Tag: postmetal

ORPHANAGE NAMED EARTH – Re-Evolve

Una delle particolarità maggiori del disco è questo avere diversi elementi in grado di poter piacere ad ascoltatori di genere diverso, da chi ama l’anarco crust a chi sente post rock, o l’amante delle voluttuose sonorità del post metal.

Colonna sonora di una delle apocalissi possibili, verso la distopia del concetto di essere umano.

Nei polacchi Orphanage Named Earth troviamo tutta la disperazione del raccontare le nostre vite, il dolore dell’essere umano, in forma post metal e con un’attitudine fortemente punk. Il suono del gruppo polacco è un misto di post metal in stile Neurosis, con intarsi screamo e con un piano compositivo molto bene definito e studiato fin nei minimi particolari. L’impressione generale è di una marcia a tappe forzate verso la definitiva distruzione in uno scenario post punk in stile Mad Max, dove all’uomo rimangono poche cose se non sé stesso. Ci sono momenti di grande magniloquenza, alternati a furiose sgroppate, il tutto sempre bilanciato molto bene. L’ampio spettro coperto dal gruppo polacco arriva anche a sconfinare nel post rock di alcuni momenti, e sono attimi bellissimi. Una delle particolarità maggiori del disco è questo avere diversi elementi in grado di poter piacere ad ascoltatori di genere diverso, da chi ama l’anarco crust a chi sente post rock, o l’amante delle voluttuose sonorità del post metal. Il gruppo è relativamente giovane, essendosi formato nel 2015, ma ha già le idee molto chiare, come molto ben definito è il loro percorso politico, che li porta a schierarsi decisamente per la pace ed il rispetto militante di ogni forma di vita. Un disco che emoziona e che smuove qualcosa nel fertile cuore degli amanti della musica pesante.

Tracklist
1 Piss on Your Parade
2 Holy Hate
3 Insanity
4 Charity Everywhere
5 Romance is in the Eye of the Seeker
6 Pity this Kind
7 Orphanage Named Earth
8 Monuments of Tomorrow

Line-up
Piotrek – guitar
Piotrek – guitar
Hubert – bass
Michal – drums
Wojtek – vocals

ORPHANAGE NAMED EARTH – Facebook

Origod – Solitude In Time And Space

Solitude in Time And Space è un disco è un disco ad altissima intensità, avendo le stimmate del grunge e la forza del post metal, un misto davvero interessante ed originale che non si sente molto spesso lasciando ottime sensazioni.

Gli Origod producono un disco dai mille risvolti musicali e dall’alto tasso di emozioni.

Come pochi e ottimi gruppi sanno fare, gli Origod puntano dritti al cervello ed al cuore dell’ascoltatore senza fare un genere ben preciso, ma se proprio si devono dare delle coordinate allora si potrebbe dire post grunge metal. Solitude In Time And Space è il loro ritorno dopo otto anni senza dischi ma con numerosi concerti. Ad un primo ascolto si può non cogliere la profondità e la bellezza del loro suono, poiché si potrebbe facilmente bollarli come leggeri, ed invece non sono né leggeri né vuoti, tutt’altro. Il loro suono è molto variegato e composto, ed è un mezzo per esprimere le loro emozioni, regalando molte sensazioni. Le canzoni sono costruite in maniera sapiente e riescono a suscitare l’attenzione dell’ascoltatore. L’obiettivo degli Origod è quello di avere un suono molto vicino a cose come The Mars Volta o il primo potente emocore degli anni novanta, ma ci si avvicina anche al post metal. Il gruppo coinvolge musicisti con una certa esperienza come Luciano Cotta, che è batterista anche nei Nibiru, ed il suo drumming è molto potente, preciso e caldo, sicuramente un valore aggiunto. Solitude in Time And Space è un disco è un disco ad altissima intensità, avendo le stimmate del grunge e la forza del post metal, un misto davvero interessante ed originale che non si sente molto spesso lasciando ottime sensazioni.

Tracklist
1.Reaching Out
2.Perception of Dreams
3.Welcome to the New World
4.Strident Chords
5.Confession
6.Icy Breath
7.City of Pain
8.Now
9.Solitude in Time and Space

Line-up
Dario Chiadini: guitars
Vincenzo Circosta: vocals
Luciano Chertan Cotta: drums
Marco “Bobo” Miglietti: bass

ORIGOD – Facebook

Anua – Un Viaggio Senza Terra

L’album dimostra un buon equilibrio, nel senso che, a fronte della mancanza di particolari picchi, non si rinvengono neppure cali vistosi, il che consente di mantenere in ogni momento un impatto emotivo soddisfacente: tutto ciò dovrebbe essere senza dubbio nelle corde di chi apprezza sonorità di stampo post metal/shoegaze.

Gli Anua sono una nuova band che si affaccia sulla scena musicale nazionale, facendolo in punta di piedi con un post metal/shoegaze molto etereo e delicato.

Mettesi in scia di una realtà come gli Alcest, tanto per citare il nome più noto tra quelli che si cimentano in questo stile musicale, può rivelarsi controproducente perché, in fondo, gli spazi di manovra non sono illimitati, ma questi quattro musicisti provano a svincolarsi da un confronto innegabilmente ingombrante mutando qualcosa a livello di approccio: ecco allora il ricorso strumenti addizionali come flauto e clarinetto e una più pacata anima folk, che si manifesta con diversi passaggi di chitarra acustica.
L’operazione a mio avviso riesce piuttosto bene, nel senso che Un Viaggio Senza Terra si rivela un lavoro gradevole, pur se strutturato su quattro brani lunghi mediamente una decina di minuti, che scorrono comunque in maniera abbastanza fluida anche se mancano nell’arco di tutta la durata quei momenti più incisivi dal punto di vista melodico, capaci di segnare con forza un intero lavoro.
L’album dimostra però un buon equilibrio, nel senso che, a fronte della mancanza di particolari picchi, non si rinvengono neppure cali vistosi, il che consente di mantenere in ogni momento un impatto emotivo soddisfacente: tutto ciò dovrebbe essere senza dubbio nelle corde di chi apprezza questo tipo di sonorità, capaci di realizzare una fugace oasi di pace screziata di tanto in tanto da qualche riff mai troppo ingombrante ma ben coeso e funzionale alla resa finale.
Dovendo scegliere uno dei brani, prendo Canto di un viaggio finito, che è forse quello che propende maggiormente verso soluzioni acustiche, con il supporto degli strumenti a fiato e senza disdegnare ampie aperture elettriche, svincolandosi in parte dai principali modelli compositivi che confluiscono in Un Viaggio Senza Terra.
L’esordio degli Anua è sicuramente positivo, nonostante qualche rischio connesso alla scelta di uno stile potenzialmente tedioso se non viene messo in scena con tutti i crismi e con sufficiente doti compositive: la strada per raggiungere l’eccellenza assoluta prevede ancora la salita di diversi gradini, ma le basi poste con quest’album sembrano già abbastanza solide.

Tracklist:
1.Sulla riva di un lago
2.Un cielo scuro
3.Canto di un viaggio finito
4.Vorrei tornassi

Line-up:
Manuel Rodriguez – Guitars, Vocals
Piersante Falconi – Drums
Andrea Remoli – Bass
Luca Grimaldi – Guitars
Guests:
Andrea Salvi – Flute
Sofia Rofriguez – Vocals
Ennio Zohar – Clarinet

ANUA – Facebook

Formalist – No One Will Shine Anymore

Il contributo portato dal background dei singoli musicisti va ben oltre un ideale somma degli addendi, assumendo le sembianze di un sound personale al quale si può attribuire senza alcuna remora il marchio Formalist.

La sola idea di utilizzare il termine supergruppo all’interno della nostra scena metal mi fa abbastanza sorridere, visto che un appellativo del genere in passato lo si associava ad operazioni che coinvolgevano musicisti appartenenti a band già piuttosto famose e che, spesso e volentieri, erano un modo come un altro per fare cassa, anche se non di rado ne scaturivano ugualmente lavori di notevole spessore.

Fatta questa doverosa premessa, e visto che le finalità puramente commerciali vengono escluse dal genere stesso messo in scena dai Formalist, trovarsi al cospetto di un gruppo italiano che convoglia membri di Forgotten Tomb, Malasangre e Viscera ///, per chi conosce queste tre band equivale soprattutto alla garanzia di ascoltare musica intensa, corrosiva e non convenzionale.
Ciò che balza subito all’attenzione fin dalle prime note è l’evidente e non così scontata amalgama del contributo sonoro portato dalle diverse personalità presenti: così se la voce di Ferdinando Marchisio mette sul piatto l’impronta inevitabile dei suoi Forgotten Tomb, la tempesta sonora messa in atto dalla chitarra di Michele Basso e dalla base ritmica della coppia Nicola Casella/Riccardo Rossi appare una perfetta sintesi del sound che ci hanno regalato i Viscera /// ed i Malasangre (in quest’ultimo caso in tempi meno recenti visto che il loro l’ultimo album risale ormai al 2012)
No One Will Shine Anymore presenta così tre lunghi brani, tra i quali l’opener Arson appare leggermente più accattivante, mostrando i momenti maggiormente avvicinabili agli ultimi Forgotten Tomb, ma in generale il post metal, lo sludge, l’ambient drone ed il black metal vengono magnificamente sintetizzati dal quartetto, che non dimentica di offrire all’insieme un’idea melodica esaltata nella stupenda Mainlined, traccia nella quale dissonanze sludge/doom si alternano a passaggi più dolenti ed evocativi. In mezzo troviamo la più lunga e disturbata Foul, nella cui parte iniziale provano a farsi spazio i minacciosi toni di matrice Malasangre che vengono poi relativamente stemperati dalle inquiete atmosfere post dei Viscera ///.
Ovviamente questa descrizione non deve far pensare ad una sorta di collage delle varie componenti, le quali come detto in realtà si fondono e si intrecciano e, in più di un frangente, diventano un qualcosa va ben oltre un ideale somma degli addendi, assumendo le sembianze di un sound personale al quale si può attribuire senza alcuna remora il marchio Formalist.
Concludo con un auspicio, riguardante l’opportunità di ripetere con maggiore frequenza operazioni di questo genere, perché è proprio nell’osmosi tra musicisti provenienti da band e generi diversi che si concretizza la possibilità di rinsaldare e far crescere una scena che normalmente non brilla per unità di intenti.

Tracklist:
1.Arson
2.Foul
3.Mainlined

Line-up:
Ferdinando Marchisio – Vocals
Michele Basso – Guitars
Nicola Casella – Bass
Riccardo Rossi – Drums & Electronics

FORMALIST – Facebook

Aikira – Light Cut

Gli Aikira regalano un lavoro maturo ed ispirato che vive di un suo impatto d’insieme piuttosto che di spunti estemporanei, e ciò rende questo loro primo full length un’opera che necessita di diversi ascolti prima di svelare tutte le sue sfumature.

Se fossimo particolarmente pigri potremmo fare nostre le note di presentazione dell’album che descrivono come meglio non si potrebbe fare il contenuto di questo secondo full length degli abruzzesi Aikira, autori di un post metal strumentale di pregevole qualità.

Proviamo quindi a sfuggire a tale tentazione cercando di descrivere le impressioni suscitate da un lavoro senz’altro impegnativo sotto diversi aspetti, primo fra tutti la sua natura interamente strumentale, cosa che ormai è piuttosto usale ma che comunque costringe il potenziale pubblico a cui è rivolto ad un approccio differente .
L’assenza della voce, che imprime un suo marchio più definito ed immediato ad un qualsiasi disco, induce ad un ascolto che deve essere per forza di cose più attento ai particolari, ma nel contempo necessita di una predisposizione a lasciarsi attraversare dai suoni, quasi che il nostro corpo debba trasformarsi in una sorta di conduttore di energia andando a realizzare, infine, una sorta di osmosi tra il musicista e l’ascoltatore; in tal senso allora diviene più che mai lecito ricollegarsi alle suddette note di accompagnamento del lavoro, laddove si parla di una finalità catartica da ricercare nelle composizioni degli Aikira.
Ecco quindi che, fin dalle prime fasi del brano Etera, ci si trova immersi in sonorità cangianti, che possono avere un impatto più robusto e deciso oppure fluire placidamente in virtù di sempre brillanti e mai stucchevoli arpeggi chitarristici.
E’ questa costante alternanza che contribuisce al mantenimento della tensione emotiva, che è poi anche la chiave di volta necessaria per evitare, ad un album del tutto strumentale, di scivolare via senza lasciare tracce: Light Cut imprime, come promesso, dei segni leggeri ma tangibili, facendosi strada in un primo tempo superficialmente per poi penetrare sottopelle ed assestarsi, con il suo carico di nervosa inquietudine e di malinconia, in qualche anfratto del nostro spirito da dove non potrà più essere rimovibile.
Gli Aikira non fanno calcoli e offrono tutto quanto sentono di poter dare: cinquanta e passa minuti sono tanti per una proposta musicale di questo tipo e la voglia di esprimersi senza limitazioni di sorta potrebbe rivelarsi controproducente; i nostri, però,  si sottraggono brillantemente a questo rischio perché la loro offerta gode di un’intensità che è un antidoto buono ed efficace per tutte le occasioni.
Light Cut va assimilato, anche per le sue caratteristiche, come fosse un brano unico, e ciò garantisce la possibilità di seguire in maniera ottimale questo flusso, spesso simile ad una marea che si ritrae per poi andare a riaggredire le terre emerse: dovendo scegliere due momenti chiave opto per Vantablack, magnifica esibizione anche di forza, e Something Escapes, traccia insinuante capace di creare una lunga attesa prima che la tanto attesa esplosione strumentale avvenga solo al termine dei suoi nove minuti.
Gli Aikira regalano un lavoro maturo ed ispirato che vive di un suo impatto d’insieme piuttosto che di spunti estemporanei, e ciò rende questo loro primo full length un’opera che necessita di diversi ascolti prima di svelare tutte le sue sfumature.

Tracklist:
1.Etera
2.Yonaguni
3.Vantablack
4.Voyager
5.Elemental 3327
6.Drive
7.Something Escapes
8.Alan
9.Elemental 06

Line-up:
Alessandro “Fango” Pizzingrilli – chitarra
Danilo “Il Kote” Concetti – batteria
Andrea Alesi – chitarra
Giuseppe Pirozzi – basso

Emanuela Valiante: voce
Davide Grotta: Piano

AIKIRA – Facebook

Deadly Carnage – Through the Void, Above The Suns

Questo nuovo album si rivela un altro passaggio evolutivo di un percorso artistico in costante crescendo, sempre contraddistinto da sonorità non del tutto convenzionali e, nel contempo, volte a scuotere quello stato di apatia emotiva nel quale si consuma l’esistenza dell’uomo moderno.

Non posso fare a meno di ammettere d’aver sempre avuto una certa predilezione per i Deadly Carnage, band riminese che, nella sua costante evoluzione nel corso di ogni passo fissato su disco, ha sempre dimostrato d’essere un gradino sopra a gran parte delle proposte appartenenti alla stessa cerchia stilistica.

Se Manthe era stata una splendida prova che aveva portato all’approdo verso un sound più oscuro e spesso collocabile a metà strada tra il black ed il doom nelle loro espressioni più emotive, e l’ep Chasm aveva confermato la propensione verso sonorità più liquide e definibili a maggior ragione “post” (con tutti i significati che si possono attribuire a tale prefisso), Through the Void, Above The Suns sembra ancor meglio focalizzato nell’assemblare le diverse sfumature confluite nel corso del tempo nella proposta del gruppo romagnolo, il quale decide di riversarle per la prima volta all’interno di un affascinante concept dalle tematiche cosmiche.
Prendendo una traccia come Lumis, per esempio, è possibile rendersi conto di come i Deadly Carnage possano permettersi, all’interno di uno stesso brano, di passare con una naturale fluidità da un black drammatico ed atmosferico ad un finale in quota Opeth (quelli più ispirati dei primi dischi, naturalmente), oppure, confrontando il robusto post metal di Matter ed il più sognante e melodico incedere “alcestiano” della meravigliosa Divide, si può notare come queste due maniere di interpretare la materia possano convivere tranquillamente nei tre quarti d’ora di Through the Void, Above The Suns, rappresentando ognuna un tassello fondamentale per la sua comprensione e soprattutto la sua riuscita.
Altri due punti nodali dell’album sono Ifene, dove un’atmosfera carica di tensione sfocia poi in un chorus cantato in italiano difficilmente rimovibile a breve termine, e la conclusiva Entropia, nella quale post metal e black avanguardista si intersecano in maniera esemplare, lasciando in eredità all’ascoltatore la sensazione compiuta d’avere ascoltato una album di rara profondità, sia a livello musicale che concettuale.
I Deadly Carnage non hanno risentito affatto del cambio dietro al microfono, che ora vede il chitarrista tastierista Alexis Ciancio anche alle prese con le parti vocali, e questo nuovo album si rivela un altro passaggio evolutivo di un percorso artistico in costante crescendo, sempre contraddistinto da sonorità non del tutto convenzionali e, nel contempo, volte a scuotere quello stato di apatia emotiva nel quale si consuma l’esistenza dell’uomo moderno.

Tracklist:
01 – Quantum
02 – Matter
03 – Hyle
04 – Cosmi
05 – Lumis
06 – Ifene
07 – Fractals
08 – Divide
09 – Entropia

Line-up:
Adres – Bass
Marco Ceccarelli – Drums, Percussion
Dave – Guitars
Alexios Ciancio – Vocals, Guitars, Synths

DEADLY CARNAGE – Facebook

Charun – Mundus Cereris

Il sound di Mundus Cereris si muove per lo più lento e sinuoso, talvolta segnato da un riff più deciso ma sempre compresso all’interno di un incedere per lo più sognante, pervaso spesso anche da tratti oscuri ed inquieti.

Come da consuetudine consolidata, le offerte della Third i Rex sono sinonimo di sonorità profonde e sempre scostate di qualche grado, rispetto al baricentro del genere di volta in volta proposto dalle band di turno.

Da una sempre musicalmente fertile Sardegna tornano i Charun, a due anni di distanza dal precedente album Stige: Mundus Cereris è dedicato all’immaginario religioso etrusco, argomento che ben si sposa con il post metal messo in scena dalla band isolana il cui monicker, peraltro, corrisponde proprio a quello della divinità equivalente al Caronte della mitologia greca.
Ancora una volta, così come accadutomi qualche giorno fa parlando dell’opera dei russi Trna, vengo piacevolmente costretto a rivedere il mio pensiero rispetto agli album interamente strumentali, visto che anche i Charun (ma questa non è affatto una sorpresa) riescono a comunicare con la necessaria perizia e l’imprescindibile intensità la loro visione di una spiritualità persa nel tempo e troppo spesso dimenticata a scapito della fagocitante epopea dell’antica Roma.
Il sound di Mundus Cereris si muove per lo più lento e sinuoso, talvolta segnato da un riff più deciso ma sempre compresso all’interno di un incedere per lo più sognante, pervaso spesso anche da tratti oscuri ed inquieti.
La mancanza delle liriche viene brillantemente superata mantenendo una coerenza stilistica che si sposa adeguatamente alla divinità di turno chiamata in causa: così, per esempio, se Laran (dio della guerra) è una traccia più movimentata e ritmata, la successiva Nethuns (il dio dell acque) si snoda appunto liquida esibendo caratteristiche prevalentemente di matrice ambient.
In generale, però, le tracce, che si assestano su una durata media tra i sette e gli otto minuti, mostrano sonorità rarefatte che via via si increspano prima di ritornare ad un più placido scorrere: fa eccezione in parte la splendida Vanth (divinità femminile messaggera di morte) che si sviluppa naturalmente in maniera più cupa e ritmata, andando a lambire territori sludge.
Pur restando dedicata ad un pubblico selezionato, quella dei Charun è musica di spessore superiore alla media: la band sarda riesce a sovvertire le difficoltà insite nella proposta, coinvolgendo l’ascoltatore dalla prima all’ultima nota e trasportandolo per oltre tre quarti d’ora in questo pantheon affascinante e colpevolmente dimenticato.

Tracklist:
1.Malacoda
2.Mae
3.Laran
4.Nethuns
5.Menvra
6.Vanth

Line-up:
Nicola Olla – guitar
Valerio Marras – guitar
Simone Lo Nardo – bass
Daniele Moi – drums

CHARUN – Facebook

Trna – Earthcult

Earthcult è un disco bellissimo, vivamente consigliato a chi vuole ascoltare musica avvolgente ed emozionante senza che tutto ciò vada ad attenuarne la brillantezza e la varietà ritmica.

I Trna sono un giovane trio proveniente da San Pietroburgo con all’attivo già due full length piuttosto ben accolti e risalenti rispettivamente al 2015 (Pattern of Infinity) ed al 2016 (Lose Yourself to Find Peace).

Earthcult rappresenta il terzo ed ambizioso tentativo di portare ancora più in alto l’asticella qualitativa così come la difficoltà di fruizione per chi ascolta, trattandosi di un lavoro che supera l’ora di durata, cosa non da poco per un album del tutto strumentale.
Nonostante una mia recondita idiosincrasia per questo tipo di soluzione resta ben poco da eccepire quando ci si trova di fronte ad un’esibizione di blackgaze di tale levatura; se è vero, sicuramente, che una maggiore sintesi avrebbe potuto giovare, non si può fare a meno di farsi trasportare da un sound che passa da toni rarefatti a repentine accelerazioni con mirabile fluidità.
Le quattro lunghe tracce, che ovviamente superano in media abbondantemente il quarto d’ora di durata, si rivelano tutt’altro che una stucchevole esibizione di stile in quanto pervase da un’intensità a tratti spasmodica, favorita dal fatto che i tre ragazzi russi non indulgono più di tanto in passaggi interlocutori ma preferiscono spingere più spesso con convinzione verso soluzioni artistiche in crescendo, capaci di portare al raggiungimento del climax in tempi dilatati ma preparati nella maniera adeguata.
Il sound dei Trna, che mantiene ben salde le proprie radici black, è avvolto da una costante aura cosmica e sognante che per una volta mi fa affermare che sì, tutto sommato della voce se ne può anche a meno: il flusso sonoro scorre tra un brano all’altro rendendo tutto sommato superflua la suddivisione in tracce; le brevi pause sono funzionali a far tratte un respiro all’ascoltatore tra una lunga cavalcata e l’altra, per cui le pennellate intitolate Earthcult, Everywhere and Nowhere, The Heart of Time e Thaw riescono davvero a rappresentare in un maniera compiuta quell’unità tra l’uomo e la natura alla quale sarebbe bene tendessimo tutti noi, anche al di fuori dell’aspetto prettamente musicale.
Earthcult è un disco bellissimo, vivamente consigliato a chi vuole ascoltare musica avvolgente ed emozionante senza che tutto ciò vada ad attenuarne la brillantezza e la varietà ritmica.

Tracklist:
1. Earthcult
2. Everywhere and Nowhere
3. The Heart of Time
4. Thaw

Line-up:
Anton Gataullin – Bass
Andrey Novozhilov – Guitars
Timur Yusupov – Drums

TRNA – Facebook

Eirð – Cosmos One: The (Un​)​known Universe

La musica marchiata Eirð può rivelarsi appetibile per chi apprezza queste sonorità volte ad immergerci nell’immensità dell’universo, una soluzione sicuramente non nuova ma sempre gradita specialmente quando viene offerta con la competenza dimostrata in questo frangente.

Eirð è il progetto solista del tedesco Andreas Libera (già con gli Spirit Descent), autore dal 2014 fino ad oggi di un numero consistente di uscite sotto forma di demo o singoli, ed arrivato alla fine dello scorso anno al primo full length intitolato Cosmos One – The (Un​)​known Universe.

Questo lungo lavoro è piuttosto esemplificativo dello stile musicale messo in atto dal musicista di Lubecca, ovvero un post metal/doom dal respiro melodico e cosmico, come facilmente intuibile anche dal titolo; la natura del tutto strumentale dell’opera ci conduce ad una scelta che non è dissimile da certe forme di ambient, con la differenza che il sound appare più ritmato, arrivando anche ad accelerazioni più sensibili come in A Dance of Cosmic Objects o nel finale di Dark Matter, trovando però a mio avviso una sua maggiore focalizzazione proprio nella conclusiva Deep Space Omega, nella quale Libera esprime al meglio le sue idee musicali spingendole fino ad una forma appunto più vicina all’ambient.
La musica marchiata Eirð può rivelarsi appetibile senza dubbio per chi apprezza queste sonorità volte ad immergerci nell’immensità dell’universo, una soluzione sicuramente non nuova ma sempre gradita specialmente quando viene offerta con la competenza dimostrata in questo frangente.
Per concludere, si segnala che poco dopo l’uscita del full length è stato immesso sul mercato, sempre da Loneravn Records, Cosmos Two – Earth and Beyond (2014​-​2016), un’uscita che raccoglie però materiale pubblicato nella prima fase di vita del progetto e, in quanto tale, utile quale sintesi retrospettiva dello sforzo compositivo attuato in quegli anni da Libera.

Tracklist:
1. Saturnalian Dreamsphere
2. Andromeda
3. A Dance of Cosmic Objects
4. Deep Space Omega
5. Dark Matter

Line-up:
Andreas G. Libera – All instruments

EIRD – Facebook

Lorø – Hidden Twin

Dolore fisico e psichico, un male oscuro ma dannatamente reale: i Lorø non conoscono vie di mezzo, quindi o vi conquisteranno o altrimenti li odierete, ma sicuramente vi rimarranno dentro come un virus letale.

Hidden Twin è un album che per la sua natura difficilmente può ottenere consensi unanimi, ma sicuramente non lascia indifferenti.

Questo trio padovano composto da Riccardo Zulato (chitarra), Mattia Bonafini (basso ed elettronica) e Alessandro Bonini (batteria) fa di tutto per rendere la propria proposta il più ostica possibile riuscendoci sicuramente:
con il monicker Lorø, i tre musicisti veneti tornano sul mercato con il secondo album, dopo il debutto omonimo uscito un paio di anni fa, grazie alla collaborazione di pool di label underground (Brigante records & productions, Dio Drone, Drown Within Records, Cave Canem DIY e In The Bottle Records), per destabilizzare e rendere l’ascolto di Hidden Twin un’esperienza a suo modo unica.
La musica composta dal combo, quasi interamente strumentale, è sicuramente da annoverare tra quelle di estrazione metallica, ma potenziata e resa disturbante da dodi massicce di noise, industrial e drone, e drogata da fumi stoner.
Ritmiche impazzite caratterizzano brani in cui la sei corde, torturata con maligna ferocia, urla dolore, presa a calci da un basso violento e sadico: il tutto crea un sound che sicuramente attacca al muro, lasciando impronte di lucida pazzia e creando una lunga jam divisa in sette terribili e violenti capitoli.
Dolore fisico e psichico, un male oscuro ma dannatamente reale: i Lorø non conoscono vie di mezzo, quindi o vi conquisteranno o altrimenti li odierete, ma sicuramente vi rimarranno dentro come un virus letale.

Tracklist
01. Low Raw
02. Choke
03. Last Gone
04. Deaf’s Hymn
05. Point & Comma
06. Hidden Twin
07. Inerxia, Drive Me As Only You Can Do

Line-up
Riccardo Zulato – Guitars, Vocals
Mattia Bonafini – synth
Alessandro Bonini – Drums

Lorø – facebook

Hawkmoth – Godless Summit

Gli Hawkmoth optano per una forma di sludge meno ruvida e con una spiccata componente post metal, privilegiando così l’aspetto melodico ed emotivo di un lavoro che non perde comunque nulla in robustezza ed intensità.

Terzo full length per gli Hawkmoth, trio australiano dedito ad uno sludge doom interamente strumentale.

Godless Summit, nelle intenzioni della band, dovrebbe essere la prima parte di un’opera più composita e consta di quattro brani piuttosto lunghi che comunque non vanno di molto oltra la mezz’ora complessiva di durata, una soluzione ideale se si vuole rendere più appetibile una proposta che necessita di un qualcosa che mantenga sempre alta l’attenzione dell’ascoltatore.

Il gruppo di Sidney ci mette decisamente del proprio per facilitare la fruizione del lavoro, optando per una forma di sludge meno ruvida e con una spiccata componente post metal: l’andamento sognante esibito in diversi momenti denota una qualità complessiva elevata e se l’alternanza tra liquidi arpeggi e riff più corposi non può certo sorprendere, il tutto avviene con grande misura ed attenzione anche per l’aspetto melodico: in particolare va rimarcata la capacità degli Hawkmoth di creare un sound che monta costante come un onda, senza trascendere mai in ruvidezza abusando nella distorsione dei riff.
Difficilmente i lavori interamente strumentali riescono ad impressionarmi, specialmente quelli basati sullo sludge doom in quanto l’ottundente ripetitività che caratterizza diverse uscite del settore resta gradevole solo per un tempo limitato: Godless Summit, invece, riesce ad insinuarsi agevolmente grazie a brani concisi (per il genere) ed equilibrati come la title track, Ibex e Mala Fide, e ad una traccia più ambiziosa ed elaborata come la conclusiva Charnel Ground, nella quale i ragazzi australiani mostrano per intero la gamma di soluzioni a loro disposizione, colpendo ed emozionando come non sempre avviene quando si adottano stili e soluzioni analoghe.
Per una volta quindi non mi lamenterò dell’assenza di un vocalist, perché Godless Summit basta e avanza così com’è per far spiccare alla nostra mente quel volo evocato dall’aquila rappresentata in copertina.

Tracklist:
1. Godless Summit
2. Ibex
3. Mala Fide
4. Charnel Ground

Line-up:
Aaron Steed – Bass
Heath Blows – Guitars
Andy Griggs – Guitars
Brenda Mackay – Drums

HAWKMOTH – Facebook

An Evening With Knives – Serrated

Il suono si snoda come un serpente possente e va ad occupare l’etere, salendo sempre più in alto, tornando a casa nel cielo.

Ci sono molte cose dentro la musica degli olandesi An Evening With Knives, e tutte conducono ad un post metal molto avanzato in direzioni ancora tutte da esplorare.

Dopo il loro ep di debutto del 2015 il gruppo ha girato molto suonando con band importanti e ha avuto modo di sviluppare la propria poetica. Il suono è una ricerca incessante del groove giusto, un qualcosa da cercare come il sacro Graal, sapendo che il suo fine non è l’oggetto ma la ricerca stessa. Questi olandesi sanno essere molto originali grazie ad un suono che spazia dal post metal ad uno stoner davvero diverso dal solito. Ma non ci si ferma a questo, c’è molto altro. Le canzoni sono composizioni di ampio respiro, dal sapore forte e sognante, con un forte retrogusto di grunge, soprattutto nella commistione del suono con le linee vocali. Si avanza sempre in Serrated, non si torna mai indietro o si ripete qualcosa, per poi esplodere in aperture melodiche di una bellezza struggente, come in Blind Man’s Guess, che può essere benissimo presa come manifesto di questo gruppo. Bisogna abbandonarsi a questa granitica e melodica progressione del suono, ed è complesso spiegare le sensazioni dalle quali si viene avvolti durante l’ascolto, è come sostare in un posto nel quale ci si sente bene e che si aspettava da tempo. Serrated è un disco dai mille risvolti, che regala molti ottimi ascolti e lascia una sensazione destinata a durare nel tempo. Il suono si snoda come un serpente possente e va ad occupare l’etere, salendo sempre più in alto, tornando a casa nel cielo. Post metal, stoner per confezionare qualcosa di molto originale.

Tracklist
1. Come Undone
2. Restless
3. Blind Man’s Guess
4. Hysteria
5. Fade Out
6. Thoughts and Regrets
7. Drowning in Daybreak

Line-up
Peter van Grunsven – Bass guitar.
Ivo Jonkers – Drums & samples.
Marco Gelissen – Guitar & vocals.

AN EVENING WITH KNIVES – Facebook

Dirge – Alma Baltica

Pochi dischi hanno la forza sonora ed immaginaria di questo lavoro, che ha al suo interno una frequenza di fondo come la terra, poiché Alma Baltica è un organismo vivo. Forse non sarebbe corretto parlare di musica, bensì di ciò che provoca dentro e fuori di noi.

Nuove realtà che nascono dall’ascolto di suoni che assomigliano maggiormente a frequenze primordiali che scrutano il nostro groviglio di abissi, droni e sangue.

Tornano i francesi Dirge con questo Alma Baltica che è un piccolo capolavoro di ambient, noise, drone e tanto altro. Prendete qualcosa degli Earth soprattutto per quanto riguarda l’uso della chitarra, metteteci un po’ di post metal e post rock, tanto ambient e un po’ di dark ambient e forse capirete. Soltanto attraverso l’ascolto si può cogliere l’ampiezza di questo suono, la sua grandezza e la sua monoliticità complessa. Questi francesi ci raccontano una storia, esplorando un’ampia gamma di frequenze e pongono l’accento sulla necessità di isolarsi dalla nostra realtà per cercare di capire qualcosa dietro il velo. I Dirge hanno cominciato il loro percorso frequentando il post metal, ma ben presto sono approdati su altri lidi come si può ben ascoltare: le parti si fondono e si viaggia come onde sonore, spiriti in formazione, non esiste il tempo, o forse sono loop continui, come se il tutto tornasse come nulla. Alma Baltica è come una glaciazione messa in musica, un uso sapiente ed unico di vari elementi musicali allo scopo di creare una forza nuova ed immanente, o forse solo per richiamare gli antichi di Lovecraft. Pochi dischi hanno la forza sonora ed immaginaria di questo lavoro, che ha al suo interno una frequenza di fondo come la terra, poiché Alma Baltica è un organismo vivo. Forse non sarebbe corretto parlare di musica, bensì di ciò che provoca dentro e fuori di noi. Le recensioni canoniche e i generi qui funzionano davvero molto poco, bisogna ascoltare con mente aperta, dimensioni diverse ci aspettano.

Tracklist
1.Alma
2.Red Dawn Tibesti
3.Black Shore
4.Baltica (Sine Time Reoscillated)
5.Pure

Line-up
Marc T.
Alain B.
Stéphane L.
Luz

DIRGE – Facebook

Nereide – Nereide

Sembra di essere da soli in un bosco alle prime luci di una giornata di tiepida primavera, mentre il mondo ti accoglie caldamente e le asperità fanno parte del gioco.

La mente umana è stata creata per superare se stessa, cercando di allontanarsi sempre più dalla prigione corporea.

Per fare ciò essa usa vari mezzi, uno dei quali, forse il privilegiato, è la musica e questo ep di esordio dei pugliesi Nereide ne è la dimostrazione. Si tratta di un viaggio, un lungo vagare fra sogno e abissi aperti dentro ed intorno a noi, è tornare bambini e cercare di crescere allo stesso tempo. I linguaggi usati sono il post metal, il post rock, comunque un rock metal molto moderno, ma le etichette contano davvero poco. Sembra di essere da soli in un bosco alle prime luci di una giornata di tiepida primavera, mentre il mondo ti accoglie caldamente e le asperità fanno parte del gioco. Canzoni che viaggiano in completa autonomia, un trio che si conosce, si cerca e si compenetra alla perfezione, creando un disco molto affascinante. I Nereide sono nati come progetto solista del chitarrista cantante Roberto Spels, al quale si sono poi felicemente congiunti Cosimo Barbaro al basso e Giacomo Scoletta alla batteria. Post metal forse e non solo, soprattutto una qualità molto alta e una forza compositiva e di esecuzione notevole, ma ci sono ancora margini di miglioramenti notevoli, essendo i Nereide un gruppo dalle grandi possibilità. La melodia è molto presente e permea tutto e non manca anche una certa orecchiabilità, non figlia di una volontà di essere commerciali, ma risultato di scelte felici e di molta naturalezza. Un disco per allontanarsi dalla realtà e l’inizio di un qualcosa di importante.

Tracklist
1.Mindful
2.The Wave
3.Surmise
4.Polars

Line-up
Roberto Spels – Guitar, Voice
Cosimo Barbaro : Bass
Giacomo Scoletta : Drums

NEREIDE – Facebook

Greytomb – Monumental Microcosm

Monumental Microcosm è un lavoro breve ma in grado di cogliere nel segno, creando una certa aspettativa per quelle che saranno le prossime mosse della band australiana.

Dalla sempre ricca e cosmopolita faretra della Transcending Obscurity ecco sbucare anche gli australiani Greytomb, autori di questo ep che va a suggellare quanto di buono già mostrato con il full length d’esordio del 2016, A Perpetual Descent.

Il trio di Melbourne offre una prova convincente che va ad abbracciare con  duttilità e consapevolezza le diverse sfumature del metal estremo, partendo da una base black ma con un’indole introspettiva che oscilla tra il doom e il postmetal e qualche dissonanza riconducibile al death progressivo.
Quel che ne esce sono tre brani che si sviluppano per  circa venticinque minuti corrosivi, intensi e sfaccettati, con un episodio dal crescendo emotivo non comune come Antimeta che si spinge con il suo finale disperato fino al DSBM; il brano è racchiuso tra la lunga e più inquieta Null ed una Force Majeure che dimostra come i Greytomb abbiano grande dimestichezza con la materia anche quando scendono sul terreno del post black più oscuro ed ottundente.
Monumental Microcosm è un lavoro breve ma in grado di cogliere nel segno, creando una certa aspettativa per quelle che saranno le prossime mosse della band australiana.

Tracklist:
1.Null
2.Antimeta
3.Force Majeure

Line-up:
J. Angus – guitar
N. Magur – vocals
D. Coffey – bass

GREYTOMB – Facebook

The Clearing Path – Watershed Between Firmament and The Realm of Hyperborea

Nonostante un approccio decisamente sperimentale, l’album riesce ad apparire avvincente e mai stucchevole, forse anche grazie ad una disposizione dei brani atta ad una maggiore assimilazione dei contenuti, con gli ultimi dodici minuti a lasciare il ricordo di sonorità sognanti e delicate, piuttosto che le nervose sfuriate che caratterizzano le tre precedenti tracce.

C’era già stato modo di apprezzare il buon talento musicale di Gabriele Gramaglia parlando qualche anno fa dell’album Remnants, uscito a nome Summit.

Il delicato post metal offerto in quell’occasione trova un suo ideale contraltare in questo secondo full length firmato The Clearing Path, nel quale il musicista milanese si lancia in un black metal spiccatamente avanguardista nel quale sono per lo più molto meno docili dissonanze sonore a caratterizzare il sound.
I quattro brani, il cui fatturato complessivo supera di poco la mezz’ora, rappresentano in maniera piuttosto efficace quello che dovrebbe essere offerto quando un musicista decide di muoversi in un ambito musicale così fluttuante: infatti, nonostante l’oggettiva anticonvenzionalità e la rinuncia a priori a qualsiasi idea di forma canzone, Watershed Between Firmament and The Realm of Hyperborea non si rivela neppure così ostico all’ascolto, forse anche perché il bravo Gabriele alterna con sapienza le sfuriate di matrice prog death/black a più liquidi passaggi che non fanno scemare comunque la tensione del lavoro.
Ed è cosi che, nonostante un approccio decisamente sperimentale, l’album riesce ad apparire avvincente e mai stucchevole, forse anche grazie ad una disposizione dei brani atta ad una maggiore assimilazione dei contenuti, con gli ultimi dodici minuti a lasciare il ricordo di sonorità sognanti e delicate, piuttosto che le nervose sfuriate che caratterizzano le tre precedenti tracce.
Anche in quel caso comunque, non si può fare a meno di apprezzare l’abilità di Gramaglia nel districarsi tra partiture complesse senza smarrire la bussola e dando seguito al concept dalla connotazione cosmica avviato con il precedente Watershed Between Earth and Firmament.
Lo stesso ingresso dei The Clearing Path nella scuderia della I, Voidhanger dice molto più di tante parole rispetto al tipo di sonorità che bisogna attendersi, nonché sulla qualità che nella maggior parte dei casi va di pari passo: non credo che l’album possa considerarsi un ascolto adatto a molti, ma sicuramente chi considera il black metal l’ideale base di partenza per escursioni di carattere avanguardistico sperimentale troverà non poche soddisfazioni.

Tracklist:
1. Ankhtkheperura in Thee (A Mystical Enlightenment)
2. The Pillars of Creation
3. Stargazer Monolith
4. This Starway Will Carry Me Towards The Grandest Light

Line-up:
Gabriele Gramaglia

THE CLEARING PATH – Facebook

Përl – Luminance

Luminance è un lavoro solido e di enorme spessore qualitativo, offerto da una band in grande ascesa, davvero molto vicina al raggiungimento delle vette del post metal europeo.

I francesi Përl sono un trio appartenente al filone post rock metal fattosi già notare con l’album R(a)ve.

Luminance è un ep che dovrebbe confermare le potenzialità emerse in quel frangente: l’obiettivo viene raggiunto ampiamente anche se non è che la band parigina badi molto a rendere particolarmente fruibile il proprio sound.
Infatti, come da ormai consolidata tradizione transalpina, trasversale nei vari generi, l’approccio dei Përl è quanto mai aperto a svariate digressioni che non esauriscono la loro spinta all’interno di confini ben delimitati: così all’interno di Luminance troviamo talvolta pulsioni jazzistiche, assieme a rivoli che sfuggono in varie direzioni, il tutto inserito all’interno di una struttura che alterna in maniera creativa, e non calcolata, i momenti metallici alle più liquide parentesi melodiche.
In tutto questo va necessariamente rimarcata l’interpretazione vocale di Aline Boussaroque, efferata o angelica a seconda delle necessità; il risultato finale è un pokerissimo di brani dal notevole impatto emozionale, anche quando il sound prende pieghe imprevedibili come in L’homme à l’éléphant blanc, dove il connubio tra Aline e l’ospite Faustine Berardo offre un frutto prelibato ma potenzialmente letale, se assunto in maniera superficiale.
Luminance è un lavoro solido e di enorme spessore qualitativo, offerto da una band in grande ascesa, davvero molto vicina al raggiungimento delle vette del post metal europeo.

Tracklist:
1. Himalaya (Deval part. I)
2. Ka
3. Séléné
4. L’homme à l’éléphant blanc
5. Jhomo Langma (Deval part. II)

Line-up:
Bastien Venzac : Bass
Aline Boussaroque : Vocals, guitars
Thibault Delafosse : Drums

Guests : Faustine Bérardo (La Nébuleuse d’Hima, ex-Munshy, ex-Orchester) on #4

PERL – Facebook

Clamfight – III

L’elemento principale del gruppo è la sua capacità di rendere una moltitudine di atmosfere diverse, i passaggi repentini, e i pezzi più lenti, ma il loro meglio è l’essere molto musicali in tutte le sfaccettature, regalando sempre un brivido all’ascoltatore.

In musica non è facile rendere cosa ti passa per la testa, riuscire a far arrivare ai tuoi ascoltatori le tue emozioni, o cosa vuoi dire.

I Clamfight riescono benissimo a fare ciò di cui sopra, perché hanno una musicalità al di sopra della media. Il loro suono è un riuscito miscuglio di post metal, sludge e stoner. I riferimenti sono tanti, si passa da momenti molto vicini alla strada astrale tracciata dai Neurosis come nella canzone di apertura Whale Road. Ma non è tutto così ovvio, perché poi dalla traccia successiva Selkie si comincia a costruire la struttura dei pezzi intorno a riff molto dilatati e con proposizioni originali.
Il risultato è un suono ondivago, un ottimo uso della potenza e soprattutto una quasi perfetta unione fra suono e canto. In certi momenti si ascolta un grande debito nei confronti del grunge, perché ci si avvicina molto alla poetica degli Alice in Chains, un dolente e peccaminoso incedere verso un patibolo quotidiano. I Clamfight sono formati da quattro amici di lungo corso che hanno sempre suonato assieme, e il loro affiatamento lo si percepisce in continuazione. Le canzoni sono sempre di ampio respiro e dal buon minutaggio e vivono di vita propria, essendo dei piccoli universi legati fra loro ma con una grande vita propria. Il gruppo della costa est degli Stati Uniti non lo si scopre certo oggi, essendo giunto alla terza prova come si può dedurre dal titolo del disco: i dischi precedenti erano buoni ma forse questo è davvero il loro apice, e non dovrebbe essere finita qui. L’elemento principale della band è la sua capacità di rendere una moltitudine di atmosfere diverse, i passaggi repentini e i pezzi più lenti, ma il loro meglio è l’essere molto musicali in tutte le sfaccettature, regalando sempre un brivido all’ascoltatore. Ci sono gruppi superiori a loro, ma i Clamfight non temono ugualmente il confronto con nessuno, perché hanno davvero molto da suonare, e possono permettersi di spaziare in lungo ed in largo nella musica pesante. Un disco fluttuante e potente, un talismano con un fluido che non vi lascerà indifferenti.

Tracklist
01. Whale Road
02. Selkie
03. Echoes in Stone
04. Einhallow
05. History of the earls of Orkney

Line-up
Joel Harris: guitar
Louis Koble: bass
Andy Martin: drums/vocals
Sean McKee: guitar

CLAMFIGHT – Facebook

Harakiri For The Sky – Arson

Potenza e dolcezza, malinconia e amore, ed un turbinio di emozioni e di umano sentire che raramente si incontrano in musica, almeno in maniera così vivida.

Gli Harakiri For The Sky sono un gruppo musicale che non lascia indifferenti, di solito o li si ama alla follia o, al contrario, non li si può sopportare.

Sicuramente hanno portato il post black metal, o qualsiasi genere essi suonino, ad un nuovo livello, implementando il lato emozionale del black metal, che qui è un punto di partenza, una montagna dalla quale buttarsi con il parapendio per andare in cielo usando correnti differenti. Questa musica è fatta per trascendere l’umana gabbia nella quale ci hanno rinchiuso e il duo austriaco ce lo mostra molto spesso il proprio cielo, perché non vuol rimanere imprigionato in questa miseria e punta in alto, facendoci provare molte emozioni. Il pathos viene creato in maniera sapiente lasciando scorrere la musica come un fluido, liberandola da inutili lacci per riportarla a casa sua. Stilisticamente Arson non differisce quasi per nulla rispetto ai precedenti dischi, a mutare è la composizione, qui molto più matura e maggiormente ricca di atmosfere fuori dal comune. Gli Harakiri For The Sky hanno sempre scritto poesie usando la musica pesante per veicolare emozioni attraverso l’uso di una melodia consapevole e veramente efficace. Questo ultimo episodio musicale ce li rende più maturi e consci dell’immenso valore della materia che stanno plasmando, della forza prorompente che hanno sul nostro cuore, perché loro sanno come scuoterci. Ogni passaggio di questo disco vale la pena di essere ascoltato, ma più che altro vissuto, perché gli Harakiri For The Sky sono catartici, e come detto sopra, non possono lasciare indifferenti. Arson conferma la bravura del gruppo nel non ripetersi mai o, comunque, non in maniera eccessiva, lasciando sempre entrare aria fresca nella propria stanza, e il risultato è ottimo. Potenza e dolcezza, malinconia e amore, ed un turbinio di emozioni e di umano sentire che raramente si incontrano in musica, almeno in maniera così vivida. Gli Harakiri For The Sky sono un’esperienza unica in un black metal che mostra ancora un lato diverso nel suo cammino in continua evoluzione, qualcosa di imparagonabile nel panorama musicale odierno .

Tracklist
1.Fire, Walk With Me
2.The Graves We’ve Dug
3.You Are The Scars
4.Heroin Waltz
5.Tomb Omnia
6.Stillborn
7.Voidgazer
8.Manifesto

Line-up
M. S. – All Instruments, Songwriting.
J. J. – Vocals, Lyrics.

HARAKIRI FOR THE SKY – Facebook

Nebulae Come Sweet – It Is Not The Night That Covers You

I Nebulae Come Sweet sono una band di livello superiore alla media, rimasta fino ad oggi ben nascosta, un po’ per la sua provenienza geografica ma, soprattutto, perché un album del valore di It Is Not The Night That Covers You finora non ha trovato i canali giusti per arrivare alle orecchie di chi vuol sentire.

Tra le diverse band che si propongono per ottenere una recensione dei propri lavori (devo dire quasi sempre con grande cortesia e spesso con umiltà sorprendente, almeno per i tempi in cui viviamo), non essendo ancora supportate da una label o un’agenzia, ci sono questi Nebulae Come Sweet, trio bielorusso che ha deciso di contattarci dopo aver apprezzato quanto da noi scritto riguardo al recente full length dei loro amici e connazionali Woe Unto Me.

Rispetto a questi ultimi, interpreti di un ottimo death doom, comunque piuttosto inquieto ed aperto a varie contaminazioni, i ragazzi di Minsk propongono una forma esemplare di post metal, dai tratti cangianti e soprattutto contraddistinto da un gusto melodico sopraffino.
A differenza di molte realtà afferenti allo stesso genere (che è comunque per sua definizione difficile da circoscrivere entro un ambito ben definito), i Nebulae Come Sweet riducono al minimo la componente estrema, facendo coincidere le sfuriate sludge doom con i brani che vedono il contributo vocale di ospiti illustri, come T, con Christopher Bennett dei Minsk (appunto…), e Santa Sangre, con Kristoffer Bäckström dei Moloken.
Paradossalmente, dovendo in qualche modo adattarsi alle prooensioni di questi musicisti, i nostri finiscono quasi per snaturare la loro indole più sognante e rarefatta, perché alla resa dei conti, le due tracce citate, per quanto notevoli, non ne rappresentano del tutto le caratteristiche peculiari : It Is Not The Night That Covers You, infatti, è un viaggio a tratti avventuroso nel corso del quale è uno stato malinconico a fungere quale principale linea guida, ma ciò che sorprende, oltre alla maturità compositiva di un gruppo comunque al passo d’esordio su lunga distanza, è la cura dei particolari apprezzabile dalla ricchezza dei passaggi strumentali (un brano come R, con il decisivo contributo del sax, è davvero stupefacente in tal senso), favoriti dal ricorso ad altri ospiti che forniscono al tutto un’aura a tratti tenuemente sinfonica.
A proposito, se qualcuno si sta chiedendo come mai i titoli delle varie tracce siano per lo più così essenziali basta leggerli in verticale e, partendo dal secondo al nono, si andrà a formare un più eloquente Le Nocturne …; in effetti la sensazione che offre il sound, in più di un passaggio, è proprio quella di un’ambientazione ben lontana dalla luce del sole o da quella rutilante ed artificiale delle città in queste giornate coincidenti con le festività di fine anno.
Il quadro conclusivo, che scaturisce da tutte queste considerazioni, è quello di una band di livello superiore alla media rimasta fino ad oggi ben nascosta, un po’ per la sua provenienza geografica ma, soprattutto, perché un album del valore di It Is Not The Night That Covers You, uscito solo in formato digitale alla fine del 2016 e riproposto in cd nello scorso novembre, finora non ha trovato i canali giusti per arrivare alle orecchie di chi vuol sentire; nel nostro piccolo proviamo a fare opera di divulgazione, in attesa che qualche soggetto preposto alla diffusione della buona musica si accorga del valore dei Nebulae Come Sweet, fornendo loro la giusta visibilità anche al di fuori dei confini nazionali.

Tracklist:
1.Prélude En Si Mineur
2.Le N
3.O
4.C
5.T
6.U
7.R
8.N
9.E
10.Santa Sangre

Line-up:
Igor Kovalyov – lead vocals, drums, percussion
Sergey Shidlovsky – bass, backing vocals
Andrey Byzovsky – guitars

Additional musicians:
Arseny Nikonov – programming, choir
Anastasya Skvortsova – cello
Artur Matveenko (DZIVIA) – saxophone, pipe
Alexandra Sidorevich – vocals, choir
Anton Shnip (SERDCE, IRDORATH) – percussion, synthesizer
Arif Alexandrovich – violin
Olga Sidoruk – violin
Anatoly Spirkov – programming
Anton Bondarenko – backing vocals
Viktor Serdyukov – choir
Dmitry Shevkunov – choir

Guest appearances:
Christopher Bennett (MINSK) – guest vocals for “T”
Kristoffer Bäckström (MOLOKEN) – guest vocals for “Santa Sangre”
Dmitry Mikulich – guest guitar solo for “U”

NEBULAE COME SWEET – Facebook