Categoria: postmetal

Gravity – Noir

Consiglio vivamente a chi ama sonorità moderne di lasciar perdere le plastificate ed innocue realtà anglo-americane proposte dalle etichette di grido e spostare la propria attenzione sui Gravity: la gratificazione è garantita.

E’ da diversi anni che trattiamo con una certa regolarità le uscite provenienti dalla Apathia Records, label francese che ben difficilmente propone band banali banali o dalle sonorità scontate.

Il merito del buon Jehan Fillat è quello di spingermi ad ascoltare anche generi che normalmente rifuggo come la peste, tanta è la certezza di trovarmi al cospetto di qualcosa ugualmente appagante e capace di stimolare anche propensioni che ignoravo d’avere.
Tutto ciò accade puntualmente anche con questo terzo full length dei Gravity, band di Montpellier che si rifà viva dopo cinque anni di silenzio nel corso dei quali ha avuto il tempo di lavorare sulla propria idea di metalcore, facendolo diventare qualcosa di ben diverso dalla stucchevole e scontata alternanza tra furia belluina e chorus zuccherosi che, nel 90% dei casi, risulta lo schema precostituito del genere.
E’ innegabile, d’altronde, che in questo nuovo secolo le band francesi si stiano segnalando per il lor approccio obliquo al metal, ed ovviamente gli ottimi Gravity non fanno eccezione, ampliando il loro raggio d’azione al prog metal/djent, al thrash e al post hardcore, e quando la brava vocalist Emilie decide di dare requie alle proprie corde vocali, i passagi in clean brillano per ricercatezza ed incisività senza trasformarsi nel deprecabile “ritornello che piace tanto ai giovani”.
La title track è un brano emblematico del modus operandi dei Gravity, i quali imprimo al loro sound un’intensità spasmodica che si traduce in una tensione costante mantenuta anche nel corso delle frequenti variazioni ritmiche; chiaramente questo si rivela il brano trainante, ma non per questo significa che il resto dell’opera sia di livello inferiore: per esempio si rivela distruttiva la serie di brani intitolati Noctifer (magnifiche Demonarque ed Ogres , mentre Hyperion nel chorus mostra qualche sentore degli In Flames post-Clayman ma pre-rincoglionimento.
Come preannunciato dal titolo, l’album è intriso di quell’oscurità che è forse l’elemento decisivo capace di renderlo ancor più peculiare ed appetibile anche a chi non appartene alla cerchia degli estimatori del metalcore: il cantato in francese, peraltro, qui ci sta alla perfezione, anche perché Emilie è credibile in ogni sua sfumatura vocale, mentre il metronomico incedere dei suoi compagni va a costituire un’impalcatura sonora di rara solidità.
La Dernière Empreinte lascia appunto un marchio indelebile su un lavoro davvero efficace e brillante dal primo all’ultimo minuto, anche se metter giù un’ora di musica così piena ed intensa nascondeva più di un rischio: personalmente consiglio a chi ama sonorità moderne di lasciar perdere le plastificate ed innocue realtà anglo-americane proposte dalle etichette di grido e spostare la propria attenzione sui Gravity: la gratificazione è garantita.

Tracklist:
1. Ouverture
2. Noir
3. Le Premier Éclat
4. Noctifer – De l’Homme au Loup
5. Noctifer – Le Porteur de Nuit
6. Noctifer – Démonarque I
7. Noctifer – Démonarque II
8. Noctifer – Ogres
9. Dune
10. Hypérion
11. Indigence I
12. Indigence II
13. La Dernière Empreinte

Line-up
Emilie – Vocals
Sébastien – Drums
Timothé – Bass
Alexandre – Guitars

GRAVITY – Facebook

Crackhouse – Be No One . Be Nothing

Tante emozioni musicali differenti e un filo conduttore che è la capacità di creazione dei Crackhouse, i quali non smettono mai di progredire, arrivando a sfiorare tantissimi generi senza inscatolarsi dentro nessuno di essi ma continuando a correre liberi per le loro sconfinate praterie sonore

Dopo l’ep di qualche mese fa sempre su Argonauta Records esce il debutto sulla lunga distanza per i francesi Crackhouse, tre brani di lunga durata ripieni di sludge, stoner con una grande influenza progressive.

Nel caso di questi tre francesi si dovrebbe parlare di atmosfera più che di suono, perché nei due brani viene creata una narrazione sonora davvero unica. I riferimenti musicali sono molti, si parte dagli High On Fire, soprattutto per la prima parte del primo pezzo, per arrivare ai Mastodon e oltre; tutti queste referenze sono qui presenti in qualità di ascolti del gruppo e di reminiscenze sonore poiché i Crakchouse non inseguono nessuno, ma anzi aprono sentieri nel bosco della musica pesante. Groove incessante frutto di una simbiosi totale dei tre elementi del gruppo, e poi immense ed improvvise aperture, quasi come se si fosse aperto un sigillo e si fosse finiti in un altro mondo. I brani sono solo tre, eppure c’è tantissimo dentro queste tracce, troviamo infiniti mondi e tante validissime idee musicali e non. Ci sono momenti in cui si viene trasportati per davvero in mondi allogeni, come all’inizio di Harva, il secondo magnifico brano. Tante emozioni musicali differenti e un filo conduttore che è la capacità di creazione dei Crackhouse, i quali non smettono mai di progredire, arrivando a sfiorare tantissimi generi senza inscatolarsi dentro nessuno di essi ma continuando a correre liberi per le loro sconfinate praterie sonore. Be No One . Be Nothing è un disco che genera tantissimi ascolti, perché brulica di musica, ed è ciò che dice il titolo, un annullamento del proprio io per arrivare ad essere ciò che afferma lo zen, ovvero nulla, per raggiungere il satori e la perfezione, e qui andiamo oltre la musica.

Tracklist
1.Burden
2.Harva
3.Realm

Line-up
Simon Morlec
Jibus Carton
Nassim Choucki

CRACKHOUSE – Facebook

Bréag Naofa – Cearo

I Bréag Naofa sorprendono e convincono con un’interpretazione di grande maturità, pienamente espressa tramite una ricerca melodica che viene sempre anteposta al riffing ossessivo che caratterizza di norma lo sludge.

Dalla fucina musicale di Seattle si palesano i Bréag Naofa, fautori di uno sludge post metal piuttosto personale.

La band ha all’attivo due full length e qualche split album e, alla luce di quanto contenuto in questo ep intitolato Cearo, sarà il caso di recuperare al più presto tali lavori: infatti i Bréag Naofa (in gaelico significa pressapoco “menzogna sacra”) con questi due lunghi brani dimostrano quanto lo sludge non debba essere necessariamente monocorde o basato per lo più su un impatto ruvido e possente.
Specialmente il crescendo che caratterizza The Morning of è l’elemento distintivo di uno dei brani più belli ascoltati ultimamente, con il suo liquido post metal che si sviluppa con pazienza regalando splendide melodie, anche quando il gruppo alza al massimo i giri del motore, cosa che avviene invece per l’intera durata di Phosphorus, molto più spinta a livello ritmico ma ugualmente avvolgente nel suo incedere più lineare ma non meno intenso.
Il sestetto, che si avvale di una tripla chitarra, sorprende e convince con un’interpretazione di grande maturità, pienamente espressa tramite una ricerca melodica che viene sempre anteposta al riffing ossessivo che caratterizza di norma lo sludge.
Cearo si rivela così la molla ideale per sviscerare anche quanto già fatto dai Bréag Naofa, apprezzabili anche per la loro drammatica proposta lirica, che si rivelano non solo un interessante e futuribile prospetto bensì una realtà già fatta, compiuta ed assolutamente da portare alla conoscenza di chi vuole godere di musica rabbiosa ma allo stesso tempo capace di commuovere e di far pensare.

Tracklist:
1. The Morning of
2. Phosphorus

Line-up
Roger Kilburn – Guitar
Sam Lettes – Guitar
Tre Tre – Guitar
Rob Mcfeters – Vocals
Dustin Carroll – Bass
Bobby Hamana – Drums

BREAG NAOFA – Facebook

Sedna / Postvorta – Sedna / Postvorta

Nonostante i contenuti siano piuttosto essenziali, con un brano per ciascun gruppo, questo split album fornisce comunque l’occasione per ascoltare materiale inedito di ottima fattura da parte di due tra le realtà più stimolanti attualmente in circolazione, tanto più che il tutto è scaricabile gratuitamente dal bandcamp dell’etichetta.

Uno split decisamente di pregio, questo uscito sotto l’egida della sempre ottima Drown Within Records, ad unire due delle migliori realtà nazionali come sono Sedna e Postvorta, band dedite a sonorità gravitanti in un’area fluttuante tra doom, black e post metal.

I Sedna, ad un anno circa dall’uscita del loro ultimo full length Eterno, si cimentano per la prima volta con un brano cantato in italiano, intitolato Dalla Cenere, Il Buio, e va detto che l’esperimento funziona davvero molto bene, anche alla luce di un’interpretazione vocale drammatica che ben si addice al sound nervoso della band cesenate, la quale in questo modo potrebbe trovare un’interessante sbocco per caricare ancor più di tensione la prossima prosposta musicale.
I ravennati Postvorta (entrambe le band provengono dalla Romagna, terra nella quale non prospera evidentemente solo il ballo liscio …) con Beseech The Queen non derogano invece dal loro ottimo sludge/post metal, ampiamente apprezzato nel piuttosto recente Carmentis, condividendo con i compagni di split, se non del tutto lo stile musicale, sicuramente l’impatto ruvido e capace di scuotere l’ascoltatore.
Nonostante i contenuti siano piuttosto essenziali, con un brano per ciascun gruppo, questo split album fornisce comunque l’occasione per ascoltare materiale inedito di ottima fattura da parte di due tra le realtà più stimolanti attualmente in circolazione, tanto più che il tutto è scaricabile gratuitamente dal bandcamp dell’etichetta.

Tracklist:
1.Sedna – Dalla Cenere, Il Buio
2.Postvorta – Beseech The Queen

Line-up:
SEDNA
Elisa Motta
Mattia Zoffoli
Alex
Crisafulli

POSTVORTA
Andrea Fioravanti
Nicola Donà
Raffaele Marra
Dario Foschini
Mohammed Ashraf
Andrea Miserocchi

SEDNA – Facebook

POSTVORTA – Facebook

The Kahless Clone – Our Never-Ending Loneliness

Pur mantenendo un parere ampiamente positivo sull’operato di Marchese con i The Kahless Clone, non si può fare a meno di constatare quanto, ancor più rispetto all’ep di due anni fa, la mancanza della voce si faccia sentire.

Our Never-Ending Loneliness è il secondo ep per questo progetto strumentale guidato da Vito Marchese, chitarrista dei Novembers Doom.

Come accaduto per il precedente lavoro, il sound appare decisamente arioso ed intriso di una vena malinconica, anche se la sua essenza si avvicina molto più ad un prog/postmetal che non a pulsioni dark o comunque più vicine alla band madre.
Pur mantenendo un parere ampiamente positivo sull’operato di Marchese con i The Kahless Clone, non si può fare a meno di constatare quanto, ancor più rispetto all’ep di due anni fa, la mancanza della voce si faccia sentire: ciò avviene in particolare nelle tracce più mosse, mentre tale necessità appare meno impellente quando gli episodi si fanno più intimisti o comunque maggiormente delineati da un punto di vista melodico.
In poco meno di venticinque minuti Our Never-Ending Loneliness esaurisce il suo compito di allietare l’udito degli ascoltatori senza che la band, composta da musicisti di grande spessore ed esperienza, riesca ad imprimere in maniera più marcata il proprio segno: poi appare evidente che un brano arioso come I Can Almost Reach You sia oltremodo piacevole, ergendosi a prova di quanto l’ascolto dell’ep non sia comunque tempo perso, ma questo progetto per ritagliarsi uno spazio adeguato deve crescere ulteriormente e ciò può avvenire solo con l’apporto dell’unico elemento mancante.

Tracklist:
1. I Would Leave All of This Behind, and so Would You
2. I Can Almost Reach You
3. If Only We Had More Time Together …
4. This Is All Falling Apart
5. Is This What You Wanted?

Line-up:
Ben Johnson – Keys
Zach Libbe – Electronic Drum Programming
Vito Marchese – Guitars
Garry Naples – Drums
Larry Roberts – Bass

THE KAHLESS CLONE – Facebook

King Goat – Conduit

I King Goat hanno davvero le stimmate del grande gruppo ed un suono che, pur rifacendosi a nomi noti, riesce ad essere molto accattivante ed originale.

Ristampa da parte dell’italiana Aural Music del primo disco sulla lunga distanza per questo gruppo di musica pesante di Brighton, Inghilterra.

Dopo due ep nel 2013 e nel 2014, il gruppo inglese decise di confrontarsi con la prova su lunga distanza. Conduit è un disco meraviglioso pieno di grandi idee e di proposte sonore davvero ottime. Il suono di base è un doom metal con molti imbastardiment,i come è tipico per le band inglesi di qualsiasi genere. La vibrazione di fondo è sicuramente doom, anche abbastanza classica, con una voce che in alcuni momenti si avvicina a quella dei Candlemass, mentre l’incedere musicale ha anche un che di post metal, soprattutto quando la canzone muta per diventare altro da sé, aprendo nuovi orizzonti. Il loro groove è in continuo movimento, uno spazio si riempe e poi si allarga ancora, con note suonate con grande consapevolezza e passione, riempiendo il cuore dell’ascoltatore di musica pesante. Come nei laghetti montani la superficie sembra placida, poi si increspa in un attimo e vieni tirato giù da vortici potentissimi, come in questo disco. I King Goat sono uno dei gruppi migliori in questo genere e fin da questo debutto hanno impressionato critica e pubblico, e dopo la firma con Aural Music e l’uscita di questa ristampa, sono al lavoro sul disco che uscirà nei primi mesi del 2018. I King Goat hanno davvero le stimmate del grande gruppo ed un suono che, pur rifacendosi a nomi noti, riesce ad essere molto accattivante ed originale. Il doom può essere interpretato in molte maniere, certamente possiede un’ortodossia ben definita, ma se si riescono a dominarne i codici diventa anche strumento di innovazione, come in questo caso. In questa ristampa ci sono inoltre due bonus track dal precedente ep, che fanno ben capire quale e soprattutto quanta evoluzione abbia compiuto il gruppo.

Tracklist
1.Flight of the Deviants
2.Feral King
3.Conduit
4.Revenants
5.Sanguine Pat

Line-up
Vocals: Trim
Lead Guitar: Petros
Rhythm Guitar: Joe
Bass: Reza
Drums: Jon

KING GOAT – Facebook

The Outsider – Beauty Awakens the Soul to Act

Ben lungi d’essere un lavoro dai connotato caserecci, Beauty Awakens the Soul to Act è invece la sempre piacevole scoperta di un nuovo bel talento musicale sbocciato nella nostra penisola.

La modestia è una virtù sempre più rara e che, a ben vedere, diviene agli occhi di molti quasi un difetto, in una società nella quale la protervia e la maleducazione paiono essere requisiti preferenziali per ricoprire cariche di responsabilità in molti settori lavorativi (con risultati ovviamente disastrosi).

Pertanto meraviglia e stupisce, ovviamente in positivo, ricevere la mail di un musicista che quasi si scusa per avere avuto l’ardire di sottoporci per un eventuale recensione un lavoro, a suo dire, dalla resa poco più che amatoriale.
Meraviglia e stupisce, però all’ennesima potenza, perché Beauty Awakens the Soul to Act, passo d’esordio del progetto solista The Outsider, è tutt’altro che un lavoro approssimativo e raffazzonato: posso garantire che, già a livello di suoni, siamo ad uno standard ben superiore a quelli di molte uscite pompate fino allo sfinimento da label ed agenzie e, per di più, anche i contenuti non sono affatto da sottovalutare, visto che queste dieci tracce strumentali prese in esame appaiono fin da subito gradevoli e ricche di spunti interessanti.
Andrea Cicala è un musicista siciliano che ha deciso di fare tutto da solo per consegnarci questo intrigante mix di rock, metal ed elettronica, pervaso da un’aura cosmica che può ricondurre, solo a tratti ovviamente, ai grandi Mechina di Joe Tiberi, oppure ad un meno conosciuto progetto solista italiano come Phobonoid: rispetto a questi due esempi, The Outsider possiede una più spiccata anima prog/postmetal ma è innegabile che il tutto suoni in maniera molto fresca e, a tratti, addirittura entusiasmante (un brano come The Universe Divide non lo si ascolta proprio tutti i giorni) .
Complessivamente i brani sono piuttosto brevi, salvo appunto quello appena citato, e diversi tra questi sono frammenti più meditativi (Ajraeel, Elysia, Sathya), mentre quelli più ritmati non smarriscono comunque uno spiccato e fluido senso melodico (Yrmidion) esaltato sovente dall’alternanza tra un progmetal ed eleganti pennellate tra ambient e postmetal (Moksha, Arătare, The Universe Divide).
Ben lungi d’essere il temuto lavoro dai connotato caserecci, Beauty Awakens the Soul to Act è invece la sempre piacevole scoperta di un nuovo bel talento musicale sbocciato nella nostra penisola, al cui operato le etichette più intraprendenti dovrebbero prestare la giusta attenzione.

Tracklist:
01. Elysia
02. Yrmidion
03. Moksha
04. Sathya
05. Heikhalot
06. Arătare
07. The Universe Divide
08. Zion
09. Ajraeel
10. Hearts Aren’t Always Red

Line up:
Andrea Cicala

Sūrya – Apocalypse A.D.

Lussuosa ristampa in vinile per Apocalypse A.D. dei Sūrya, band londinese di post metal, una delle migliori nel suo genere.

Lussuosa ristampa in vinile per Apocalypse A.D. dei Sūrya, band londinese di post metal, una delle migliori nel suo genere.

La ristampa è caratterizzata da una bella copertina cartonata con un nuovo disegno che avvolge il vinile con la copertina dell’uscita in cd del 2016. I londinesi fanno un post metal molto atmosferico ed onirico, con l’inserzione di molti pezzi parlati, che rendono il tutto simile ad un’opera teatrale. Già dal titolo è immanente il senso di apocalisse, di fine corsa per una razza disgraziata come la nostra, maledetta nel provare moltissimi sentimenti e nel distruggere tutto ciò che incontra, anche noi stessi. Apocalypse A.D. è la dolceamara ninna nanna prima del fungo atomico, un fare i conti con noi stessi e con quello che abbiamo fatto, attraverso dolci ed inquietanti melodie che poi esplodono, ma che più di tutto raccontano. Il gruppo si inserisce perfettamente nel filone del migliore post metal, e ne tracciano una traiettoria interessante. Il post metal è uno dei generi, ma soprattutto un codice musicale, tra i più vivi ed aderenti nel descrivere la realtà e le connessioni tra ciò che sta dentro di noi e quello che sta fuori.
Il metal viene sublimato in un’altra sostanza, più liquida e viva, e ciò che può essere il post metal viene descritto molto bene qui. Tutto ciò e molto di più è presente in Apocalypse A.D., un disco che copre molti piani e dimensioni, fatto di dolore ma anche di dolcezza per le forme viventi, il tutto con un’ottica DIY e militante, dato che i Sūrya sono vegani.
Un disco che vibra e che ti entra dentro, e lo si può gustare nuovamente in un vinile curato molto bene.

Tracklist
1.Dark clouds gathering
2.Aghora
3.Prometheus
4.Dark light
5.Apocalypse A.D.
6.Resurrection of Care

Line-up
Raquel – drums
Greg – guitar
Mark – bass
Bartek – guitar

SURYA – Facebook

Soul Dissolution – Pale Distant Light

Soul Dissolution è un progetto volto ad esplorare gli aspetti più melodici ed atmosferici del black metal, collocandosi sulla falsa riga degli imprescindibili Agalloch e con qualche deviazione melodica verso gli altrettanto seminali Alcest.

I Soul Dissolution sono un duo fiammingo formato dal vocalist Acaharan e dal chitarrista e bassista Jabawock (Boris Iolis, che troviamo anche negli ottimi doomsters Marche Funebre).

Pale Distant Light è il primo full length, uscito nel 2016 e riedito in formato musicassetta dalla Heaten Tribes nello scorso agosto, da parte di questo progetto volto ad esplorare gli aspetti più melodici ed atmosferici del black metal, collocandosi sulla falsa riga degli imprescindibili Agalloch e con qualche deviazione melodica verso gli altrettanto seminali Alcest.
L’operazione viene condotta dal duo con grande perizia, dando vita ad un album davvero piacevole, nel quale le sporadiche ruvidezze vengono sovente stemperate da aperture armoniose e dal sicuro impatto emozionale.
La bellissima Waiting, traccia che inaugura il lavoro, fotografa alla perfezione il modus operandi dei Soul Dissolution, muovendosi sinuosa tra un chitarrismo malinconico ed una base ritmica di media velocità, sovrastata dallo screaming non troppo aspro di Acharan.
Nel resto dell’album si susseguono così episodi di questo tenore, sempre contraddistinti da un disegno melodico e atmosferico ben delineato, ed altri in cui prendono la scena soluzioni acustiche o accenni pianistici, come avviene nello strumentale Immanence of Unfulfillment.
Il fulcro del lavoro è senz’altro rappresentato però dalla mini suite The Final Dissolution, la cui prima parte faceva parte anche del demo d’esordio risalente al 2014, così come l’altro brano This Red Painting in the Sky: il terzo iniziale, intitolato Hatred Spawned from Longing, mostra ben impresso il marchio del black metal con il forsennato blast beat posto in apertura per poi stemperarsi in un mid tempo dai tratti vagamente epici, mentre il successivo (Fields Of Stone) è un episodio acustico che apre la porta al conclusivo frammento (che dà il titolo album), anch’esso dai tratti evocativi e melodici, pur nella sua robustezza.
Pale Distant Light è un album che potrebbe gratificare non poco chi ama le band citate quali possibili fonti di ispirazione ed è, in generale, una buona dimostrazione delle doti compositive di Iolis anche in un genere differente da quello della sua band madre.

Tracklist:
01) Waiting
02) This Red Painting in the Sky
03) And Every Single Step…
04) Anchor
05) Immanence of Unfulfillment
06) The Final Dissolution, Part 1 – Hatred Spawned from Longing
07) The Final Dissolution, Part 2 – Fields of Stone
08) The Final Dissolution, Part 3 – Pale Distant Light
09) Echoes of Dissolution
10) Sweetness Dies (October Tide cover)

Lineup:
Jabawock – Guitars, Bass, Arrangements, Vocals
Acharan – Vocals

Session drums by Forge Stone (Norse, Gods of Eden, ex-The Amenta,…)
Additional vocals on “Sweetness Dies” by Emilio Crespo (Nangilima, Sojourner)

SOUL DISSOLUTION – Facebook

Process Of Guilt – Black Earth

Non c’è nulla di più catartico della rabbia per sopportare quella che ogni volta appare un’inutile ed impari lotta dell’uomo con il proprio destino, e i Process Of Guilt sono oggi tra i più credibili ed efficaci cantori di questo stato d’animo.

A ben cinque anni di distanza dal precedente album, un vuoto riempito solo dallo split album con i Rorcal, i Process Of Guilt tornano a riversare il loro carico di negatività espresso tramite un post metal / sludge che non fa sconti.

In occasione della recensione di Faemin mi azzardai ad affermare che il problema vero per la band portoghese sarebbe stato quello di spingersi ancora oltre un simile livello qualitativo e di intensità: in qualche modo credo d’aver colto nel segno, perché effettivamente Black Earth non supera il suo predecessore, che appariva leggermente meno monolitico, però in un certo senso la band lusitana alza ulteriormente l’asticella portando alle estreme conseguenze il proprio livello di incomunicabilità.
In Black Earth non c’è spazio alcuno per aperture melodiche o per abbozzi di forma canzone: l’interpretazione vocale di Hugo Santos è divenuta ormai il doloroso risentimento di chi esprime il proprio furioso e disperato disperato disgusto, e se prima questo stato d’animo si stemperava in fugaci attini di tregua, oggi è un dolore ottundente che nulla può lenire e men che meno cancellare.
L’ossessiva ripetitività dei riff, portata alle estreme conseguenze in Feral Ground, crea un effetto asfissiante che si attenua un minimo solo nella conclusiva Hoax, non fosse altro che per i suoi ritmi più rallentati; Black Earth è un album che non ha nulla di accattivante, eppure dopo ogni ascolto cresce la voglia di ripartire daccapo: del resto non c’è nulla di più catartico della rabbia per sopportare quella che ogni volta appare un’inutile ed impari lotta dell’uomo con il proprio destino, e i Process Of Guilt sono oggi tra i più credibili ed efficaci cantori di questo stato d’animo.

Tracklist:
1. (No) Shelters
2. Feral Ground
3. Servant
4. Black Earth
5. Hoax

Line up:
Custódio Rato – Bass
Gonçalo Correia – Drums
Nuno David – Guitars
Hugo Santos – Vocals, Guitars

PROCESS OF GUILT – Facebook

Ufomammut – 8

8 non è un nuovo inizio ma la continuazione dell’opera che gli Ufomammut stano portando avanti dall’inizio del loro percorso, un’opera alchemica come suggerito dai molti indizi occulti che hanno lasciato nei loro dischi.

Ottavo album per gli Ufomammut, gruppo italiano da anni nel novero dei migliori nel suo genere.

8 non è un nuovo inizio ma la continuazione dell’opera che stano portando avanti dall’inizio del loro percorso, un’opera alchemica come suggerito dai molti indizi occulti che hanno lasciato nei loro dischi. 8, se messo orizzontale, è il segno dell’infinito e queste otto canzoni devono essere ascoltate come un unico continuum sonoro. Musicalmente gli Ufomammut riescono a creare ancora una volta un’ottima sintesi tra psichedelia e musica pesante, alzando ulteriormente l’asticella della qualità, il che non era facile, continuando il loro prezioso lavoro. Il gruppo italiano ha un suono ben preciso e riconoscibile e soprattutto mette in musica schemi e cose come la Magick di Crowley, portando avanti un piano ben definito, con dischi hanno molteplici livelli di lettura. Il groove è sempre immane e possente, giri di chitarra che sono totalmente fusi con gli altri strumenti per un movimento continuo, un infinito vorticare che lega i diversi piani della nostra esistenza, come doverebbe essere una vita naturale e non come quella che viviamo, o meglio, subiamo. 8 è un disco ciclico, un ouroboros antico che risveglia sensazioni ataviche dentro di noi, rimettendo molte cose al proprio posto. 8 è anche uno dei migliori album degli Ufomammut, ha qualcosa in più rispetto ad Ecate che era buono, ma qui c’è un quid che ognuno riconoscerà in maniera diversa. Infatti un’altra delle peculiarità degli Ufomammut è che sono un innesco per viaggi personali di ognuno di noi, dato che con questa band non c’è consumo ma consapevolezza.

Tracklist
1. Babel
2. Warsheep
3. Zodiac
4. Fatum
5. Prismaze
6. Core
7. Womdemonium
8. Psyrcle

UFOMAMMUT – Facebook

Kultika – Pursuance

Se questo doveva essere un assaggio del nuovo album, l’appetito cresce non poco, perché qui c’è tanto talento capace di spazzare via quei manierismi che talvolta rischiano di vanificare le intuizioni di chi si dedica ad un sottogenere dai mille rivoli come il post metal.

A quattro anni dall’unico full length pubblicato,The Strange Innerdweller, tornano rumeni Kultika a tenere alto il nome a la fama acquisiti negli tempi ultimi tempi dalla fertile scena musicale di Timisoara.

Anche nei Kultika, peraltro, troviamo Fulmineos, musicista tra i più attivi in tale ambito e che abbiamo imparato a conoscere con gli ottimi lavori di Ordinul Negru ed Argus Megere; questa volta, però, la materia trattata non è il black metal evoluto delle due band citate bensì un altrettanto efficace post metal, pressoché perfetto nella prima delle due tracce offerte, Do you want to see the splendor? , con i suoi otto minuti che esibiscono in serie diverse gamme sonore, partendo da tonalità limpide ed evocative per spingersi fino ad una sfuriata post black che porta impresso con forza il marchio dell’interpretazione del genere che si fa in Romania.
Si arriva davvero a vedere lo splendore, parafrasandone il titolo, con questo brano magnifico, emozionante e talmente bello da far passare in secondo piano il gioiellino acustico intitolato Unburden Me, che gode di una limpidezza che si sublima nella voce perfetta di Jack Popescu.
Se questo doveva essere un assaggio del nuovo album, l’appetito cresce non poco, perché qui c’è tanto talento capace di spazzare via quei manierismi che talvolta rischiano di vanificare le intuizioni di chi si dedica ad un sottogenere dai mille rivoli come il post metal: tutto questo non capita agli ottimi Kultika, che aspettiamo con estrema fiducia ad una nuova prova su lunga distanza.

Tracklist:
1. Do you want to see the splendor?
2. Unburden Me

Line up:
Jack Popescu – vocals, guitars, bass
Fulmineos – guitars
Inia Dinia – keyboards, vocals
Sebas Baltean – drums, percussion
Dragos Voda – bass

KULTIKA – Facebook

Darkflight – The Hereafter

I Darkflight approdano ad una dimensione marcatamente doom, facendolo con naturalezza ed ottenendo risultati di un certo rilievo.

A tre anni dal magnifico Closure ritornano i bulgari Darkflight, duo composto da Ivo Iliev (voce, chiìtarra, trastiere) e Dean Todorov (basso, percussioni).

The Hereafter è il quarto full length in circa quindici anni, un indicatore abbastanza eloquente di una storia che è andata avanti un po’ a strappi, con ampi intervalli tra l’uscita dei vari album.
Anche per questo ogni disco dei Darkflight mostra scostamenti abbastanza evidenti rispetto al precedente e quest’ultimo non fa eccezione: se in Closure la componente post black/post metal si rivelava per lo più preponderante, oggi la band bulgara propone un death doom melodico nel quale ogni influsso black è del tutto sparito per lasciare spazio, semmai, a sprazzi di più cullante e liquido post metal.
Ne viene fuori così un lavoro molto più immediato e meno complesso da recepire, con un approccio malinconico che sostituisce i toni disperati che ammantavano di una fitta oscurità Closure, e del resto i conti tornano se si pensa che tre anni fa i Darkflight trattavano il fatale momento del trapasso, con tutto il suo carico di dolore, incertezze e rimpianti, mentre in The Heareafter è l’esplorazione del post mortem a prendere campo, con la mestizia che deriva l’accettazione dell’ineluttabile.
Ne scaturisce un’opera piuttosto ispirata, con gli episodi migliori nella sua parte iniziale (le intuizioni melodiche di Crushed ed Expiring Soul, condotte dalle linee chitarristiche del bravo Iliev, sono davvero eccellenti, così come l’andamento dolente della bellissima Giving Up), senza però che il resto della tracklist scenda troppo di livello, grazie ad una notevole Sans Âme, dove i nostri sono coadiuvati dall’apporto francofono di Arsonist, artefice della one man band Ars Moriendi, e alla dolente ed evocativa chiusura di Threshold Of Death.
I Darkflight approdano ad una dimensione marcatamente doom, facendolo con naturalezza ed ottenendo risultati di un certo rilievo, senza raggiungere però l’intensità emotiva sprigionata nel precedente lavoro: qualora il duo di Varna decidesse di dare maggiore continuità alla propria produzione, sarà interessante capire quale strada verrà intrapresa alla prossima occasione.

Tracklist:
01. Crushed
02. Expiring Soul
03. Giving Up
04. The Outpost
05. Sans Âme
06. Threshold Of Death

Line up:
Ivo Iliev – Vocals, Guitars, Keyboards
Dean Todorov – Bass, Percussion

DARKFLIGHT – Facebook

Wells Valley – The Orphic

The Orphic è un’ottima prova che va a consolidare le posizioni di una band in grande crescita e dal potenziale probabilmente non ancora del tutto espresso.

Il trio portoghese Wells Valley si ripresenta, due anni dopo il ben accolto full length Matter As Regent, con questo nuovo ep intitolato The Orphic.

Qui ci troviamo al cospetto di una forma di post metal oscura, impervia e dissonante, in quota Neurosis/ Cult Of Luna, anche se le note di presentazione citano tra i possibili riferimenti anche i Goijra, dei quali si rinvengono però tracce meno evidenti e per lo più racchiuse nella parte iniziale di Ophanim.
Il lavoro consta di tre brani: oltre ad Ophanim, il quale si stempera poi in una fase centrale dai suoni rarefatti che preludono all’ingresso di un riff devastante e ad un finale minacciosamente percussivo, troviamo l’iniziale Annunciation, altro episodio di post metal inquieto nella sua alternanza tra passaggi più liquidi ed altri dall’ostile incedere, e la coraggiosa cover dell’iconica pinkfloydiana Set The Controls For The Heart Of The Sun.
Ecco, semmai una cover da sola sia in grado di restituire il valore di chi la propone, questo è il caso: “postmetallizzare” un simile monumento sonoro poteva condurre i nostri alla realizzazione di un enorme pasticcio mentre, invece, questa versione, pur essendo resa in versione molto personale non ne snatura l’essenza, donandole una veste che ne rimpiazza l’ipnotica ossessività con una gradita furia metallica.
The Orphic è un’ottima prova che va a consolidare le posizioni di una band in grande crescita e dal potenziale probabilmente non ancora del tutto espresso.

Tracklist:
1.Annunciation 08:05
2.Ophanim 07:14
3.Set The Controls For The Heart Of The Sun – Pink Floyd Version 08:32

Line-up:
Filipe Correia – Guitars/Vocals
Pedro Lopes – Bass
Mau – Drums

WELLS VALLEY – Facebook

Anomalie – Visions

Il post black degli Anomalie porta con sé una ventata di malinconia ed amarezza che viene ben diluita nel corso delle sette “visioni” di Marrok, capace di rendere il genere in maniera equilibrata e, a suo modo, elegante.

Il terzo full length degli austriaci Anomalie potrebbe essere il grimaldello per accedere ad una fascia di pubblico più ampia, grazie ad una serie di migliorie intervenute rispetto ai precedenti lavori.

Intanto giova ricordare che, nonostante la sua natura iniziale di progetto sosta di Marrok, stante la necessità di esibirsi dal vivo la band è diventata tale a tutti gli effetti nel periodo intercorso tra l’uscita di Refugiun e quella di Visions: come spesso accade, la possibilità di occuparsi solo della parte compositiva e degli strumenti di propria competenza ha consentito al mastermind di turno di offrire un prodotto curato nei minimi particolari e sicuramente di elevato livello qualitativo.
Il post black degli Anomalie porta con sé una ventata di malinconia ed amarezza che viene ben diluita nel corso delle sette “visioni” di Marrok, capace di rendere il genere in maniera equilibrata e, a suo modo, elegante, complice anche la produzione affidata ad un nome pesante come quello di Markus Stock, la cui dimestichezza con questo tipo di sonorità è fuori discussione.
L’album gode di un lavoro chitarristico davvero eccellente, sovente in primo piano nel mettere a nudo il lato più emotivo delle varie composizioni, le quali anche dal punto di vista lirico esprimono una profondità inusuale, andando a scandagliare diversi e spesso controversi aspetti della nostra esistenza terrena.
Diviene persino difficile segnalare un brano specifico quale vessillo di Visions, perché tutti sono di pari livello e meritevoli d’essere ascoltati all’interno del disegno complessivo dell’opera: sinceramente certe linee melodiche in Illumination e Starless Night sono ben difficili da rimuovere ma, davvero, in ogni traccia c’è molto di cui abbeverarsi per chi sa apprezzare questo modus operandi.
Resta solo da citare, in One with the Soil, una parte recitata da Heike Langhans dei Draconian a porsi quale degna chiusura di un lavoro bello quanto soprendente, vero e proprio manifesto della sensibilità artistica e compositiva di Christian “Marrok” Brauch.

Tracklist:
1. Vision I: Towards the Sun
2. Vision II: The Wanderer
3. Vision III: A Monument
4. Vision IV: Illumination
5. Vision V: Starless Nights
6. Vision VI: White Forest
7. Vision VII: One with the Soil

Line up:
Christian “Marrok” Brauch – vocals, guitars, synths
Thomas Dornig – bass
Lukas Schlintl – drums
Peter Schiendorfer – percussions

ANOMALIE – Facebook

Iapetus – The Long Road Home

Il metal in quest’opera assume sembianze progressive nell’accezione più pura del termine, nel senso che le tracce non solo si diversificano tra di loro ma risultano sfaccettate anche al loro interno, grazie ad un sound in constante divenire che può risultare sia acustico ed intimista, sia furioso e spinto a tratti su elevati regimi di velocità.

Gli Iapetus sono la band di Matthew Cerami (voce, chitarra e basso) e Jordan Navarro (chitarra, tastiere e programmazione), due ragazzi di Long Island che, a giudicare dalle loro parole di presentazione, sembrano essere delle ottime persone oltre che dei bravi musicisti.

The Long Road Home è il loro primo full length, che arriva dopo un demo ed un ep i cui contenuti sono quasi del tutto confluiti in questo lavoro, ovviamente dopo essere stati riveduti e corretti, non fosse altro per il fatto che, all’epoca, le parti vocali erano appannaggio di musicisti che non fanno più parte del gruppo: una gestazione piuttosto lunga, quindi, ma che ha fornito decisamente frutti pregiati.
Il metal in quest’opera assume sembianze progressive nell’accezione più pura del termine, nel senso che le tracce non solo si diversificano tra di loro ma risultano sfaccettate anche al loro interno, grazie ad un sound in constante divenire che può risultare sia acustico ed intimista, sia furioso e spinto a tratti su elevati regimi di velocità.
Il bello è che tutto questo viene eseguito con proprietà e maturità stupefacenti, rendendo peraltro scorrevole l’ascolto di un album che supera non di poco l’ora di durata e tutt’altro che di immediata fruizione.
Il magnifico strumentale …Of Hangmen & Vertebrae può addirittura apparire fuorviante, in quanto mostra un volto degli Iapetus che si paleserà in seguito solo ad intermittenza, trovando spazio tra le molteplici fonti di ispirazione che Matthew e Jordan riescono a convogliare in una cifra stilistica personale.
Del resto basta osservare la foto che ritrae i due mentre indossano, rispettivamente, le magliette degli Agalloch e dei Ne Obliviscaris (il cui vocalist Xenoyr è l’autore dell’artwork di The Long Road Home) per capire quali siano, tra le altre, le principali band guida per i nostri, cosi che, assieme alle pulsioni progressive ed estreme tipiche del gruppo australiano, trovano posto anche i liquidi passaggi acustici e la tensione drammatica che ha reso la band di John Haughm inimitabile nel suo genere.
Non è semplice ricondurre una simile mole di musica ad uno specifico punto chiave, è certo però che una delle tre suite conclusive, quella intitolata My Father, My God, si rivela il probabile fulcro qualitativo e tematico dell’album (il titolo non deve ingannare, perché le liriche sono intrise di una critica sferzante, ma tutt’altro che superficiale o semplicemente distruttiva, nei confronti della religione) affrontando il drammatico momento del trapasso con un’alternanza di accessi furiosi e delicati arpeggi acustici per confluire poi in un magnifico finale.
Stupenda anche Savior Solitude, con la sua chiusura dai tratti epici, ma il lavoro deve essere goduto nel suo insieme, potendolo considerare, in ossequio alla copertina, una sorta di lungo viaggio verso le stelle che vale la pena di compiere dal primo all’ultimo passo, sperando sinceramente che tutto ciò non resti una qualcosa di circoscritto a pochi intimi.

Tracklist:
1.Nomads
2….Of Hangmen & Vertebrae
3.Lachrymae Rerum
4.I Sing Of Satellites
5.Savior Solitude
6.My Father, My God
7.Crown Of Stars
8.Eviscerate Divine
9.The Long Road Home

Line up:
Matthew Cerami – Vocals, Guitars, Bass
Jordan Navarro – Guitars, Drum Programming, Keys, Additional Sounds

IAPETUS – Facebook

Allochiria – Throes

Ci sono voluti quattro anni per dare seguito ad un lavoro magnifico come Omonoia, ma i risultati paiono dare ragione ai greci Allochiria, una band alla quale si può rimproverare solo una produttività piuttosto ridotta, a fronte di una qualità che nel genere proposto trova davvero pochi eguali.

Ci sono voluti quattro anni per dare seguito ad un lavoro magnifico come Omonoia, ma i risultati paiono dare ragione ai greci Allochiria, una band alla quale si può rimproverare solo una produttività piuttosto ridotta, a fronte di una qualità che nel genere proposto trova davvero pochi eguali.

Il post metal/sludge offerto dalla band ateniese non rappresenta nulla che non sia già stato scritto dalle band guida del genere, ma a fare la differenza sono l’intensità e la tensione che ogni singolo frammento dell’album riesce a sprigionare.
Come nel disco precedente, la voce di Irene esprime una rabbia mista a disperazione che, poi, costituisce il mix di sentimenti provato istintivamente da ogni mente pensante, in questi tempi che vedono l’umanità toccare vette inimmaginabili a livello tecnologico e, contemporaneamente, essere afflitta da un complessivo imbarbarimento etico-comportamentale.
Throes è un lavoro non facie, nonostante gli Allochiria possano apparire a tratti meno furenti rispetto al full length d’esordio, ma la differenza rispetto a proposte di simile tenore è la sensazione d’essere al cospetto di musica dotata di contenuti e grande profondità, in grado quindi di lasciare tracce tangibili oltre che la volontà di immergersi più volte in questo mare reso agitato dall’irrequietezza compositiva della band ellenica; Thrust e Denouement sono l’alfa e l’omega di un lavoro che prima sferza, poi accarezza, ma la mano che sfiora il viso è ruvida e sfuggente, perché ogni forma di consolazione non può che essere effimera
Tre quarti d’ora da assimilare senza fretta e con la giusta predisposizione, per scoprire che, stante la lunga vacanza compositiva degli AmenRa e dei Cult Of Luna, gli Allochiria rappresentano allo stato attuale la migliore espressione europea del genere, con il vantaggio rispetto a quattro anni or sono d’essere usciti dalle secche dell’autoproduzione e di vedere pertanto aumentate le possibilità di raggiungere un pubblico più numeroso.

Tracklist:
1. Thrust
2. Little Defeats, Tiny Victories
3. Cracking Fractals
4. Lifespotting
5. Counting Fives
6. Denouement

Line up:
Irene – Vocals
John – Guitar
Stef – Drums
Steve – Guitar
Ted – Bass

ALLOCHIRIA – Facebook

Tid – Fix Idé

Fix Idé e un’opera che si muove in maniera trasversale tra mille sfumature stilistiche, senza mai cessare di stimolare i sensi dell’ascoltatore tra pulsioni etniche, accenni di post metal, elettronica, dance e ambient, con l’aspetto melodico sempre ben posizionato in primo piano ed una forma canzone consolidata nonostante una vis compositiva inquieta.

Gli svedesi Tid sono una realtà attiva da circa un decennio, nel corso del quale hanno offerto uscite sporadiche riconducibili a due ep, Bortom Inom (2007) e Giv Akt (2010) e il full length Fix Idé (2016), il tutto all’insegna di una forma musicale pressoché inclassificabile a livello stilistico ma tutt’altro che disorganica e semmai ricca di notevoli spunti innovativi.

La The Sign Records si è recentemente resa protagonista della meritoria operazione di rimettere sul mercato tutta la discografia della band e, per l’occasione, abbiamo deciso di occuparci di quello più recente, appunto Fix Idé.
Peraltro, a livello mediatico, il fatto che motore di questo progetto sia Martin Persner, accreditato come uno dei Nameless Ghoul dei Ghost pre-diaspora, aumenta inevitabilmente la curiosità e l’attenzione e ben venga quindi questo tipo di pretesto per avvicinarsi al lavoro dei Tid, visto che siamo in presenza di un’espressione musicale di rara freschezza.
Fix Idé e un’opera che si muove in maniera trasversale tra mille sfumature stilistiche, senza mai cessare di stimolare i sensi dell’ascoltatore tra pulsioni etniche, accenni di post metal, elettronica, dance e ambient, con l’aspetto melodico sempre ben posizionato in primo piano ed una forma canzone consolidata nonostante una vis compositiva inquieta.
Dumhetens Gudinna, canzone scelta non a caso come primo singolo per il suo incedere accattivante, riporta alla memoria l’operato dei famigerati KLM, tra i primi ad innestare pesanti riff metallici su una base elettro dance; Aurora Surrealis è invece una traccia dall’incedere sognante e melodico, per quanto sempre ritmata il giusto, rivelandosi il picco qualitativo del lavoro, ma non sono da meno neppure Solens Nya Namn, sempre increspata da un’irrequietezza elettronica, e Demimond con il suo cantilenante e suadente finale.
Se volessimo trovare un difetto a Fix Idé è solo quello di durare poco meno di mezz’ora, ma l’intensità e la qualità del sound offerto dai Tid respinge al mittente qualsiasi obiezione del genere: il valore di un’espressione artistica non può essere determinato con alcuno strumento di misura che non sia la capacità percettiva dell’ascoltatore e, in tal senso, l’album ha moltissimo da offrire, conservando lo spessore dei lavori più evoluti e ricercati senza mai scadere in passaggi cervellotici.

Tracklist:
1. Bom Shiva
2. Dumhetens Gudinna
3. Aurora Surrealis
4. Solens Nya Namn
5. Demimond
6. Nadir

Line-up:
Martin Persner – Guitars
Claudio Marino – Vocals
Arvid Persner – Drums

TID – Facebook

Vulpus – Certitude

I Vulpus sorprendono e colpiscono a fondo, centrando il bersaglio al primo colpo: in Certitude tutto appare ben focalizzato sull’obiettivo, all’insegna di un equilibrio che rende accessibile anche la fruizione dei passaggi più ostici.

L’esordio dei portoghesi Vulpus si rivela l’ennesima occasione per scoprire una nuova interessante realtà musicale.

La band di Porto, sotto l’egida della Pest Productions, esibisce con sorprendente maturità la propria interpretazione di un post black sicuramente di ascolto non facile, ma che rifugge abilmente ogni forma di auto compiacimento tecnico, rendendo funzionali alla causa tutti  isingoli passaggi, siano essi contraddistinti da un solido black metal, da un melodico e drammatico post metal o da un’avvolgente e minacciosa ambient.
Ciò che colpisce maggiormente è la capacità che dimostrano questi ragazzi nel non far mai calare la tensione del lavoro, qualunque sia il frangente o la sfumatura stilistica esibita.
Attorno al fulcro costituito da tracce di grande impatto, come No More Shall I Seek Comfort Amidst These Piles of Rust, Like Troxler’s Fading, Certitude II e Along Obsidian Shores, con un’interpretazione esasperata nel suo screaming a sporcare trame che, al netto delle accelerazioni, mostrano un potenziale melodico ed evocativo non indifferente, ruotano episodi di ambient più rassicurante nelle due brevi Dysphoria e Certitude I ed assolutamente prostrante nella profetica e più lunga Hell Is Truth Seen Too Late.
I Vulpus sorprendono e colpiscono a fondo, centrando il bersaglio al primo colpo: in Certitude tutto appare ben focalizzato sull’obiettivo, all’insegna di un equilibrio che rende accessibile anche la fruizione dei passaggi più ostici.
Questo è un album da valorizzare ad ogni costo, essendo superiore di gran lunga per qualità ed urgenza espressiva rispetto all’operato di molte band, anche di un certo nome, le cui pulsioni sperimentali vengono ormai inserite nei rispettivi lavori seguendo un ideale manuale delle istruzioni.

Tracklist:
1. Dysphoria
2. No More Shall I Seek Comfort Amidst These Piles of Rust
3. Like Troxler’s Fading
4. Certitude I
5. Certitude II
6. Along Obsidian Shores
7. Hell Is Truth Seen Too Late

Line up:
João Carvalho – Drums
Gustavo Silva – Guitars
Nuno Hendrik – Vocals
Daniel Sampaio – Bass

VULPUS – Facebook

Ghost Horizon – The Erotics of Disgust

Secondo ep per Ghost Horizon, progetto solista del musicista di Phoenix Daniel Stollings, all’insegna di un black atmosferico che si alterna ad un più sognante shoegaze.

Secondo ep per Ghost Horizon, progetto solista del musicista di Phoenix Daniel Stollings, all’insegna di un black atmosferico che si alterna ad un più sognante shoegaze.

I quattro brani presentati in The Erotics of Disgust ondeggiano tra queste due pulsioni, con prevalenza per la seconda, ad eccezione della conclusiva Whispers, che è invece una ben poco melodica sfuriata volta ad esprimere le impressioni tutt’altro che positive del nostro riguardo all’esistenza in senso lato.
I passaggi più morbidi sono validi, contraddistinti da un buon gusto melodico, con il solo difetto di una voce pulita non sempre perfettamente intonata, mentre i momenti più aspri vanno a lambire il depressive, per stemperarsi a volte in soluzioni “cascadiane”, rivelandosi utili a svolgere il ruolo di contraltare nei confronti del liquido incedere di stampo blackgaze.
Sono davvero apprezzabili, comunque, gli spunti melodici che costellano le altre tre tracce, a partire da Radiant Eyes, andando a costruire una prova complessivamente apprezzabile i cui pregi e difetti andranno ovviamente rivalutati in occasione di un’uscita di lunghezza più cospicua.

Tracklist:
1.Radiant Eyes
2.So Hollow
3.This Forever Flow
4.Whispers

Line up:
Dan Stollings–All stringed instruments, vocals

“Frog” Magus–Drums
Tyler Allen–Additional vocals on “Whispers”

GHOST HORIZON – Facebook