Categoria: postmetal

Sedna – Eterno

Il lavoro dei Sedna si manifesta come una sorta di smisurata entità aliena capace di mutare sembianze, respingendo prima, attraendo poi e fagocitando infine le proprie vittime.

A circa due anni di distanza ritornano con un nuovo full length i romagnoli Sedna, uno di nomi di punta della scena post black/metal italiana.

Eterno segna un certo scostamento rispetto alle sonorità dell’esordio autointitolato, presentando una maggiore rarefazione del suono unita ad una volontà di evolvere e mutare coordinate stilistiche che, fin dalla loro genesi, i nostri hanno sempre mantenuto in costante divenire.
Inutile, probabilmente, ribadire quanto un album come questo sia rivolto ad un pubblico disposto a confrontarsi con una musica impregnata di umori per lo più negativi, che non derivano però da un senso di fine imminente o dall’esibizione esplicita di efferatezze assortite, bensì da un’introspezione che conduce ad un impari confronto con gli insondabili misteri della creazione.
Tutto si crea e tutto si distrugge, e forse questa potrebbe essere una parafrasi del più noto motto applicabile anche al lavoro dei Sedna, che si manifesta come una sorta di smisurata entità aliena capace di mutare sembianze respingendo prima, attraendo poi e fagocitando infine le proprie vittime; come detto il black metal che, tutto sommato, costituiva la base sonora del lavoro d’esordio viene stemperato in una più riflessiva forma di post metal che non disdegna neppure qualche generosa pennellata di sludge, con la voce che assume toni straziati capaci di mantenere sempre alta la tensione, qualora ce ne fosse bisogno.
I due “Pilastri della Creazione”, posti in apertura del lavoro, costituiscono infatti le fondamenta per il brano capolavoro Mountains Of Creation, una prova di resistenza psichica ed uditiva superiore ai venti minuti, capace di regalare sensazioni uniche a chi sarà in grado di reggerne l’impatto: qui dentro c’è tutta l’essenza dei Sedna del 2016, quella di una band di livello superiore alla media che non ha nulla da temere nel confronto con i più celebrati nomi d’oltreconfine.
La componente ambient drone, che resta latente nei primi quaranta minuti, va ad occupare per intero la conclusiva title track: anche qui i Sedna danno un ampio saggio delle loro capacità mettendo sul piatto una traccia che eleva ancor più l’ascolto su un piano cosmico, finendo per chiudere nel migliore dei modi il cerchio aperto con Pillars Of Creation I e facendo apparire quella che dovrebbe rappresentare la chiusura del lavoro un flusso capace di protrarsi, teoricamente, all’infinito.
Questa maniera obliqua di muoversi all’interno del metal dai tratti più oscuri ed estremi sta offrendo in questi ultimi tempi opere di livello assoluto, prodotte da band provenienti da diverse parti del globo: anche il nostro paese è in grado di dire la propria, grazie ad un movimento in costante espansione che annovera i Sedna tra le espressioni più brillanti.

Tracklist:
1.Pillars Of Creation I
2. Pillars Of Creation II
3.Mountain Of Creation
4.Eterno

Line-up:
E.Motta – Bass, Vocals
M.Zoffoli – Drums
A.Crisafulli – Guitars, Vocals

SEDNA – Facebook

OvO- Creatura

Gli OvO fanno sempre dischi molto belli, di sangue di terra misti nello stomaco, ma questo forse è quello più modernista e attraente.

Gli OvO sono una strana creatura tribal musicale, un duo che porta a galla ciò che c’ è di primitivo in noi.

Dal 2001 martellano le nostre orecchie con dischi che sono sempre molto interessanti e coerenti in una ricerca musicale che non è solo tale. ma va molto più in profondità. Bruno Dorella e Stefania Pedretti sono due sciamani, esploratori di un mondo perduto che risiede dentro e fuori di noi. Le loro composizioni non hanno genere, ma possiedono un diabolico afflato vitale, che li porta a comporre un groove notevole, un vorticoso magma di parole, grida, bassi ed invocazioni agli Antichi. L’unica definizione possibile potrebbe essere di primitive folk metal, per gli innamorati delle etichette. Per gli OvO è il primo disco su Dio Drone, e penso che sia un matrimonio alquanto perfetto, tra una magnifica entità musicale ed un’etichetta che rappresenta molto bene l’estremismo musicale. Rispetto alle loro molte opere precedenti, Creatura è forse più elettronico e più verso la terra, più basso ma più maligno. In alcuni punti arriva a sfiorare un trip hop davvero black, e la qualità rimarne sempre alta. Gli OvO fanno sempre dischi molto belli, di sangue di terra misti nello stomaco, ma questo forse è quello più modernista e attraente.

TRACKLIST
1. Satanam
2. Eternal Freak
3. Creatura
4. Matriarcale
5. Zombie Stomp
6. Buco Nero
7. Buco Bianco
8. Immondo
9. Freakout
10. Bell’s Hell
11. March Of The Freaks

LINE-UP:
Bruno Dorella
Stefania Pedretti

OVO – Facebook

Obscure Sphinx – Epitaphs

Epitaphs rappresenta l’attuale stato dell’arte del post-metal, non serve aggiungere altro.

Gli Obscure Sphinx sono decisamente una gemma tenuta fino ad oggi ben nascosta: nonostante i risconti entusiastici ottenuti in occasione del loro primo full length (Anaesthetic Inhalation Ritual – 2011), ed ancor più con il secondo (Void Mother- 2013), dubito che la stragrande maggioranza degli appassionati pronuncerebbe il loro nome piuttosto che quello dei Cult Of Luna, tanto fare un esempio, dovendo citare una band di spicco nel panorama post metal odierno.

Epitaphs costituisce così l’ennesima scossa tellurica provocata dall’apparizione sulla scena all’inizio del decennio di una band come quella polacca, in possesso di tutti i crismi per rovesciare gerarchie già scritte e consolidate.
Un album come questo non possiede un solo punto debole, se non vogliamo considerare tale la necessità di ascoltarlo con la dovuta attenzione perché, nonostante appaia superfluo dirlo, qui siamo di fronte a quasi un’ora di musica decisamente non per tutti.
Musica pericolosa per l’intensità spasmodica che si riversa dalle casse quando una vocalist stupefacente per versatilità come Zofia aggredisce l’audience con il suo screming growl spaventoso, prima di placarsi ed assumere sembianze quasi angeliche, quanto mai ingannevoli per il loro apparente intento rassicurante.
In un tourbillon di sensazioni spiazzanti, gli Obscure Sphinx raccontano a modo loro la vita e la morte, e le nostre contraddizioni, la ferocia, la rabbia, lo sgomento, la fragilità, l’abbandono ed il disincanto, rivelandosi gli ideali moderni cantori di una razza umana ormai aliena rispetto al pianeta che la ospita.
La miscela perfetta di post metal, doom e ambient,  combinata a sua volta con una prepotente indole progressiva, porterà più d’uno a provare ad accostare il gruppo di Varsavia a qualche nome di spicco della scena, cercando di intuirne o vederne corrispondenze ed affinità assortite: fatica sprecata, questi sono solo gli Obscure Sphinx, autori di un album che prosciuga per intensità ed in constante crescendo dalla prima all’ultima nota. I brani migliori? Tutti, perché non appena uno ci inchioderà alla poltrona, quello successivo apparirà ancora più bello, in una sorta di infinito loop che prende il via con l’ultima nota di At The Mouth Of The Sounding Sea e ripartendo con la prima di Nothing Left.
Questo autentico capolavoro, che temo faticherà non poco a fare breccia in un paese come il nostro, dove chi ascolta certa musica è confinato in un’angusta bolla virtuale assieme ad altre poche anime tormentate, è l’ennesimo sfregio nei confronti di chi disprezza a prescindere tutta l’arte musicale di qualità stellare che l’underground produce a getto continuo; certo, un’interprete dal talento “illegale” come Zofia sarebbe capace di trasformare con il suo tocco il piombo in oro e l’acqua in vino, ma qui si parla di una band con la B maiuscola, con ogni suo singolo componente che è altrettanto decisivo per la riuscita del lavoro .
Epitaphs rappresenta l’attuale stato dell’arte del post-metal, non serve aggiungere altro.

Tracklist:
Part I: Pre-mortem
1. Nothing Left
2. Memories Of Falling Down
3. Nieprawota

Part II: Post-mortem
4. Memorare
5. Sepulchre
6. At The Mouth Of The Sounding Sea

Line-up:
Zofia “Wielebna” Fras – Vocals
Aleksander “Olo” Lukomski – Vocals – Guitars
Tomasz “Yony” Jonca – Guitars
Michal “Blady” Rejman – Bass
Mateusz “Werbel” Badacz – Drums

OBSCURE SPHINX – Facebook

Dawnbringer – XX

Se volete sentire qualcosa di davvero particolare, di semplicemente bello ecco il disco che fa per voi.

Un disco con un’immensa melodia, difficilmente ascrivibile a qualche genere musicale ben preciso, risultando davvero vario.

La cifra poetica è quella del metal, ovvero musica pesante con afflato epico, ma c’è di più. Le melodie che nascono non sono mai ovvie, e ad ogni cambio di tempo troviamo qualche sorpresa sottolineando la fortissima varietà musicale di questo disco, portatore di molte sorprese. Dawnbringer è la creatura musicale di Chris Black, praticamente una one man band figlia di una persona dal grande talento musicale. Le tracce hanno un grande respiro, e sono composte in funzione della melodia. Nelle loro note si può trovare di tutto, dal metal classicheggiante, ad un gothic molto intenso, passando per il doom. XX non è nemmeno scevro da una forte contaminazione pop, ed unire in maniera intelligente pop e metal non è per nulla facile, ma Chris Black ci riesce benissimo. I testi parlano di quanta morte ci sia nella nostra vita, di quanti nostri gesti davvero inutili siano perpetrati ogni giorno, mente le cose importanti rimangono sullo sfondo se non addirittura invisibili. La musica di Dawnbringer è unica e ricchissima, e non risente del recente divorzio dalla Profound Lore Records, anzi si innalza ancora migliore. Se volete sentire qualcosa di davvero particolare, di semplicemente bello ecco il disco che fa per voi. Per ora è disponibile solo sul loro bandcamp, e nei prossimi mesi sarà pubblicato in forma fisica da Ektro Records. Bellezza e melodie incredibili.

TRACKLIST
1. Why You Would You Leave Me
2. Into The Maze
3. North By North
4. Earth
5. The End Of The Beginning

LINE-UP
Chris Black – All Instruments

Angela Martyr – The November Harvest

Ennesimo capolavoro di uno dei pochi veri geni del nostro tempo, da sentire, interrompere e poi ricominciare come se fosse un sogno durante una febbre alta.

Ci sono, raramente, alcuni uomini che fanno musica, compongono musica e sono essi stessi musica.

Una di questa rarità è Morgan Bellini, il cervello dietro la leggenda musicale di nome Vanessa Van Basten. Questi ultimi sono stati una delle più belle avventure underground italiane di tutti i tempi. Non avevano un genere, essendo essi stessi un genere, ridefinendo in continuazione i confini, mai ovvi, mai pronti per essere ciò che uno credeva che fossero. Si pensava che il viaggio fosse finito, ma le vibrazioni che sono dentro Morgan Bellini non possono rimanere sopite per molto e quindi ecco qui l’atto di nascita della nuova creatura: Angela Martyr. Il debutto è semplicemente un capolavoro, un’ulteriore conferma che Mr. Bellini è un genio. Si parlava dei Cure, con l’ultimo magnifico ep dei Vanessa, Disintegration, che era appunto una rivisitazione dei Cure che era anche meglio dell’originale. In questo disco lo spirito dei Cure è conservato benissimo, attraverso una malinconia lasciva che lascia di stucco, una dolce carezza prima della morte. Non troviamo più il post rock od il post metal, l’elemento guida è un pop gotico con chitarre in stile primi Katatonia, ma il risultato è qualcosa che non avete mai sentito prima, un affondare voluto nelle spire dell’ultima delle società, la nostra. La lentezza è parte importante del viaggio, con la voce di Morgan che ci conduce in un’allucinazione che è l’unica alternativa possibile alla vita. Ci si muove come in un sogno di una carovana di lebbrosi che ricorda le tenerezze e l’amore andato via, i dolci ricordi di un vento sulla pelle, il sole e le tenebre che si cambiano di posto, l’amore prima dell’inevitabile caduta. Morgan è un poeta che scrive i versi con le note, stupendo, addolcendo, ammaliando, ammazzando se stesso e gli altri. The November Harvest è un disco che respira e vive, dolce e bello come la morte di chi vive nel ricordo di una luce che è tale solo nel passato.
Ennesimo capolavoro di uno dei pochi veri geni del nostro tempo, da sentire, interrompere e poi ricominciare come se fosse un sogno durante una febbre alta.

TRACKLIST
1. Deviant
2. Georgina
3. Deathwish
4. Serpent
5. Negative Youth
6. Carsleeper
7. On The Edge Of The Next Time
8. Imprinting
9. Angela Martyr

ANGELA MARTYR – Facebook

Suma – The Order Of Things

Il gruppo svedese è di un’altra categoria, e lo afferma ulteriormente con questo disco, capolavoro di musica pesante.

Dopo sei anni tornano i maestri del disordine rumoroso svedese i Suma, e lo fanno con un gran bel disco, The Order Of Things.

Il loro ordine delle cose è un forte impianto sonoro, fatto di un granitico muro del suono, figlio di distorsioni e pesantezze ritmiche. Non hai scampo dai Suma, perché tirano fuori il loro lato tribale, e tutto cambia. I Suma sono una band di culto, perché con i tre album precedenti sono riusciti a lasciare un’impronta indelebile nelle orecchie e nel cuore di chi vuole accogliere il rumore. Ma The Order Of Things alza ancora di più l’asticella, migliorandosi ulteriormente. Questo disco è davvero pesante ed immanente, colpendo con tutta la forza in maniera lenta. Qui non c’è molta velocità, ma troviamo una capacità di mettere in rumore le tenebre, dando spazio fisico alle nostre paure, ed alle nostre perversioni. La registrazione ed il mixaggio di Billy Anderson danno una forza ancora maggiore a questo nero monolite. I Suma sono il lato cattivo del post metal, il lato oscuro della luna, dove però è piacevole stare. Il gruppo svedese è di un’altra categoria, e lo afferma ulteriormente con questo disco, capolavoro di musica pesante. The Order Of Things è un ciclone di rumore e potenza, dovete solo sedervi e lasciarvi trascinare.

TRACKLIST
1.The Sick Present
2.Bait for Maggots
3.R P A
4.Being and/or Nothingness
5.Education for Death
6.Disorder of Things
7.The Greater Dying

LINE-UP
E
J
P
R

SUMA – Facebook

Goodbye, Kings – Vento

Vento è un disco dal respiro superiore, al quale il mezzo fisico va stretto e che si deve ascoltare ed ascoltare ancora, non per comprenderlo meglio, ma per sentire sulla propria pelle una carezza, perché le carezze fanno sempre piacere.

Il vento è una carezza sulla faccia, un impeto che spinge a terra, o il respiro della terra che fa volare i petali dei fiori, ma che come ultrasuoni non può essere sentito dagli uomini.

Leggerezza, ma anche forza. Il titolo di questo disco di post rock strumentale è assai adatto alla musica di questo gruppo milanese, che debutta sulla lunga distanza in maniera incredibilmente convincente. La musica per i Goodbye, Kings è davvero un mezzo per poter esprimere sentimenti, per far volare i palpiti della propria anima. Lo stile è un post rock suonato divinamente, un unisono che fa movimenti sinfonici. Formati a Milano nel 2012 i Goodbye, Kings hanno prodotto un demo ed un ep,che potete trovare sul loro bandcamp. Le loro produzioni precedenti erano buone, ma Vento è clamoroso, un viaggio dentro sensazioni che di solito chiamiamo poesie. Il particolare che stupisce di più è la loro capacità di coniugare al loro post rock intarsi di pianoforte e di musica classica, che rendono ancora più prezioso il loro suono, distinguendoli nettamente dalla moltitudine dei gruppi post rock. Vento è un disco dal respiro superiore, al quale il mezzo fisico va stretto e che si deve ascoltare ed ascoltare ancora, non per comprenderlo meglio, ma per sentire sulla propria pelle una carezza, perché le carezze fanno sempre piacere.

TRACKLIST
1.How do dandelions die
2.Fujin vs. Raijin
3.Shurhùq
4.The tri-state tornado
5.12 horses
6.If winter comes…
7.The bird whose wings made the wind
8.Blue norther

LINE-UP
Davide Romagnoli – acoustic and electric guitar, samples, percussions
Luca Sguera – synth, glockenspiel, keyboards, percussions
Luca Allocca – guitar, synth
Alessandro Croce – bass
Saverio Cacopardi – drums, percussions
Matteo Ravelli – drums, percussions

GOODBYE, KINGS – Facebook

Acoustic Anomaly – Dominus. Tinea

Difficile trovare termini di paragone per descrivere gli umori di un album diverso, sotto ogni aspetto, almeno dalle solite uscite post metal provenienti dall’ovest del mondo musicale

Poche informazioni ma tanta buona musica tra i solchi del primo full length di questa band russa, quartetto dal sound originale, moderno ma assolutamente fuori da qualsiasi schema core.

Gli Acoustic Anomaly licenziano sotto Symbol Of Domination questo buon lavoro, costruito su basi diverse ma con un comune denominatore l’elettronica.
Ritmiche marziali alla Rammstein, metal moderno e sfumature dark, concentrate in un sound che risulta progressivo nel suo continuo esplorare tra i mondi del metal/rock e di cui l’etichetta di post metal calza a pennello.
Attivi da un paio di anni e con un demo all’attivo, il quartetto fa di tutto per non apparire convenzionale, creando musica dagli umori diversi, ora chiaramente influenzata dall’industrial dark, ora dal rock, ora dal metal, le atmosfere grigie si fanno in alcuni casi oscure, mentre aleggia tra le tracce un’irruenza metallica che violenta con rabbia le liquide parti elettro rock.
Difficile trovare termini di paragone per descrivere gli umori di un album diverso, sotto ogni aspetto, almeno dalle solite uscite post metal provenienti dall’ovest del mondo musicale, anche se, chiaramente, essendo al primo lavoro il gruppo può ancora migliorare.
Le sfumature liquide sono predominanti ma quando il gruppo lascia le briglie alla parte metallica del sound escono prepotentemente piccoli gioiellini estremi come Into The Garden Of Grief (Lament), mentre in Tinea è l’anima gothic che esce allo scoperto, regalando una canzone che, se prende gli umori industriali dei Rammstein, li valorizza con un sound dall’ottimo appeal.
Buone le varie tonalità usate per raccontare la parte cantata, dal profondo gothic, allo scream, per passare alle clean, mentre un demone si impossessa di Maniata, traccia dalle reminiscenze black/industrial e a mio parere picco estremo ed emotivo dell’album.
Per chi non si accontenta del solito pasto, il primo album degli Acoustic Anomaly risulta un menù ricco di pietanze succulente: la volontà di cucinare qualcosa di diverso è l’arma in più del gruppo, lasciate la solita minestra ed ingozzatevi di queste prelibatezze musicali confezionate dal quartetto russo, band potenzialmente sopra le righe.

TRACKLIST
01. CIRCVLAR MMXVI
02. Everything Is Passing
03. Somnivm
04. Into The Garden Of Grief (Lament)
05. Tinea
06. Maniata
07. Unity
08. Choir Of The Gadflies

LINE-UP
Bloop – guitars, bass, samples, drums programming
e.Horizon – lead guitar, bass
Crimson Bell – vocals & lyrics
VeNa – vocals & lyrics

Moanaa – Passage

I Moanaa ci conducono lungo il lato più sensibile dell’animo umano, dove le emozioni prendono il posto delle effimere felicità materiali oggi predominanti

Quando si scrive di musica per una webzine, avendo la possibilità di esplorare tutto il suo meraviglioso universo, si ha il piacere di incontrare realtà che in ogni angolo del mondo producono note di altissima qualità, molte volte sconosciute ai più ma che nascondono tesori di grande valore.

Se poi con queste realtà ci si rincontra, allora la soddisfazione ed il piacere si moltiplicano, creando una sorta di legame tra chi scrive e i musicisti protagonisti.
Prima sulle pagine di Iyezine, ed ora su quelle della sua anima metallica (MetalEyes), la volontà di portarvi a conoscenza di band dall’alto valore artistico ma fuori dai soliti circuiti, porta a fare scoperte che riempiono di orgoglio chi della sua passione ne ha fatto qualcosa di più.
Era agosto dello scorso anno quando uscì per il sito madre la recensione del sottoscritto sul debutto dei Moanaa, quintetto polacco dedito ad un affascinante post metal progressivo, animato da pulsioni estreme e molto coinvolgente.
Descent risultava un piccolo capolavoro e la conferma che sul valore del gruppo non ci eravamo sbagliati arriva puntuale con Passage, nuovo lavoro su lunga distanza, un altro emozionante e drammatico viaggio tra lo spartito maturo e intimista del combo di Bielsko.
Certo, il fattore sorpresa, che in un debutto risulta determinante nella valutazione finale di un opera, non c’è più, rimane solo il valore intrinseco della musica in quanto tale, bellissima sintesi di un groviglio di emozioni, incanalate in un sound che dal metal estremo prende l’ aggressività, dal post metal le atmosfere introspettive e dal progressive i dilatati viaggi strumentali.
Con un mood meno sofferto e rabbioso  rispetto al primo album, Passage mostra la parte sognante della musica dei Moanaa, un passaggio dunque tra la violenza scandita da sfumature intimiste di Descent, alla pace solo in parte ancora disturbata dal tormento e dalla sofferenza di questo lavoro, sempre perfettamente descritte da rabbiose sfuriate vicine all’hardcore e da liquidi passaggi post rock.
Originali in ogni nota, i Moanaa ci conducono lungo il lato più sensibile dell’animo umano, dove le emozioni prendono il posto delle effimere felicità materiali oggi predominanti, in uno specchio velato dal respiro affannato di chi è in continua ricerca del proprio io.
Inutile nominarvi un brano piuttosto che un altro, non esistono singoli su Passage ma solo un’ora circa di grande musica.

TRACKLIST
1.[…]
2.The Process, Part One
3.The Process, Part Two
4.Crystal
5.Terra Mater
6.The Shift
7.Grim Encounter

LINE-UP
Marcel Łękawa – Drums
Łukasz ‘cHooDy’ Kursa – Guitars
Damian ‘Cichy’ Olearczyk – Bass
Kuba Piwowarczyk – Guitars
K-vass – Vocals

MOANAA – Facebook

Naat – Naat

Climax e discese, accelerazioni e fluttuazioni improvvise, gravità che mancano in assenza di aria.

I gruppi cambiano, la musica impone rotazioni, elissi e cambi di posizione per poter sgorgare meglio.

I Naat, gruppo strumentale post metal genovese, sono praticamente gli ex Lilium, altro gruppo notevole dell’underground genovese. La prima uscita dei Naat è un disco strumentale che potrebbe essere anche ascoltato come traccia unica, dato che sembra lo sviluppo di una narrazione per musica ed immagini. I Naat si ispirano ai grandi classici del genere, Neurosis, Tool, ma assorbono anche molto del migliore post rock, per rielaborare il tutto in maniera personale. Il loro è un viaggio musicale che porta con sé molte sfumature, ed indaga l’antimateria, sparando tenebre nella luce, ed illuminando scoscese salite. Tutto il gruppo sa cosa fare e dove andare, e il risultato è lontano dai Lilium non per qualità ma per ceppo musicale. I Naat vogliono indurre visioni nell’ascoltatore, lanciare un segnale nello spazio profondo. Si può sia ascoltare e basta, od anche ascoltare fra le righe, essendo qui molti gli strati compositivi. Ricerca costante e moto perenne, calibrando e galleggiando in un liquido amniotico di una bestia che nascerà solo fra molti anni luce in un punto diverso di un’altra galassia. Climax e discese, accelerazioni e fluttuazioni improvvise, gravità che mancano in assenza di aria. La produzione è adatta per un disco così, e calza alla perfezione. Futuri passati remoti, antichi futuri che ritornano.

TRACKLIST
01. Vostok
02. Falesia
03. Temo
04. Baltoro
05. Bromo
06. Dancalia
07. T’mor Sha

NAAT – Facebook

Demikhov – Experimental Transplantation of Vital Organs

Experimental Transplantation of Vital Organs è un concentrato di musica rigorosamente strumentale, consacrata al disturbo dei padiglioni auricolari grazie al suo mix di drone, sludge, postmetal e progressive.

Vladimir Demikhov viene definito da molti uno scienziato, nonché pioniere della tecnologia del trapianto degli organi vitali (tanto che persino il celeberrimo Chris Barnard pare lo considerasse il suo maestro); personalmente, invece, l’appellativo più gentile che mi viene in mente è sadico-psicopatico: difficile definire altrimenti colui che, in nome di chissà quale benefici per la scienza medica, si dilettò nel creare aberrazioni canine a due teste (chi come me ama gli animali rabbrividirà nel vedere le foto scattate all’epoca, provando ad immaginare le sofferenze alle quali furono soggette quelle povere creature).

Detto ciò, i Demikhov che ci interessano di più sono questi ragazzi di Desenzano che assumono in toto il monicker ed il concept da quel deprecabile personaggio: Experimental Transplantation of Vital Organs è il loro primo full length, arriva qualche anno dopo rispetto all’esordio #0 ed è un concentrato di musica rigorosamente strumentale, salvo qualche voce in sottofondo che si può cogliere ogni tanto, consacrata al disturbo dei padiglioni auricolari grazie al suo mix di drone, sludge, postmetal e progressive.
Ciò che ne scaturisce è così una quarantina di minuti che, come per gran parte degli album oggetto di tale scelta, non sempre riesce a sopperire del tutto all’assenza di parti cantate, ma riesce a far apparire il tutto più logico e funzionale alla causa rispetto a tentativi analoghi.
I Demikhov, tutto sommato, fanno con la musica ciò che l’omonimo emulo sovietico del dr.Frankenstein tentò di fare con gli esseri viventi: prima la sezionano, poi cercano di riportarla in vita unendo generi diversi finché non cessa nuovamente di vivere, e così via, in una sorta di inquietante loop.
Il risultato finale è intrigante e l’esperimento, almeno per loro, può dirsi senz’altro riuscito: probabilmente le cose migliori vengono fuori quando il trio lombardo lascia sgorgare le proprie pulsioni psichedeliche (ottima davvero Twice the Bark); proprio questo è il punto dal quale, personalmente, ripartirei con più convinzione alla prossima occasione, con lo scopo di rendere più organico il tutto senza dover necessariamente soffocare l’indole sperimentale.
Una buona prova rivolta a menti sufficientemente aperte.

Tracklist:
1.A Two-Headed Zeus Appears to Vladimir Demikhov
2.Twice the Bark
3.Accumulating Failures Magnifies Your Heads’ Collection
4.Disiecta Membra
5.Dogs for the Government
6.My Mind Master Mystic Mademoiselle
7.Hammer is the Most Underrated Surgical Tool
8.Dasvidania Tovarish

Line-up:
Kaiser
Lars
Zano

DEMIKHOV – Facebook

Negative Symbols – Without Voices

L’album scorre via gradevole e Willnecker è davvero bravo nell’esprimere le sue competenze relative al sound offerto, ma alla fine l’ascolto non lascia tracce indelebili, proprio a causa della sua struttura esclusivamente strumentale.

Negative Symbols è il progetto solista di Benedikt Willnecker, noto per i suoi trascorsi come chitarrista dal vivo con gli ottimi Der Weg Einer Freiheit, oltre che in band meno conosciute quali Ära Krâ ed Illusion Of Strength.

Fatte queste premesse, non è difficile immaginare a quale stile possa dedicarsi il musicista tedesco, che infatti qui propone un black metal molto sui generis, sconfinante più volte nel postmetal o, comunque, con sembianze meno aspre di quanto si è soliti ascoltare.
Indubbiamente a tutto ciò non può che contribuire la natura completamente strumentale dell’operazione, cosa che continuerò sempre a ritenere opinabile, specie quando avviene in un genere come il black metal che, per sua natura, non si presta a virtuosismi capaci di sopperire alla mancanza della voce.
Quindi non posso che ripetermi anche per questo Without Voices che, se non altro, mette in chiaro le cose fin dal titolo: l’album scorre via gradevole e Willnecker è davvero bravo nell’esprimere le sue competenze relative al sound offerto, ma alla fine l’ascolto non lascia tracce indelebili, proprio perché a causa della loro struttura manca ai brani la capacità di imprimersi a lungo nella memoria (e non è che aiuti molto, in tal senso, l’aver scelto di intitolarli con numeri romani da I a IX).
Un peccato, perché l’abilità e la passione che stanno dietro la lavoro di Willnecker sono evidenti, e resta più di un rimpianto nel constatare che, per esempio, un brano trascinante come II o il conclusivo IX, ripensati con una voce ad accompagnarne le ottime trame melodiche, assumerebbero tutt’altro impatto. In ogni caso chi gradisce tali soluzioni troverà più di un motivo per apprezzare questa prima uscita a nome Negative Symbols, mentre invece il mio gradimento si limita al riconoscimento delle buone doti del musicista che vi sta dietro.

Tracklist:
01. I
02. II
03. III
04. IV
05. V
06. VI
07. VII
08. VIII
09. VIIII

Line-up:
Benedikt Willnecker

NEGATIVE SYMBOLS – Facebook

Soothsayer – At This Great Depth

Un lavoro di notevole interesse che potrebbe trovare estimatori anche tra chi apprezza il post hardcore meno estremizzato, per cui resta solo da attendere i Soothsayer alla prima prova su lunga distanza.

At This Great Depth è il secondo ep per gli irlandesi Soothsayer, dopo quello omonimo d’esordio pubblicato l’anno scorso.

I due lunghi brani che compongono il lavoro sono intrisi di una forma di doom che viene definito atmosferico ma, in realtà, appaiono molto più vicini a certo postmetal nei suoi passaggi più aspri, complice anche un’interpretazione vocale affine a quelle di band tipo Amenra, per intenderci.
Ciò si verifica principalmente nella prima traccia, Umpire, che dopo un inizio liquido si snoda in un flusso sonoro intriso di una rabbiosa tensione emotiva.
L’etichetta doom si addice maggiormente al brano successivo, Of Locusts and Moths, anch’esso decisamente valido: qui viene lasciato un certo spazio alla chitarra solista che tesse melodie di un pregio benché sia, di volta in volta, screziata da accelerazioni repentine che ben vanno a variare i ritmi senza rendere frammentario il sound.
Un lavoro di notevole interesse che potrebbe trovare estimatori anche tra chi apprezza il post hardcore meno estremizzato, per cui resta solo da attendere la band di Cork alla prima prova su lunga distanza, alla luce di una capacità di scrittura che dovrebbe consentire lo spingersi su un minutaggio superiore senza subire alcun contraccolpo.

Tracklist:
1. Umpire
2. Of Locusts and Moths

Line-up:
Líam Hughes – Vocals/Noise
Con Doyle – Guitar/Vocals
Marc O’Grady – Guitar
Pavol Rosa – Bass
Will Fahey – Drums

https://www.facebook.com/soothsayerdoom

Alcest – Kodama

Il senso dello scorrere inesorabile del tempo e la necessità di imprimerne ogni momento nella memoria sono il fulcro della poetica degli Alcest.

Prosegue senza intoppi, per la gioia di tutti gli appassionati della buona musica, il percorso stilistico intrapreso da oltre un decennio dal francese Stéphane Pout, meglio conosciuto come Neige, e del suo progetto solista Alcest.

Kodama è il quinto full length in una discografia di eccelso livello, che ha visto il nostro muoversi da una forma di black metal dalle sfumature sognanti fino a giungere ad una sorta di codificazione di ciò che, oggi, viene definito shoegaze.
Se, da un lato, le asprezze contenute in Souvenirs d’un Autre Monde mancheranno a chi è avvezzo a sonorità più robuste, gli Alcest odierni restituiscono focalizzato al meglio il sentire poetico ed artistico di Neige.
I Kodama sono spiriti che, nella tradizione nipponica, aleggiano nei boschi e, in effetti, il loro ruolo immaginifico ben si addice ad una musica che fluttua in sintonia con la nostra coscienza, guidandoci lungo le visioni oniriche del musicista francese.
I riferimenti alla musica giapponese sono rinvenibili solo a tratti, in certi passaggi della title track e nello strumentale Onyx, posto in chiusura dell’opera, ma per il resto Kodama è un lavoro che non trae in inganno e non delude, fin dalla sua prima nota, chi ha imparato ad amare e conoscere l’arte espressa da Neige, come sempre accompagnato in questi ultimi anni dal fido drummer Winterhalter.
Kodama è un lavoro che si snoda liquido ed intenso, come forse da un po’ non succedeva agli Alcest, recuperando anche con convinzione qualche accelerazione di matrice black (Eclosion, Oiseaux De Proie) che, a noi anime intimamente metalliche, fa sempre un gran piacere riascoltare, inserite all’interno di sequenze contraddistinte da un malinconico languore.
Neige possiede l’innata capacità di evocare immagini tramite la propria musica: il senso dello scorrere inesorabile del tempo e la necessità di imprimerne ogni momento nella memoria, affinchè tutto il vissuto non si riveli vano e vada irimediabilmente perduto per sempre (a tale riguardo consiglio a tutti di riguardarsi quella struggente opera d’arte visiva e musicale che corrisponde al video che girato anni fa per Autre Temps), sono il fulcro della poetica degli Alcest.
Personalmente ritengo Kodama il migliore lavoro dell’artista transalpino dai tempi di Écailles de Lune, e non è cosa da poco, ma è evidente a tutti che, al di là dell sfumature che possono far prediligere a ciascuno un lavoro piuttosto che un altro, siamo al cospetto di uno dei musicisti più bravi ed influenti emersi in assoluto nel nuovo millennio.

Tracklist:
1.Kodama
2.Eclosion
3.Je Suis D’ailleurs
4.Untouched
5.Oiseaux De Proie
6.Onyx

Line-up:
Neige
Winterhalter

ALCEST – Facebook

Starchitect – Shift

L’uso della voce è lasciato a qualche coro in sottofondo, quasi a non voler disturbare gli strumenti che all’unisono, sono protagonisti indiscussi di un lavoro notevole

Le vie del progressive moderno sono infinite e, sulla strada che ci porta in giro per il mondo alla caccia di nuove band da proporvi, incontriamo nel profondo est europeo e precisamente in Ucraina gli Starchitect, di cui vi avevamo parlato pochi mesi fa sulle pagine di Iyezine, in occasione del loro secondo album Results.

Il quartetto di Kherson anche in questo terzo disco esplora le mille sfumature della musica odierna, partendo da una base prog metal, lasciando (come nel predecessore) che siano gli strumenti i protagonisti assoluti del sound e amalgamando saggiamente, post rock, jazz e qualche spruzzata di fusion in un caleidoscopio di atmosfere e sfumature affascinati.
Prodotto autonomamente, Shift risulta ancora una volta un bellissimo affresco di musica moderna, le ispirazioni del gruppo ucraino non inficiano l’originalità della proposta anzi l’aiutano, valorizzando i vari cambi di ritmo tra potenza, eleganza compositiva e raffinate partiture post metal.
Assolutamente perfetto in fase di produzione, risultando cristallino e potente, Shift risulta meno cervellotico ed ostico di Results, l’ascolto se ne giova soprattutto per le orecchie poco abituate al genere, mentre i King Crimson rimangono a mio parere una forte influenza per i quattro musicisti, così come certo metal moderno e cerebrale.
Gran lavoro della sezione ritmica, che ci aveva dimostrato tutto il suo valore mesi fa (Primus Man alle pelli e Stas Zelinsky al basso) ed un fiume in piena di note le due asce, ora dai riff potenti, ora creatrici di accordi intimisti e dall’animo estroverso, così che a tratti tornano a destabilizzare il corso dello spartito come sul lavoro precedente (Dimitry Zalozny e Oleksandr Sikorskyi).
L’uso della voce è lasciato a qualche coro in sottofondo, quasi a non voler disturbare gli strumenti che, all’unisono, sono protagonisti indiscussi di un lavoro notevole, confermando il valore del gruppo e del suo immenso songwriting.
Band da cullare, disco bellissimo, che volete di più?

TRACKLIST
01. Nuovo II
02. Shift
03. Nuovo III
04. Nuovo I
05. The Death Of Her Money (feat. Darren Kaskie)
06. Interlocutor (stonefromthesky remix)

LINE-UP
Dimitry Zalozny – guitar
Primus Man – drums, vocals
Stas Zelinsky – bass
Oleksandr Sikorskyi – guitar, vocals

STARCHITECT – Facebook

Neurosis – Fires Within Fires

I Neurosis in questo lavoro non hanno stravolto nulla del loro cosmo, ma hanno aggiunto accelerazioni improvvise, calcando la mano anche nel delineare maggiormente i chiaroscuri delle loro canzoni.

Un disco dei Neurosis, è sia una cosa impegnativa, sia un qualcosa che non lascia mai indifferenti.

Il gruppo americano svolge una funzione sciamanica, dato che forse sono il più grande gruppo di folklore pesante del mondo, attraversati da una corrente esoterica non indifferente. Questo capitolo giunge quattro anni dopo Honour Found In Decay. Questo album conferma quanto siano fuori dal tempo i Neurosis, nel senso che loro sono in un universo alternativo, con leggi particolari. Ad un primo distratto ascolto, e la distrazione nell’ascoltare musica è un grosso problema contemporaneo, potrebbe sembrare il solito disco dei Neurosis, mentre invece bisogna lasciarlo depositarsi sulla nostra anima, come una polvere millenaria, figlia di una sapienza antica. Fires Within Fires è una nuova tappa in un cammino che ha un disegno ben preciso, e questo disco ha delle sue caratteristiche che altri loro dischi non hanno. I Neurosis in questo lavoro non hanno stravolto nulla del loro cosmo, ma hanno aggiunto accelerazioni improvvise, calcando la mano anche nel delineare maggiormente i chiaroscuri delle loro canzoni. Ciò che ne esce fuori è un disco che non è all’altezza dei mastodonti che sono usciti dalla band di Oakland, ma non si deve nemmeno confrontarlo con quelli passati, perché gli album dei Neurosis sono costruzioni che hanno una loro unicità. Non si può giudicare con normali parametri una band che non ha nulla di normale, ed è tremendamente soggettiva, perché il loro scopo è provocare una catarsi nell’ascoltatore, facendo nascere o rinascere sensazioni dimenticate. A me i Neurosis sono sempre sembrati fortemente legati alla metafisica di Alan Moore, a quel sentire altro e fuori dai nostri canoni, come se queste creature avessero incrociato la nostra epoca quasi per sbaglio.
Fires Within Fires è un disco che va sentito a lungo, fatto proprio, e ha una lunghezza perfetta, infatti la prolissità è stata tagliata correttamente. Un altro capitolo della saga di una band unica, e di una sapienza che lotta per non andare perduta.

TRACKLIST
1.Bending Light
2.A Shadow Memory
3.Fire Is The End Lesson
4.Broken Ground
5.Reach

NEUROSIS – Facebook

Demetra Sine Die – A Quiet Land Of Fear

A Quiet Land Of Fear è un capolavoro che quattro anni dopo è sempre fantastico e si inserisce ancora meglio nella poetica di menti musicali che dovremmo tenerci ben strette.

Vi sono creazioni umane che non invecchiano, ma che anzi con il tempo permettono di essere viste e comprese da differenti punti di vista non possibili nell’immediatezza dell’atto creativo.

Questo è il caso di A Quiet Land Of Fear, il disco dei Demetra Sine Die del 2012. I Demetra Sine Die sono un gruppo genovese ben oltre la media in quanto a creatività e resa musicale. Uno dei componenti è Marco Paddeu, che potete ascoltare in Morgengruss e Sepvlcrvm, uno dei migliori musicisti e menti pensanti della musica italiana degli ultimi anni. In combutta con Adriano Magliocco e Marco Fattore ha dato alla luce questo bellissimo disco nel 2012, che a distanza di quattro anni suona ancora benissimo, anzi è ancora più luminoso. Dentro questo disco ci sono fantastiche intuizioni, e diversi modi di leggere la musica pesante, e la presenza di un modo di fare musica unico e particolare, che cattura il cuore di chi ascolta. I Demetra Sine Die suonano musica che pulsa, partendo da una base grunge e post metal, per passare anche a fare ottimo rock altro, sempre con un progetto ed una forza avvolgente, e soprattutto molta poesia. A Quiet Land Of Fear è il preciso ritratto di ciò che è in realtà ciò che noi, respirando profondamente, chiamiamo vita. La paura è un motore primo, muove questo involucro di rocce, poiché come aveva ben capito Lovecraft, siamo puntini agli occhi di qualcosa più grande di noi. E allora questo disco assume un contorno di colonna sonora dei momenti che precederanno l’apocalisse, dove bruceremo all’interno del sole, come spiega l’ultima traccia. I Demetra Sine Die non hanno fretta, non ci deve essere mentre si imbastisce un reticolato sonoro curato fin nel minimo dettaglio, dove tutto lentamente si amalgama. Ogni nota del disco è distillata, e ha un senso, vi è la creazione della musica come negativo positivo del silenzio, che è l’antimateria più preziosa. Il gruppo genovese è un liquore che entra e ti scalda, dandoti l’energia necessaria per affrontare il giorno dell’ira. A Quiet Land Of Fear è un capolavoro che quattro anni dopo è sempre fantastico e si inserisce ancora meglio nella poetica di menti musicali che dovremmo tenerci ben strette.

TRACKLIST
1.Red Sky of Sorrow
2.Black Swan
3.A Quiet Land of Fear
4.0 Kilometers to Nothing
5.Ancestral Silence
6.Silent Sun
7.Distances
8.Inanis
9.That Day I Will Disappear into the Sun

LINE-UP
Adriano Magliocco
Marcello Fattore
Marco Paddeu

DEMETRA SINE DIE – Facebook

Phlegmatic Table – Chicken Hell

Se sommassimo i cinque brani del primo ep con queste nuove composizioni avremmo tra le mani un mezzo capolavoro

Vi avevamo parlato del trio bielorusso lo scorso anno, in occasione del primo ep Waiting For The Wolf, uscito solo in supporto digitale.

I Phlegmatic Table tornano con un nuovo ep di cinque tracce a un anno esatto dal primo lavoro e Chicken Hell conferma le ottime impressioni avute nel 2015, con il gruppo a disorientare e sorprendere l’ascoltatore con il suo progressive post thrash metal maturo, a tratti entusiasmante, dalle molteplici sfumature ed ispirazioni ma comunque sempre molto personale.
Se sommassimo i cinque brani del primo ep con queste nuove composizioni avremmo tra le mani un mezzo capolavoro, ma anche questa volta ci dobbiamo accontentare di diciotto minuti di musica fuori dagli schemi, tecnicamente ineccepibile e destabilizzante.
Se vi eravate persi il primo parto di questo bravissimo combo dell’est e la recensione che lo riguardava, ricordo che i Phlegmatic Table usano a loro piacimento l’insegnamento dei maestri del metal non convenzionale, con in testa Voivod e Mekong Delta, ma aggiungono un tocco industrial al tutto e lo valorizzano con incursioni nel progressive e nel moderno groove metal.
Se non bastasse, il trio composto da Artour Sotsenko (chitarra e voce), Vladimir Slizhuk al basso e Paul Chaplin alle pelli aggiunge molto del suo con sconfinamenti nella new wave e nel jazz metal alla Zorn.
Ne esce un’altra piccola raccolta di tracce che sorprendono dalla prima all’ultima nota, con in testa Bet And Win dove Sotsenko estrae un chorus dal cilindro che ricorda non poco i Roxy Music di Bryan Ferry su una base post metal alla Devin Townsend, per un risultato sbalorditivo.
Ma Chicken Hell non finisce sicuramente qui, ogni brano sprizza anticonformismo musicale ed originalità, sostenuto da una grandinata di riff e ritmiche che cambiano tempo alla velocità di un battito di ciglia.
Ora però è il momento di dedicarsi ad un’opera prima sulla lunga distanza, ed io aspetto fiducioso il prossimo passo di questa grande band.

TRACKLIST
1. Chicken Hell
2. Flower Logic
3. Before
4. Bet and Win
5. Lost Dog

LINE-UP
Artour Sotsenko – guitars, vocals
Vladimir Slizhuk – bass
Paul Chaplin – drums

Unalei – Tedium Vitae

Il post metal prorposto in Taedium Vitae è nervoso e fin troppo cangiante, risultando apprezzabile in maniera solo intermittente.

Ecco uno dei classici dischi che, dopo diversi ascolti, lascia molti interrogativi e, soprattutto, altrettante indecisioni su cosa scriverne al riguardo: è vero, quando ciò accade l’unica certezza è quella di non essere al cospetto di un’opera banale, ma questo non può essere l’unico parametro da tenere in considerazione.

Taedium Vitae è il primo album degli Unalei, progetto solista del romano Federico Sanna: in sede di presentazione viene speso il nome dei Novembre quale possibile fonte di ispirazione e, francamente, a livello di sonorità l’accostamento ci può anche stare, un po’ meno alla luce della resa complessiva.
Il post metal di Sanna è nervoso e fin troppo cangiante, risultando apprezzabile in maniera solo intermittente: se dopo qualche ascolto è forte la tentazione di bollare il lavoro con il marchio della pretenziosità, alla fine si capisce che il musicista romano riversa nel suo lavoro soprattutto soprattutto un’irrequietezza compositiva che ha, come effetto collaterale, una eccessiva frammentazione della struttura dei singoli brani.
Se vogliamo proprio prendere l’operato dei Novembre come termine di paragone, è evidente che la loro capacità di creare melodie lineari, pur in un ambito sonoro inquieto come quello che hanno contribuito per primi a diffondere, non trova corrispondenza in Taedium Vitae, un album che si sviluppa in maniera discontinua, tra buone intuizioni (il finale di Primo Reincontro Nell’Epoca Moderna) degne dei rimandi ai seminali autori del recente Ursa, ed altri (La Vuelta Esteril) che, purtroppo, evocano in toto il titolo del disco .
Per di più, la scelta di optare per la lingua italiana (di per sè apprezzabile) provoca fastidiose forzature volte a far aderire le liriche, in qualche modo, allo scorrere della musica, spezzettate oppure allungate a dismisura per adattarle alla struttura dei brani: un peccato, perché l’immaginifico e decadente lirismo evocato da Sanna non è affatto disprezzabile, ma a tratti si ha la sensazione che i testi siano stati composti a prescindere dal contenitore musicale destinato ad accoglierli.
In definita, il “taedium” finisce spesso per prevalere sul piacere di un ascolto che non viene certo agevolato da un approccio cervellotico, per quanto lodevolmente coraggioso: Federico Sanna, con il progetto Unalei, non merita a mio avviso una bocciatura perché la forma artistica che persegue lo espone più di altri a contraccolpi sotto l’aspetto del gradimento immediato, ma è senz’altro auspicabile da parte sua la messa a fuoco di obiettivi che, a giudicare da quest’opera, appaiono ancora dai confini indistinti.

Tracklist:
1. Aporia
2. Belyje Noči
3. Primo Reincontro Nell’Epoca Moderna
4. Salve Regina
5. Miserella
6. La Vuelta Estéril
7. La Bellezza Inedita
8. Sei Sveglia?

Line-up:
Federico Sanna – music, lyrics, drums, vox, guitars, keys, other

UNALEI – Facebook

Harakiri For The Sky – III Trauma

Vento, onde, acqua e fuoco, l’aria suona, questi sono gli Harakiri For The Sky e questo disco è un capolavoro di post rock e black metal diversamente altro.

Ci sono momenti in cui la musica trascina e taglia le emozioni seppur fondendole, facendo cadere chi sta marciando verso il magma del suono, quel suono che concorre a creare il logos stesso.

Esistono gruppi musicali, ma anche poeti, pittori e sportivi, che disegnano onde nella dimensione in cui viviamo, e forse anche nelle altre. Gli Harakiri For The Sky, nati a Vienna nel 2011 come progetto esclusivamente da studio di M.S., già membro dei Bifrost, accompagnato da J.J come cantante e scrittore dei testi, sono uno di quei pochi gruppi in giro che scatenano vortici, aprono poesie e descrivono le nebulose che abitano le nostre anime.. La questione si ingrandisce e dallo studio gli Harakiri For The Sky calano sui palchi e fortificano la loro musica. La loro più grande peculiarità è quella di fondere mirabilmente le atmosfere post rock e il lato più sognante del black metal, magnifico linguaggio che riesce a declinarsi in diverse declinazioni. La melanconia che trasmettono questi austriaci è qualcosa di unico, come un arcobaleno di emozioni che vertono verso un diverso tipo di comprensione della nostra vita. Il primo album degli Harakiri For The Sky, Aokigahara, era già un’opera traumatica nella comunicazione delle emozioni, un bombardamento di sensazioni. Questo secondo episodio della loro carriera discografia è ancora più mastodontico, un immenso iceberg che tange le nostre aride coste. Si comincia con una suite di 11 minuti, Calling The Rain, che è già una chiara dichiarazione di intenti. Il naturale incontra il soprannaturale, e il tutto si fonde in una catarsi di grande energia. Le canzoni sono cavalcate che invece di essere escapismo tentano di carpire maggiormente il mistero umano. Vento, onde, acqua e fuoco, l’aria suona, questi sono gli Harakiri For The Sky e questo disco è un capolavoro di post rock e black metal diversamente altro, ma poco importa, perché qui si parla di cose giganti.

TRACKLIST
1. Calling The Rain
2. Funeral Dreams
3. Thanatos
4. This Life As A Dagger.
5. The Traces We Leave
6. Viaticum
7. Dry The River
8. Bury Me

LINE-UP
M.S. – All Instruments, Songwriting.
J.J. – Vocals, Lyrics.

HARAKIRI FOR THE SKY – Facebook