguardo ma, soprattutto, il nostro udito si rivolge verso il lontano paese asiatico.

I Demonic Resurrection non sono neanche dei novellini della scena metallica del paese, a ben vedere, e il loro debutto (“Demonstealer”) risale addirittura al 2000; per arrivare e prima di questo ultimo The Demon King hanno pubblicato altri due full-length, “A Darkness Descends” (2005) e “The Return to Darkness” (2010).
Il gruppo di Mumbai continua per la sua strada fatta di un black/death sinfonico sulla scia dei Dimmu Borgir, contaminato dal death progressivo alla Opeth, molto ben riuscito, suonato alla grande e dall’impatto devastante.
Il nuovo album, sempre per Candlelight, non sposta di una virgola le coordinate del gruppo e piacerà agli amanti dei generi estremi sopracitati, portando con sè lo spirito e le strutture che hanno fatto grandi le band di riferimento.
Le tastiere di Mephisto sono le protagoniste del sound della band, molto ben inserite nel contesto sonoro, il songwriting viaggia a ritmi veloci con pochi intermezzi per musicisti che vanno subito al sodo, intrattenendoci con la giusta cattiveria e buone idee.
Facing the Faceless, la title-track e Shattered Equilibrium sono le song che, ad un primo ascolto, mi hanno entusiasmato, ma il disco nel complesso gira che è un piacere, mantenendosi al di sopra della media nel genere proposto.
Non è la prima volta che incontro album cosi ben riusciti provenienti dall’India, probabilmente l’essere al di fuori dei circuiti europei o americani permette alle band di sviluppare il proprio credo musicale senza farsi condizionare troppo dalle mode del momento e andando dritte per la loro strada; i Demonic Resurrection ne sono l’ennesima prova: ottimi musicisti, produzione perfetta e composizioni che stupiscono per maturità e talento.
Ottime le parti in growl e riuscite anche quelle pulite ad opera di The Demonstealer, anche chitarrista, e perfetta la sezione ritmica, sia nelle sfuriate black sia nelle parti più cadenzate dal sapore death; l’elemento sinfonico è sempre presente, aggiungendo un tocco epico al sound di questo bellissimo lavoro e richiamando alla memoria un altro nome, magari meno famoso, come quello dei Bal-Sagoth, che hanno influenzato più gruppi di quanto si possa immaginare.
The Demon King è un lavoro assolutamente da ascoltare, un macigno di metal estremo sinfonico che vi stupirà.
Monumentale.

Tracklist:
1. The Assassination
2. Facing the Faceless
3. The Promise of Never
4. Death, Desolation and Despair
5. The Demon King
6. Architect of Destruction
7. Trail of Devastation
8. Shattered Equilibrium
9. Even Gods Do Fall
10. The End Paradox

Line-up:
The Demonstealer – Vocals, Guitars
Mephisto – Keyboards
Virendra Kaith – Drums
Ashwin Shriyan – Bass
Nishith Hegde – Guitars (lead)

DEMONIC RESURRECTION – Facebook

Profetus – As All Seasons Die

Un disco splendido che se, da una parte, può soffrire del confronto con un nome pesante come quello degli Skepticism, dall’altra si dimostra ben più di un semplice lenitivo per il lungo protrarsi del silenzio discografico di questi maestri della scena funeral.

Per una serie di circostanze ti ritrovi, a sera inoltrata, a rimirare un nero specchio d’acqua, avendo dinnanzi le luci di lontane cittadine turistiche, alle spalle i rumori cacofonici dello pseudo-divertimento, e avvolto dall’umore di chi, a tratti, dubita di riuscire a sistemare un solo tassello della propria intricata esistenza, il tutto con in cuffia l’ultimo disco dei Profetus.

Chi non conosce o sottovaluta l’enorme potenza del doom, penserà istintivamente che questa combinazione di fattori sfavorevoli sarebbe potuta risultare decisiva per annullare quel metro e mezzo di distanza dall’acqua lasciando che l’oblio giungesse provvidenzialmente a risolvere ogni problema. Al contrario, l’effetto catartico del funeral, quando viene espresso in maniera alta come nel caso dei Profetus, è in grado di fornire impulsi diametralmente opposti in chi tende a lasciarsi andare all’autocommiserazione, alla faccia di chi considera questo genere noioso o, ancor peggio, il parto di menti depresse per individui che si trovano in analoghe condizioni. As All Seasons Die è il terzo album per i finlandesi, per i quali inevitabilmente il primo termine di paragone che viene in mente sono i connazionali Skepticism, non fosse altro che per l’uso frequente dell’organo, anche se il suono qui appare ancor più dilatato e minimale, con variazioni spesso impercettibili che portano ugualmente verso un lento ed avvolgente e crescendo emotivo; di fatto, lo stile dei nostri si colloca a metà strada tra la seminale band di Riihimäki ed i meno noti Tyranny (nei quali non a caso una delle menti musicali è il qui presente Matti Mäkelä), autori di un solo monumentale disco, “Tides Of Awakening”, e ciò si avverte proprio in questa esasperata dilatazione e nella ripetitività talvolta ossessiva dei temi. Peraltro i Profetus escono abilmente da questi schemi compositivi regalandoci un brano, Dead Are Our Leaves of Autumn, nel quale la chitarra solista prende per una volta in mano le redini delle operazioni tessendo melodie evocative poggiate sulla consueta base ritmica bradicardica. Probabile mattonata sui denti per chi non apprezza il genere (lecito, per carità, ma io per onestà intellettuale non scriverei mai una riga di commento a proposito un disco di street metal o aor, generi che non sono nelle mie corde, proprio perché nutro il massimo rispetto per chi li suona e per chi li ascolta), As All Seasons Die è in realtà un vero godimento per chi di queste sonorità si nutre e non ne ha mai abbastanza. Un disco splendido, in definitiva, che se, da una parte, può soffrire del confronto con un nome pesante come quello degli Skepticism, dall’altra si dimostra ben più di un semplice lenitivo per il lungo protrarsi del silenzio discografico di questi maestri della scena funeral.

Tracklist:
1. The Rebirth of Sorrow
2. A Reverie (Midsummer’s Dying)
3. Dead Are Our Leaves of Autumn
4. The Dire Womb of Winter

Line-up:
V. Kujansuu – Drums
A. Mäkinen – Guitars, Vocals (lead)
M. Nieminen – Keyboards
D. Lowndes – Guitars
M. Mäkelä – Guitars, Vocals (backing)

PROFETUS – Facebook

MaterDea – A Rose For Egeria

Per i fan del metal sinfonico un album assolutamente consigliato, così come a chiunque abbia voglia di ascoltare ottima musica che inevitabilmente porta a sognare … e di questi tempi non è poco.

I MaterDea sono una band torinese, fondata nel 2008 dalla cantante Simon Papa e dal chitarrista Marco Strega, che arriva quest’anno al traguardo del terzo full-length, dopo il debutto del 2009 “Below the Mists, Above the Brambles”, ed al riuscito secondo lavoro del 2011 “Satyricon”, uscito per Midsummer’s Eve che ha licenziato anche questo nuovo A Rose for Egeria.

Mixato dallo stesso chitarrista e masterizzato ai Finnvox da Mika Jussila, questo nuovo capitolo della saga MaterDea convince ancor più del suo predecessore e chi avrà la fortuna di sentirlo scoprirà di avere tra le mani una band unica, tra le tante bravissime che si affacciano sul mercato nazionale ed internazionale e che abbracciano la causa del symphonic metal; infatti, il gruppo lascia ad altri i territori power/gothic per un approccio pagan/folk, impregnando il sound di suoni orchestrali per nulla pomposi, che rendono il suono elegante e raffinato laddove gli strumenti classici della bravissima Elisabetta Bosio ricamano melodie d’altri tempi, accompagnati dalle tastiere di Elena Crolle. Ed è proprio questa perfetta armonia tra la raffinatezza delle tre damigelle e la grinta metallica degli altri tre elementi maschili del gruppo (Marco Strega e la potente sezione ritmica composta da Morgan De Virgilis al basso e Cosimo De Nola alle pelli) a fare la differenza in questa stupenda opera, che vi porterà a viaggiare tra villaggi immersi in lande verdeggianti, in un mondo dove eroici cavalieri e superbe figure mitologiche faranno la loro comparsa, così come splendide fate, elfi e locande dove rifocillarsi e amoreggiare. Grandi momenti di folk d’autore (la magnifica Land of Wonder) fanno da contraltare a brani più metallici (Tàlagor of the Storms, An Unexpected Guest, Running all Night with the Wind) impreziositi dalla stupenda voce di Simon e dai cori di Elena, mantenendo sempre in primo piano la struttura folk con il tappeto sonoro creato da viola, violoncello e contrabbasso di Elisabetta Bosio. Su tutto l’album aleggia un’atmosfera fantasy che ultimamente ho potuto ascoltare solo su quel “Midgard” dei milanesi Holy Shire, altro ottimo lavoro italiano, segnale di una scena che ormai non ha più nulla da invidiare alle più rinomate realtà europee, riuscendosi a costruire, con dischi di questo livello, una credibilità anche oltre confine. Per i fan del metal sinfonico un album assolutamente consigliato, così come a chiunque abbia voglia di ascoltare ottima musica che inevitabilmente porta a sognare … e di questi tempi non è poco.

Tracklist:
1. Beyond the Painting
2. Tàlagor of the Storms
3. Whispers of the Great Mother
4. Merlin and the Unicorn
5. A Rose for Egeria
6. An Unexpected Guest
7. Land of Wonder
8. Altars of Secrets
9. Prelude to the Rush
10. Running all Night with the Wind
11. Haerelneth’s Journey

Line-up:
Simon Papa – Voce
Marco Strega – Chitarre elettriche e acustiche
Morgan De Virgilis – Basso
Elisabetta Bosio – Violino, viola e contrabbasso
Elena Crolle – Pianoforte e Tastiere
Cosimo De Nola – Batteria

MATERDEA – Facebook

Monolithe – Monolithe Zero

Gradita riedizione in un unico formato dei due EP pubblicati in passato dai Monolithe.

“Monolithe III” e “IV”, usciti ad un anno di distanza tra loro, hanno ribadito l’ingresso in pianta stabile della band parigina nel gotha del funeral doom.

Rispetto ai pur buoni lavori precedenti, gli ultimi due album evidenziano un’evoluzione del sound in senso lato, facendo sì che, mantenendo i tratti distintivi del genere, venisse scongiurato un suo eccessivo ripiegamento su sé stesso. Monolithe Zero del quale parleremo in questo frangente, non è invece un album di inediti (come si evince dalla numerazione), bensì racchiude i due EP “Interlude Premier” e “Interlude Second”, usciti a distanza di 5 anni l’uno dall’altro e che, in qualche modo, sono emblematici delle due fasi della carriera dei doomsters francesi. Se “Interlude Premier” era infatti ancora legato alle sonorità di “II”, risalente a due anni prima, “Interlude Second” anticipava di qualche mese la pubblicazione di “III” che, a mio avviso, è il punto più alto finora raggiunto dai Monolithe (superiore, sia pure a livello di sfumature, anche all’ottimo “IV”). Aperto dalla rivisitazione del tema Also Sprach Zarathustra, i due EP si susseguono mettendo in luce le peculiarità di un sound ostico, spesso ossessivo nel suo insistere su pochi accordi eppure dannatamente efficace, almeno per chi apprezza queste sonorità. Indubbiamente la parte del leone la fa un brano terrificante come Harmony of Null Matter, che originariamente appariva nel secondo EP suddiviso in due parti,vero monumento all’incomunicabilità ed autentica prova del nove alla quale sottoporre chi si considera a parole un fan del funeral. Da notare anche la presenza in tracklist della riuscita cover di Edges, brano tratto da un album monumentale come “Lead And Aether” degli Skepticism, band che sicuramente ha fornito più di uno spunto a Sylvain Bégot e soci, per quanto costoro oggi possano vantare una cifra stilistica del tutto personale. Evidentemente questo lavoro nulla aggiunge allo status raggiunto dai Monolithe ma, oltre a rivelarsi un utile indicatore di quanto il sound dei nostri si sia evoluto nel corso del tempo, costituisce la ghiotta occasione di far propri i due EP in un sol colpo. Peraltro, quasi in contemporanea, la Debemur Morti pubblica anche la riedizione rimasterizzata di “Monolithe II”: ecco, che nessuno si sogni di parlare di operazioni commerciali in relazione a band che suonano funeral doom, potrei riderne fino a rischiare di morire …

Tracklist:
1. Also Sprach Zarathustra
2. Monolithic Pillars
3. Edges
4. Harmony of Null Matter

Line-up:
Benoît Blin – Bass, Guitars
Sébastien Latour – Keyboards, Programming
Sylvain Bégot – Guitars, Bass, Keyboards, Programming
Richard Loudin – Vocals

MONOLITHE – Facebook

Bloodstrike – Necrobirth

Esordio all’insegna di un death old school per i Bloodstrike.

Capitanati da una “gentil donzella”, Holly Wedel, dal growl di un orco in preda a devastanti dolori addominali, i Bloodstrike licenziano il demo d’esordio dal titolo Necrobirth: tre brani di feroce death metal old school, influenzato dalle band nordeuropee che del genere hanno fatto la storia.

La band di Denver si forma nel 2013 e immette sul mercato questo massacro che dà alle fiamme tutto il Colorado e cerca di attecchire anche nel resto di un mondo che riesce purtroppo ad essere più malvagio anche della musica dei nostri. In Death We Rot, brano che funge anche da singolo/video promozionale, è un buon biglietto da visita per il gruppo americano che, fregandosene di mode e altre amenità sfoggia una passione morbosa per il death scandinavo dei primi anni novanta. Il groove dei pezzi è elevato all’ennesima potenza e l’impatto garantito da un’attitudine “in your face” che si dimostra l’arma letale dei Bloodstrike. Rhiannon Wisniewsky e Ryan Alexander Bloom formano, rispettivamente al basso e alla batteria, una sezione ritmica dirompente, mentre le due asce, tra gli artigli di Jeff Alexis e Joe Piker, distruggono a suon di riff ogni nostra resistenza, ricordandoci che Dismember, Entombed, Grave e primissimi Hypocrisy non sono solo “band”, ma i padri fondatori di un genere che ha fatto la storia della musica. Buon inizio per un prosieguo che spero ricco di soddisfazioni per questi cinque death metallers statunitensi.

Tracklist:
1. In Death We Rot
2. Skeletal Remains
3. Serpent Son

Line-up:
Holly Wedel – Vocals
Jeff Alexis – Guitars
Joe Piker – Guitars
Rhiannon Wisniewski – Bass
Ryan Alexander Bloom – Drums

BLOODSTRIKE – Facebook

Derdian – Human Reset

Bellissimo lavoro da parte dei Derdian, potenza e melodia al sevizio del metallo pesante.

Brutta bestia il power metal; dopo aver dominato il panorama, sopratutto in Europa, negli anni a cavallo del nuovo millennio, portato al successo da band che in quel periodo hanno sfornato capolavori a getto continuo, lo ritroviamo nel secondo decennio del duemila ancora una volta in stand by nelle preferenze di fan e addetti ai lavori, superato dal symphonic gothic metal.

Invero i nomi più importanti faticano ad arrivare ai livelli eccelsi di una quindicina di anni fa, ed allora ecco che il tanto bistrattato underground viene in soccorso regalando band e album notevoli, come questo bellissimo e ultimo lavoro dei milanesi Derdian. Per chi non conoscesse ancora il gruppo, ricordo che è attivo dal 2001 e che il primo full-length risale al 2004 con “New Era Pt.1”, disco che porta in dote la firma con la prestigiosa Magna Carta, seguito dagli altri due capitoli “New Era Pt 2-War of the Gods” e “New Era Pt 3-The Apocalypse”. Nel 2013 arriva “Limbo”, che segna l’abbandono delle tematiche fantasy per un approccio più immerso nella realtà quotidiana. Oggi la band, accasatasi con None Records, è pronta a partecipare alla battaglia per il miglior album dell’anno nel suo genere con Human Reset, straordinario lavoro di power metal moderno, dove le orchestrazioni incontrano la potenza del metallo pesante mantenendo un perfetto equilibrio, in un elegante dimostrazione di forza da parte della band milanese, capace di superare se stessa con un songwriting sopra le righe che alterna brani dal sapore epico sinfonico (come il capolavoro Music for Life) a altri nei quali la fa da padrona l’originalità: tutto questo in un ambito stilistico per il quale molti sostengono tutto sia sia già stato scritto, con strutture metalliche dall’approccio moderno e andando ben oltre alla classica band alla Rhapsody (tanto per fare un esempio). Human Reset è una raccolta di brani eccellenti e con picchi qualitativi elevatissimi, quali Mafia, canzone dalla citazione cinematografica nel solo del bravissimo Dario Radaelli, la title-track dai cori epici e cavalcata metallica esaltante nel suo incedere, Absolute Power, dove l’intera band offre l’ennesima lezione di potenza e tecnica, con la sezione ritmica sugli scudi per tutto l’album (Marco Banfi, basso e Salvatore Giordano, batteria), la ritmica sempre puntuale di Enrico Pistolese, le orchestrazioni eleganti di Marco Garau e il bravissimo Ivan Giannini, vocalist dalle mille risorse, convincente nei toni bassi e straripante dove la sua ugola prende il volo per raggiungere le vette dei colleghi più famosi, ad aggiungersi alla prova ineccepibile del già citato chitarrista. Non esiste attimo di tregua in questo lavoro fino alla stupenda After the Storm, ballad che non smorza la tensione, con il piano a guidare il sound e chitarra e orchestrazioni che nel refrain portano il pathos alle stelle. Ancora il piano inizia e conclude la stupenda My Life Back, traccia che mette la parola fine ad un lavoro superbo, dove potenza e melodia vengono messe al sevizio del metal.

Tracklist:
1. Eclipse
2. Human Reset
3. In Everything
4. Mafia
5. These Rails Will Bleed
6. Absolute Power
7. Write Your Epitaph
8. Music Is Life
9. Gods Don’t Give a Damn
10. After the Storm
11. Alone
12. Delirium
13. My Life Back

Line-uo:
Ivan Giannini – Vocals
Marco Banfi – Bass
Marco Garau – Keyboards
Enrico Pistolese – Guitars,B.vocals
Dario Radaelli – Lead guitars
Salvatore Giordano – Drums

DERDIAN – Facebook

The Morningside – Letters From The Empty Towns

Terzo ed ottimo album per i russi The Morningside.

Nuovo capitolo della saga The Morningside, band al suo terzo full-length dopo l’esordio del 2007 “The Trees and the Shadows of the Past”, bissato nel 2009 da “Moving Crosscurrent of Time” e dall’EP del 2011 “Treelogia”. Il gruppo proveniente dalla capitale sovietica propone un doom/death metal melodico sulla scia dei primi lavori dei Katatonia (la band alla quale fanno maggior riferimento) irrobustendolo con iniezioni di death melodico alla Dark Tranquillity (era “Projector”), ed il risultato non può che essere, visto anche il buon songwriting e la bravura dei musicisti coinvolti, un ottimo lavoro di genere. Rispetto agli album precedenti i The Morningside imprimono più potenza al sound di Letters From The Empty Towns relegando le atmosfere rarefatte e gli interventi della voce pulita ad occasionali stacchi in qualche brano (On the Quayside), lasciando invece molto spazio alle chitarre, assolute protagoniste con splendide ritmiche e solos che si avvicinano al prog/death degli Opeth piuttosto che al sound di Agalloch e Ulver come nei primi dischi. Le vocals di Nikitin sono corrosive e come sempre marchio di fabbrica della band che, The Outside Waltz a parte (bellissimo strumentale acustico), regala brani dal forte impatto drammatico, per un viaggio in quel metal dai richiami dark capace di regalare emozioni, sostenuto da una struttura chitarristica di primo livello: un lavoro maturo, che cresce con gli ascolti e che trova nella stupenda Ghost Lights (la canzone che più si avvicina ai Katatonia) otto minuti di meraviglie melodiche. Invero sul finire del lavoro la band, dopo le sfuriate della prima metà del disco, si rilassa e anche nella finale Letter ci consegna un brano semiacustico, come se il sound del gruppo si raccogliesse su se stesso, in posizione fetale, dopo aver sfogato tutta la rabbia ed essere arrivato, così, allo stremo. Buoni outsiders, i The Morningside sanno toccare l’anima: la loro musica difficile, per questi tempi dove anche nel metal si ha la sensazione di dover consumare tutto e subito, in una sorta di tremendo usa e getta, ferma il tempo e siamo noi che ne dobbiamo approfittare per regalarci ogni tanto un momento di poesia; fatelo, non ve ne pentirete.

Tracklist:
1. Immersion
2. One Flew (Over the Street)
3. Deadlock Drive
4. Sidewalk Shuffle
5. On the Quayside
6. The Traffic Guard
7. The Outside Waltz
8. Ghost Lights
9. The Letter

Line-up:
Ilya Egorychev – Bass
Boris Sergeev – Drums
Igor Nikitin – Vocals, Guitar
Sergey Chelyadinov – Guitars

Yasru – Öz

Per chi non ha mai visitato la Turchia, l’ascolto di questo lavoro degli Yaşru può essere l’occasione di intraprendere un piacevole viaggio virtuale

I turchi Yaşru , attivi da circa un lustro, ci propongono questo loro ottimo secondo album intitolato Öz.

Dopo il folk metal nordico, quello celtico e quello del mediterraneo occidentale, ecco affacciarsi alla ribalta questa sua intrigante variante che, come la nazione dalla quale proviene, alla fine si rivela un crogiolo di influenze a cavallo com’è tra le sonorità europee e quelle più tradizionalmente di stampo orientale. La band, di fatto, è guidata dall’esperto musicista di Istanbul Berk Öner, che si occupa con grande perizia sia delle parti vocali sia di quasi tutta la strumentazione, in particolare quella etnica, lasciando che i suoi due compagni d’avventura si dedichino alla sola base ritmica. Berk non ha una voce eccezionale, ma la sua timbrica molto evocativa si rivela del tutto adeguata al genere proposto, così come la parte strumentale si mostra molto più orientata verso suoni afferenti la tradizione rispetto alle proposte che ascoltiamo di solito in quest’ambito, lasciando che la componente metal resti tutto sommato sullo sfondo. E’ anche vero, del resto, che a livello di ritmica talvolta affiora un qualche retaggio doom, (in particolare nella magnifica Yağmur) oltremodo gradito in quanto capace di elevare ulteriormente il tasso emotivo del lavoro. La componente orientaleggiante non prevarica mai melodie molto lineari, non così dissimili da quelle che siamo abituati ad ascoltare nelle nostre lande e, in tal modo, Berk riesce a portare l’ascoltatore in territori sicuramente non familiari senza che, per questo, ci sia il rischio di respingerlo mettendolo di fronte a sonorità eccessivamente ostiche. Öz, infatti, è un album snello, che in meno di quaranta minuti racconta molto di questo splendido paese nel quale convivono realtà contrapposte come quella metropolitana di Istanbul e quella rurale dell’Asia Minore. Per chi non ha mai visitato la Turchia, l’ascolto di questo lavoro degli Yaşru può essere l’occasione di intraprendere un piacevole viaggio virtuale e, nello specifico, il folk si conferma, fra tutti i generi musicali, uno dei veicoli ideali per far veleggiare la nostra immaginazione.

Tracklist:
1. Saymalıtaş
2. Tunç Yürekliler
3. Yol Verin Dağlarım
4. Yağmur
5. Öd Tengri Yasar
6. Bilge Kağan’nın Sözü
7. Kara Haber
8. Gecenin Türküsü

Line-up: Batur Akçura – Bass
Mert Gezgin – Drums
Berk Öner – Vocals, Guitars, Ethnic instruments

YASRU – Facebook

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Bleed Someone Dry – Subjects

Riedizione a cura delle WormHoleDeath di questo buon lavoro dei Bleed Someone Dry.

La WormHoleDeath si assicura le prestazioni di questi cinque musicisti di Pistoia e ristampa il loro secondo full-length dal titolo Subjects uscito nel 2012 per l’etichetta veronese Kreative Klan.

Subjects e’ un lavoro di difficile catalogazione, la band parte da un concept che denuncia la totale assuefazione del genere umano alla schiavitù morale e sociale imposta dalla società odierna, che di fatto va a scapito per una più redditizia globalizzazione di massa. A livello musicale i Bleed Someone Dry usano la materia “core” con qualche riferimento al death, anche se non così pronunciato come in molte realtà di genere, con un uso dell’elettronica che molte volte si alterna ai tipici cambi di tempo ritmici ed il ricorso ad una voce che risulta uno scream sguaiato ma dal buon impatto. Questo album è caratterizzato da un sound pieno, un vero muro sonoro che travolge tra ritmiche potenti, strutture complesse ma che non inficiano la scorrevolezza dei brani, lasciando che la musica avvolga l’ascoltatore senza grossi cali di tensione, tra riffoni ultraheavy, partiture elettroniche ed evoluzioni tecniche mai troppo forzate. La title track, Corrosive Whisperer, The law is not equal for all, sono le canzoni dove a mio parere il sound della band risulta più enfatizzato. Un buon lavoro, dunque, consigliato agli amanti del death più moderno e a coloro che non disdegnano band più note come Meshuggah, Converge e Dillinger Escape Plan.

Tracklist:
1. Bleed
2. As Broken Shards
3. Subjects
4. Corrosive Whisper
5. Wide Open Jaws
6. Jab of Hatred
7. By My Horny Hands
8. The Law Is Not Equal for All
9. ‘Till the End
10. It’s a secret

Line-up: Jonathan Mazzeo – Guitars, Synths
Mattia Baldanzi – Bass
Alfeo Ginetti – Drums
Alessio Bruni – Vocals

Haemophagus – Atrocious

Death metal da standing ovation per i siciliani Haemophagus.

Tornano sul mercato, tramite Razorback Records, i siciliani Haemophagus con questo bellissimo ultimo lavoro intitolato Atrocious.

La band, attiva dal 2005 e autrice di una miriade di split e con un primo full-length alle spalle, targato 2009, dal titolo “Slaves to the Necromancer”, devasta a suo modo tutto quello che incontra, sparando bordate di death old school da cui non si può sfuggire.
Atrocious è un album molto maturo dalla copertina prog anni settanta, bissata da un’Intro spaziale,due minuti e mezzo di strumentale tra Goblin e King Crimson, prima che la furia del tornado death si accanisca su di noi distruggendo ogni resistenza.
Ottimi musicisti al servizio di un metal estremo che ha nei rallentamenti doom momenti di sublime fascino sinistro arrivando a toccare vette altissime: mi hanno fatto tornare in mente quel capolavoro che fu “Forest of Equilibrium” dei Cathedral di Lee Dorrian, nella prima parte di Surgeon of Immortality e, comunque, tutto il lavoro scorre su questa altalena tra momenti rallentati e sfuriate devastanti, dove le doti tecniche del combo saltano immediatamente all’orecchio.
Le pelli di David, picchiatore impietoso, formano con il basso di Gas una sensazionale sezione ritmica che ben supporta le due chitarre, rispettivamente Gioele e Giorgio, protagonista anche dietro al microfono, con una prestazione che ricorda il buon Dave Vincent, non a caso il vocalist della band che più di ogni altra si pone quale nume tutelare del gruppo palermitano: i Morbid Angel.
Gli Haemophagus si confermano come band sopra la media, con una personalità da veterani consumati ed un magnifico songwriting che fa di questo lavoro uno dei più riusciti nel genere, con brani che rasentano la perfezione, una valanga di riff ora iperveloci, ora spaventosamente lenti ma pesantissimi, autentici macigni che vi scuoteranno le interiora e vi lasceranno spossati al termine dell’ultima nota.
Grandissime, tra le varie tracce, la title-track con quel riff iniziale che mi fa frullare nella testa il periodo settantiano, Dismal Apparition, la violentissima Siege of Murderous Beasts e la monumentale doom/death Naked in the Snow, perle nere che faranno impazzire gli amanti di queste sonorità che suggellano il grandissimo ritorno di una band fenomenale con un album da standing ovation!

Tracklist:
1. Intro
2. Partying at the Grave
3. Atrocious
4. Exaltation for a Dying Victim
5. Dismal Apparition
6. Ice Cold Prey
7. Surgeon of Immortality (Alfredo Salafia)
8. Siege of Murderous Beasts
9. Swollen With Parasites
10. Naked in the Snow
11. Choked on a Cadaver’s Dick
12. The Honourable Society of Black Sperm
13. From the Sunken Citad

Line-up:
David – Drums
Giorgio – Guitars, Vocals
Gas – Bass
Gioele – Guitars, Backing Vocals

HAEMOPHAGUS – Facebook

Origin – Omnipresent

Spettacolare ritorno della band di Topeka con questo devastante massacro brutal death dal titolo “Omnipresent”.

Spettacolare ritorno della band di Topeka (U.S.A.) con questo devastante massacro brutal death dal titolo Omnipresent, che conferma le capacità dimostrate dagli Origin nei primi cinque capitoli, dall’esordio omonimo all’inizio del nuovo millennio fino ad arrivare a “Entity” del 2011.

Siamo al cospetto di un gruppo che non necessita di particolari presentazioni o riferimenti, d’altronde Omnipresent è come detto già il sesto full-length che continua senza indugi la devastazione sonora, perciò troverete nei solchi del nuovo album quel technical brutal death che è il marchio di fabbrica dei musicisti statunitensi: un TIR impazzito che travolge a suon di riff, scale melodiche, velocità disumana e macigni cadenzati, tutto ciò che incontra con una facilità disarmante. Gli Origin hanno la peculiarità di non fare semplicemente brutal, nel loro swongwriting convivono diverse anime estreme perfettamente in armonia, ed allora nella strada che percorrerete dall’inizio alla fine di quest’album troverete grind, death old school, elementi classici e thrash, riff marziali ed epiche atmosfere che fanno di questo disco un ciclone di metal estremo. Jason Keyser è il solito disumano cantore che, con il suo growl, spaventerebbe l’esercito di orchi in attesa dell’attacco al fosso di Elm, Mike Flores e John Longstreth (basso e batteria), inumane macchine da guerra, formano una sezione ritmica da distruzione totale, essendo dotati di una tecnica fuori categoria, mentre Paul Ryan è, probabilmente, il chitarrista migliore in circolazione nel genere, dotato com’è di una fantasia e di un eclettismo spaventosi. Basta poco più di mezz’ora di musica agli Origin per aprire le porte dell’inferno e convincere Lucifero che non è il caso di mettersi contro questo tornado, formato da dodici brani che vorticosamente imperversano nell’empireo del metal estremo. Manifest Desolate, Source of Icon O, i fantastici due minuti di scale neoclassiche di Continuum, Unattainable Zero, l’altro bellissimo strumentale Obsolescence e Malthusian Collapse, riempiono questo disco di musica enorme nel vero senso del termine, riconsegnandoci in questa metà dell’anno una delle band guida di tutto il movimento.

Tracklist:
1. All Things Dead
2. Thrall:Fulcrum:Apex
3. Permanence
4. Manifest Desolate
5. The Absurdity of What I Am
6. Source of Icon O
7. Continuum
8. Unattainable Zero
9. Redistribution of Filth
10. Obsolescence
11. Malthusian Collapse
12. The Indiscriminate
13. Kill Yourself (S.O.D. cover)

Line-up:
Paul Ryan – Guitars, Vocals (backing)
Jason Keyser – Vocals (lead)
Mike Flores – Bass, Vocals (backing)
John Longstreth – Drums

ORIGIN – Facebook

Blut Aus Nord / P.H.O.B.O.S. – Triunity

Molto valida l’idea della Debemur Morti di abbinare in questo split album due realtà che, muovendosi da punti di partenza piuttosto lontani tra loro,sono approdate con il tempo a sonorità relativamente vicine, non solo per attitudine sperimentale.

Split dalle diverse ed interessanti motivazioni, questo che vede all’opera due band francesi differenti per fama ed estrazione, ovvero i monumenti del black/death avanguardistico Blut Aus Nord e gli interessanti industrial doomsters P.H.O.B.O.S..

C’era ovviamente curiosità per le scelte stilistiche intraprese da Vindsval e soci dopo la trilogia “777” che aveva spostato progressivamente il sound verso coordinate meno estreme per approdare ad una sorta di dark industrial/ambient nell’atto conclusivo “Cosmosophy”: chi non aveva apprezzato tale svolta può dormire sonni tranquilli visto che i Blut Aus Nord sono tornati a fare, con la bravura che è loro riconosciuta, quel metal estremo ricco di dissonanze ma, nel contempo, capace di avvolgere nelle proprie intricate spire, che ha fornito in passato frutti prelibati; le tre tracce sono ugualmente intense, complesse e avvincenti, anche se la vena oscuramente melodica che si manifestava a tratti in “777” non è andata del tutto dispersa (Némeïnn). Dei P.H.O.B.O.S., al contrario, nulla conoscevo pertanto non ho a disposizione particolari termini di paragone: intanto va detto che trattasi di una one-man band, attiva da oltre un decennio e con tre full-length all’attivo, condotta dal parigino Frédéric Sacri e, indubbiamente, il loro industrial doom non mostra il minimo ammiccamento a sonorità più fruibili, mostrandosi impietosamente ossessivo, alienante, insomma nulla che possa interessare qualcuno che non abbia un minimo di familiarità con questi suoni, ma molto intrigante per chi, invece, in passato si fece irretire da entità mostruose quali Godflesh o Scorn. Ho trovato molto valida l’idea della Debemur Morti di abbinare in questo split album due realtà che, muovendosi da punti di partenza piuttosto lontani tra loro, sono approdate con il tempo a sonorità relativamente vicine, non solo per attitudine sperimentale. Triunity si rivela così, nel contempo, una risposta eloquente ai dubbi espressi da qualcuno (non certo da parte mia, visto che considero la trilogia “777” un’opera magnifica in ogni sua parte) nei confronti delle scelte stilistiche operate dai Blut Aus Nord nel recente passato, e un’opportunità per far conoscere ad un pubblico auspicabilmente più ampio i meno noti ma ugualmente efficaci, nonché degni della massima attenzione, P.H.O.B.O.S..

Tracklist:
1. Blut aus Nord – De Librio Arbitrio
2. Blut aus Nord – Hùbris
3. Blut aus Nord – Némeïnn
4. P.H.O.B.O.S. – Glowing Phosphoros
5. P.H.O.B.O.S. – Transfixed at Golgotha
6. P.H.O.B.O.S. – Ahrimanic Impulse Victory

Line-up:
Blut aus Nord:
Vindsval – Vocals, Guitars GhÖst – Bass
Gionata “Thorns” Potenti – Drums

P.H.O.B.O.S.:
Frédéric Sacri – Guitars, Keyboards, Vocals

BLUT AUS NORD – Facebook

Rival Sons – Great Western Valkyrie

Quarto album e ancora grande hard rock settantiano per i Rival Sons.

Che l’hard rock di matrice settantiana sia tornato alla ribalta nel panorama internazionale da un po’ di anni è cosa nota, le band che riesumano con abilità il sound che fece la fortuna di Led Zeppelin, The Doors e Deep Purple, tanto per fare tre nomi a “caso”, sono tante e di ottima qualità: tra queste ci sono i californiani Rival Sons, giunti con questo Great Western Valkyrie al quarto disco in studio, dopo l’esordio del 2009 “Before The Fire”, il primo per la Earache del 2011 “Pressure And Time”, ed il bellissimo predecessore “Head Down” del 2012, intervallati da un EP del 2011 autointitolato.

Intanto il nuovo album porta un paio novità, la presenza del bassista Dave Beste e l’aiutino alle tastiere di Ikey Owens, già The Mars Volta e session per Jack White, e conferma i Rival Sons come una delle più talentuose band della nuova generazione, con una compilation di brani irresistibili, un inchino davanti all’altare del dio del rock che aveva i maggiori e più affezionati discepoli nel decennio settanti ano: spettacolari atmosfere hard rock colme di groove ed accenni blues, un Hammond che a tratti diventa protagonista come poteva esserlo quello del grande Jon Lord e momenti di calda poesia musicale presa dai migliori spartiti della band di Jim Morrison, un susseguirsi di riff direttamente da casa Page e la caldissima voce di Buchanan a rinverdire i fasti dei grandi singer del passato, con una prova mai così efficace su dei brani splendidi.
Electric Man e Good Luck invitano l’ascoltatore ad un giro sulla giostra dei Rival Sons, un ottovolante di suoni freak, un caleidoscopio di colori e vibrazioni direttamente dall’universo hard blues ai quali è impossibile resistere; Secret non è da meno, chitarra e Hammond accompagnano il vocalist mai così “plantiano”, mentre i brani si susseguono uno più bello dell’altro e sembra che questa libidine non abbia mai fine: Play the Fool, la bellissima Good Things che sembra uscita da un film di Quentin Tarantino, con il suo andamento da danza con un serpente albino (chi si ricorda la danza vampirica della stupenda Salma Hayek di “Dal tramonto all’alba”?).
Ancora la doorsiana Rich and Poor, la emozionale ballad dal sapore blues Where I’ve Been e la conclusiva Destination on Course, suite zeppeliniana dove chitarra psichedeliche incrociano cori dai rimandi gospel, in una jam acida d’antologia.
Grande band e grandissimo disco, l’hard blues nel 2014 passa assolutamente da band come i Rival Sons, non certo da raccolte o remasters di dinosauri di cui si conosce la discografia nei dettagli.
Album bellissimo da avere, punto.

Tracklist:
01. Electric Man
02. Good Luck
03. Secret
04. Play The Fool
05. Good Things
06. Open My Eyes
07. Rich and the Poor
08. Belle Starr
09. Where I’ve Been
10. Destination on Course

Line-up:
Jay Buchanan – Vocals
Scott Holiday – Guitars
Michael Miley – Drums
Dave Beste – Bass

RIVAL SONS – Facebook

Fabrizio Giosuè

Qui di seguito una bella chiacchierata con Fabrizio Giosuè, l’autore di Folk Metal e maggiore esperto di folk metal in Italia, ma soprattutto persona molto intelligente ed interessante.
Folk On !

Qui di seguito una bella chiacchierata con Fabrizio Giosuè, l’autore di Folk Metal (leggi qui la recensione) e maggiore esperto di folk metal in Italia, ma soprattutto persona molto intelligente ed interessante.
Folk On !

iye Puoi raccontare di come sia nata la tua grande passione per il folk metal?

Tutto iniziò nel 1998 quando, attraverso il tape trading, ascoltai Once Sent From The Golden Hall, debutto degli Amon Amarth. Mi innamorai immediatamente di quella musica così potente e pregna di sentimento e onore, dove i testi parlavano di epiche epoche lontane. Iniziai quindi a leggere dei libri sui vichinghi, sul medioevo e sulle varie mitologie, procurandomi al contempo alcuni dischi importanti per la scena come Eld degli Enslaved, Hammerheart dei Bathory e così via. Con gli anni mi sono sempre più appassionato a questo filone musicale fino ad arrivare, nell’ultimo periodo, a scriverci un libro e ad aprire il primo sito internet in Italia a trattare unicamente folk e viking metal.

iye Secondo te, oltre a leggere il tuo libro, una persona interessata cosa può fare per cominciare a muoversi nel mondo folk \ viking?

Sicuramente i concerti sono il modo migliore per capire che cosa vuol dire folk metal. Solitamente è una grande festa dove gente in kilt brinda con corni colmi di birra e si balla e si poga in allegria finché si ha la forza. È un ambiente che spiazza le persone che non lo conoscono in quanto è meno serioso rispetto a quello del metal estremo o degli altri stili. Inoltre ai concerti si possono incontrare i musicisti e scambiarci qualche battuta o vedersi offrire una birra come è accaduto a me con Trollmannen dei Trollfest per il semplice motivo che indossavo una maglia di suo gradimento!

iye Folk e viking si compenetrano o sono due generi ben divisi?

Sicuramente sono generi divisi e diversi, ma che nel corso degli anni si sono avvicinati e a volte uniti. Il folk vede l’utilizzo di alcuni strumenti che nel viking (che spesso deriva dal black metal) difficilmente vengono impiegati se non per brevi momenti, mentre a livello lirico sono mondi molto vicini. Probabilmente il ponte tra questi due stili è stato Till Fjälls di Vintersorg (1998).

iye È possibile che il successo del folk metal sia la necessità di riscoprire l’antico folclore usando un linguaggio moderno come il metal?

Sicuramente potrebbe essere una chiave di lettura. Originariamente i musicisti parlavano nei testi degli argomenti a loro cari anche al di fuori del contesto musicale. Valfar dei Windir era realmente interessato alla storia della sua zona e per questo ne ha parlato nei dischi, così come gli ZZ Top parlavano nei primi album di auto veloci e donne sexy perché quelli erano i loro interessi di tutti i giorni. Sicuramente negli ultimi anni parlare di storia e folclore (a volte in maniera alquanto banale) è diventato un po’ una moda che tutte le band devono seguire. Ma è un bellissimo modo per (ri)scoprire le proprie origini, venire a conoscenza di racconti che solo gli anziani del paese conoscono, imparare tante piccole cose che possono riavvicinare l’uomo alla natura. Ci sono diversi gruppi che stanno facendo questo percorso secondo me molto bello, i primi che mi vengono in mente sono i Kanseil, giovane band che ha pubblicato un bellissimo demo nel 2013.

iye È anche curioso notare come il folk metal e l’immaginario nordico abbiano fatto moltissima strada, arrivando agli antipodi…

È vero, con gli anni l’immaginario nordico ha conquistato tutto il mondo: possiamo trovare gruppi con temi nordici in Sud Africa, Australia e Messico, così come in tutta Italia. Le band sono libere di trattare le tematiche che più gli sono care nei testi, ma personalmente trovo decisamente più interessante un gruppo che si rifà alla storia della propria zona, magari dopo aver speso mesi o anni in ricerche al fine di creare un lavoro “serio” e interessante anche sotto l’aspetto lirico/musicale. I toscani Wolfingar, ad esempio, introdurranno nel prossimo lavoro un particolare strumento creato da Francesco Landucci seguendo l’iconografia e le testimonianze dell’antica Etruria.

iye Quali sono i possibili scenari futuri per una musica che sta raccogliendo sempre più adepti?

Come scrivo nel libro, credo che assisteremo presto a un’implosione del genere: troppi gruppi, troppe etichette, troppi soldi che girano. Un po’ come è successo con il power metal sul finire degli anni ’90 e per il new metal più avanti. Rimarranno solo quelli che hanno realmente qualcosa da dire e chi ha questo genere nel cuore.

iye Come va il sito misterfolk.wordpress.com? Per la cronaca concordo pienamente sul fatto che “Eld” degli Enslaved sia un capolavoro…

Sono molto soddisfatto di come va il sito! Misterfolk (che nel frattempo è diventato misterfolk.com) è online da circa un anno e conta già più di 30000 pagine visitate, un ottimo risultato considerando che viene dato ampio spazio alle realtà underground con recensioni e interviste. Inoltre ho realizzato la Mister Folk Compilation vol. I con 19 gruppi italiani ed europei, cd scaricabile gratuitamente e che vede l’artwork realizzato dalla brava Elisa Urbinati. Ho inoltre reso disponibile in formato .pdf i primi 6 mesi di lavoro della webzine, in modo che chi ha la passione della carta può liberamente stampare Mister Folk magazine n.0. Nel mio piccolo cerco di dare una mano alla scena, in maniera concreta, le centinaia di dwl provenienti da tutto il mondo testimoniano la bontà delle mie idee.
Per quel che riguarda Eld, cosa dire? È uno dei lavori più importanti per l’affermazione e sviluppo del viking metal, la base – insieme a una manciata di altri dischi – per capire cosa vuol dire la parola “viking”.

iye I gruppi italiani come Folkstone e Furor Gallico mi sembrano molto interessanti, e a mio avviso hanno delle caratteristiche che divergono dagli altri gruppi stranieri. Ad esempio i Folkstone hanno testi molto guerrieri, ma non tanto sulla guerra quanto proprio sul vivere barbaro. E i Furor Gallico hanno tirato fuori un disco clamoroso…

Stiamo parlando di due gruppi dalle grandi qualità e dalla spiccata personalità. Adoro il lavoro dei bergamaschi e trovo che l’ultimo Il Confine abbia i testi di una profondità che non tutti sono in grado di cogliere. Anche io, quando lo recensii nel 2012, non mi resi conto della delicatezza e intensità dei versi scritti da Lore e Roberta. I Furor Gallico hanno pubblicato un full length veramente bello, sono quindi molto curioso di ascoltare il prossimo cd, hanno le carte in regola per sfondare anche a livello europeo. In Italia, comunque, ci sono diversi gruppi veramente di alta qualità, e dopo il clamoroso De Ferro Italico dei Draugr lo testimonia anche il recente Gloria Et Morte dei Gotland.

iye A tuo avviso quali sono le ragioni del successo planetario del folk metal, che veicola argomenti perlopiù scandinavi?

Credo che siano due i fattori principali: la mitologia è fantastica, gli dei sono “umani” e le loro storie sono incredibili, tragiche, piene di passione, furbizia e coraggio, sono bellissime da leggere e da raccontare. Inoltre i vichinghi rappresentano la mascolinità e la forza che ogni uomo vorrebbe avere, io per primo vorrei essere alto, muscoloso, biondo e senza paura ahahah!!! La storia dei popoli del nord è assolutamente interessante: tutti questi “argomenti” si prestano benissimo per testi e immagini dei gruppi folk/viking.
Credo che buona parte del successo del folk metal sia dovuto alle sonorità spesso allegre e danzerecce delle canzoni, in contrasto con tutto il resto dell’universo metal. Le case discografiche captando questo interesse ci stanno giocando sopra con una marea di dischi pubblicati ed eventi più o meno grandi: diciamolo chiaramente, il folk metal in questi anni è anche una moda.

iye Non vedi confusione nella ricezione dei temi del folk metal?

Bisogna prima stabilire quali sono i temi del folk metal e le modalità di ricezione. Può essere tutto un gioco, una sorta di carnevalata con musica metal e una sorta di occasione per ubriacarsi e fare casino o un qualcosa che nasce dal cuore e viene messo in note dai musicisti, i quali desiderano raccontare e trasmettere delle emozioni. Il che, comunque, non vuol dire non divertirsi, bere e ballare, anzi! Ma è innegabile che a 18 anni si vede e si vive la musica in un modo, a 34 in un altro, come è normale che sia. Sta all’ascoltatore e alla sua maturità capire determinate situazioni, la profondità o meno dei testi, la ricercatezza di un’antica melodia.

iye Quanto può pesare la matrice politica all’interno di questa musica?

La maggior parte dei gruppi è fuori da questi discorsi, ma molte realtà, soprattutto dell’est Europa, sono molto legate al fattore politico. Ma è un “politico” diverso da come lo intendiamo noi, il loro nazionalismo è quasi sempre positivo, amano le proprie tradizioni, i propri costumi e le storie che hanno ascoltato da bambini. Chiaramente non mancano estremismi, ma i casi si contano sulle dita di una mano.

iye Come è stata la stesura del libro, ovvero la documentazione, le fonti, i dischi…

Per scrivere il libro ci sono voluti undici intensi mesi, lavorando spesso anche fino a notte tarda. La documentazione, invece, va avanti da quando ero un ragazzo e correvo in edicola per acquistare i vari Metal Hammer, Grind Zone, Psycho! e Flash. Riviste che per il libro mi sono servite per ricostruire la storia del folk metal in Italia: come è stato accolto dagli addetti ai lavori, le strane definizioni dell’epoca e altro ancora. Molto hanno fatto le interviste (sia su carta che su web) per aggiungere curiosità alle biografie (esempio: come si sono “conosciuti” gli Enslaved, fatto raccontato solamente in un’intervista del ’98). Un grandissimo e meticoloso lavoro che ha dato i propri frutti.
I dischi sono una mia passione, mi piace sfogliare i booklet e leggere fino all’ultima riga dei ringraziamenti, gli mp3 sono comodissimi ma freddi. Appena posso compro qualcosa, ma le finanze non sono felicissime e devo sempre aspettare le offerte!

iye Ti sei mai cimentato in un gruppo musicale?

Ho fondato un gruppo thrash metal nel 1998 e per dieci anni ci siamo divertiti registrando due demo, due EP e un album e suonando in giro per l’Italia. Anni piacevoli e spensierati, in perenne conflitto con locali che non volevano pagare e gruppi che si fingevano amici solo quando facevi comodo loro. Dopo tanti anni ho voglia di tornare a suonare: al momento non ho nulla di concreto, ma conto di registrare un disco come one man band e pubblicarlo nel 2015. Il palco mi manca, vorrei suonare musica leggera e divertente, qualcosa tipo Sir Reg, Stramash e Flogging Molly… ma ci vuole tempo e in questo momento proprio non ne ho.

iye Qual è stata la risposta al tuo libro?

Per il momento molto buona! Le recensioni sono tutte positive e alcune addirittura entusiastiche, mi arrivano spesso dei messaggi con i complimenti, i ragazzi si portano il libro ai concerti dove vado per farmelo autografare, sono belle soddisfazioni! Fatto molto importante è che in qualunque libreria metta piede trovo almeno una copia di Folk Metal. Dalle Origini Al Ragnarök e devo ammettere che ogni volta mi emoziono! Il mio libro è a pochi passi dai capolavori della letteratura mondiale, incredibile!

iye Invece di chiederti i tuoi gruppi preferiti, dimmi quali proprio non sopporti…

Credimi, se te li dicessi mi rovinerei la carriera ahahah! Diciamo che non apprezzo le band con poca personalità, chi si accoda alla moda o tenta di emulare le gesta e il sound di qualche nome importante senza cercare di dire qualcosa di proprio.

iye I tuoi prossimi progetti?

Sarei felicissimo e orgoglioso di vedere il mio libro tradotto in inglese, tanto più considerando il fatto che è il primo libro al mondo a trattare folk/viking metal e potrebbe avere una grande visibilità in tutto il globo. Mi piacerebbe scrivere ancora qualcosa di musicale (a giugno è uscito un mio articolo sul viking per la rivista Metal Maniac!) e soprattutto avere la possibilità di pubblicare una serie di racconti per ragazzi ai quali lavoro da tempo.

iye Grazie mille per la gentilezza.

Grazie a te Massimo per l’intervista e complimenti per le domande interessanti e per niente banali. Un saluto ai lettori che sono arrivati fino alla fine, folk on!

folk

Valyria – Collatus

Per gli amanti del death/power melodico un buon esordio per i canadesi Valyria con questo Collatus.

“I Fuochi di Valyria” è la seconda parte del quinto romanzo facente parte della saga “Le Cronache del Ghiaccio e del Fuoco”, capolavoro letterario di George R.R Martin, conosciuto in Italia per essere l’autore del “Trono di Spade”, serie TV alla ribalta dei palinsesti televisivi negli ultimi mesi.

La band che prende ispirazione per il proprio monicker dal bellissimo romanzo è canadese ed è protagonista di questo lavoro di death metal melodico dai tratti power/epici nonché loro esordio discografico dal titolo Collatus. Senza far gridare al miracolo, i ragazzi nordamericani picchiano sui propri strumenti di buona lena, ripassando il buono che il melodic ed il power hanno regalato in questi ultimi anni, facendo propria la lezione di band quali: primi In Flames, Amon Amarth, Blind Guardian, Rhapsody e un po’ tutte le maggiori realtà che accomunano i due generi. Una buona mezz’ora in cui verrete travolti dall’entusiasmo della band nel saper affrontare un genere che è tutto fuorchè facile, ma i Valyria ci mettono del loro nell’apparire, se non originali, sicuramente piacevoli, con buone cavalcate heavy/power nelle quali spiccano le due asce in mano ai bravi Jeremy Puffer e Andrew Traynor e le agguerrite vocals in growl, ereditate dagli Amon Amarth e proposte dall’uomo “Oltre la Barriera”, Cam Dakus, alle prese anche con il basso e che forma insieme al drummer Mitchell Stycalo una potente sezione ritmica. Dopo la classica Intro atmosferica, Polaris dà il via all’assalto a “Grande Inverno” con bordate di power/death melodico bissata dalla furiosa Karbala. Gli ultimi tre brani sono quelli dove la band sa anche entusiasmare, con intermezzi pianistici e una vena che diventa più sinfonica dando vita a song riuscite e dal sicuro impatto, con l’apice nella conclusiva Starborn, quasi dieci minuti di atmosfere che si alternano, tra momenti epici e stacchi strumentali di quiete, prima che la tempesta metallica ci travolga ancora una volta. Buon esordio, che fa ben sperare per un roseo futuro: se siete amanti del death melodico come del power metal, dategli un ascolto.

Tracklist:
1. Praeludium
2. Polaris
3. Karbala
4. Crown Of Creation
5. The Blinded Torch
6. Starborn

Line-up:
Cam Dakus – Vocals,Bass
Jeremy Puffer – Guitars,B.vocals
Andrew Traynor – Guitars,B.vocals
Mitchell Stycalo – Drums

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