Categoria: postmetal

Eyelessight – Athazagorafobia

Gli Eyelessight dipingono nella maniera più fedele e dolente un grigio quadro solcato da rivoli scarlatti e regalano un’opera di rara intensità emotiva.

Dopo la splendida prova offerta con il marchio Angor Animi ritorna Kjiel con gli Eyelessight, quella che è stata la prima band a metterne in luce il talento.

Sei anni dopo il demo I-I e quattro dopo il primo full length Mantra per sopravvivere inutilmente, Athazagorafobia e un’opera ancor più ambiziosa in quanto si svincola in parte dal depressive black, per spingersi verso una forma musicale ed un lirismo che vanno ben oltre i confini talvolta ristretti di questo sottogenere.
La musicista abruzzese per l’occasione rafforza la fruttuosa collaborazione con Déhà, il quale si è occupato della realizzazione del lavoro negli studi di Bruxelles, e con la consolidata presenza di Hk realizza un’opera preziosa, nella quale lo stato depressivo nelle sue tragiche e svariate forme viene affrontato in una forma meno compulsiva e più organica, pur senza smarrire le caratteristiche proprie di questa particolare offerta musicale.
L’athazagorafobia è la paura d’essere abbandonati o, comunque, dimenticati da tutti ed è uno dei molti disturbi che colpiscono le persone più fragili e sensibili, le quali sono naturalmente le più esposte alle varie patologie mentali: gli Eyelessight ci immergono in un mondo in cui le diverse fobie ammorbano esistenze che continuano ad essere connesse alla realtà da un filo sottilissimo, sempre in procinto di spezzarsi irrimediabilmente.
Rispetto al passato il sound è meno estremo e quindi, come detto, meno legato agli stilemi del depressive vero e proprio e in questo diviene determinante anche la crescita come interprete di Kjiel , òa quale si dimostra capace oggi di disimpegnarsi al meglio con la voce pulita, fornendo così un’alternativa alle sue strazianti e sempre funzionali urla di disperazione.
Momenti di pace, con liquide note ad accompagnare voci sussurrate o apparentemente calme, si alternano in un tragico bipolarismo alle sfuriate di matrice black in cui lo screaming di Kjiel e di Hk ci fanno ripiombare nelle pieghe più profonde ed insondabili dell’umana psiche.
Quel che colpisce, come sempre nelle opere di questa musicista, è l’innata capacità di ammantare di struggenti passaggi melodici anche i momenti più drammatici, cosa che in questo lavoro avviene in maniera toccante specialmente in brani come Smarrendo illusioni e Ossessiva Nostalgia.
La Nostomania (paura del ritorno alla propria dimora abituale), la Monofobia (l’ossessione maniacale verso un qualcosa) e l’ancora più temibile Anedonia (l’incapacità di provare interesse o piacere per qualsiasi tipo di attività) sono tutte facce di un stessa medaglia fatta di solitudine, incomunicabilità e dolore, sentimenti spesso celati al mondo circostante da una maschera di convenienza, appiccicata a forza da una società che sempre meno tollera debolezze o fragilità
Gli Eyelessight dipingono nella maniera più fedele e dolente questo grigio quadro solcato da rivoli scarlatti e regalano un’opera di rara intensità emotiva; come sempre questa non può essere musica per tutte le orecchie ma, mai come in questa occasione, si percepisce il valore aggiunto di una sensibilità femminile che ammanta questo disperato grido di dolore rivolto ad un mondo che non sa e non vuole provare a raccoglierlo.

Tracklist:
1. Nostomania
2. Surrealtà
3. Smarrendo illusioni
4. Monofobia
5. Ossessiva nostalgia
6. Anedonia

EYELESSIGHT – Facebook

The Blank Canvas – Vantablack

In questi tempi di estrema fretta, quando un disco, per quanto possa essere buono, dura solo il tempo della promozione attraverso i social media, Vantablack è un lavoro che si propone per quello che è, ovvero un’esplorazione di territori ancora parzialmente inesplorati da parte di musicisti che hanno fatto della ricerca sonora una specialità della casa.

I The Blank Canvas sono una nuova formazione, un agglomerato di rumore nato dall’unione di alcuni elementi militanti in alcuni fra i migliori gruppi della nouvelle vague italiana come Incoming Celebral Overdrive, Deaf Eyes, Karl Marx Was A Broker, SUS, Green Oracle e Watzlawick.

Dall’unione di queste teste votate alla musica pesante e pensante nasce qualcosa di molto interessante, riunito nel loro esordio che si chiama Vantablack, fuori dall’otto dicembre per Drown Within Records, una delle etichette più interessanti dell’underground nostrano. La proposta sonora del gruppo è variegata e spazia da un post metal che si unisce all’elettronica, ad un qualcosa che va nella direzione del noise moderno, il tutto con un’impronta personale ben riconoscibile. La musica dei The Blank Canvas richiede tempo, nel senso che per la coerenza e con le intenzioni che ci mettono dentro non può essere oggetto di un ascolto leggero o che salta qualche parte, il continuum spazio temporale va gustato nel suo insieme. In questi tempi di estrema fretta, quando un disco, per quanto possa essere buono, dura solo il tempo della promozione attraverso i social media, Vantablack è un lavoro che si propone per quello che è, ovvero un’esplorazione di territori ancora parzialmente inesplorati da parte di musicisti che hanno fatto della ricerca sonora una specialità della casa. Ci si immerge in un liquido amniotico musicale che ci avvolge e ci tiene avvinti, un modo diverso di fare musica pesante, un approccio originale a diverse soluzioni sonore. In Italia queste realtà ci sono e hanno una grande importanza se si gratta la superficie dell’ambito alternativo, e gruppi come i The Blank Canvas compiono traiettorie importanti e di grande sostanza, senza mai tralasciare nulla. Addentrandosi nel disco si possono sentire moltissime cose, e questa unione di musicisti provenienti da gruppi diversi possiede un grande amalgama ed un notevole appeal.

Tracklist
1.Ten Knives
2.Vantablack
3.Time is a Lie
4.Obsession is My Passion
5.Ride the Flow
6.The Deepest Fault
7.Saha World
8.Cover the Grudge
9.Black Sun Poetry

Line-up
ALESSIO DUFUR- Vocals
MAURIZIO “PAPPONE” TUCI-Guitars, Synth, fx
MARCO FILIPPI -Bass, Synth, fx
VANNI ANGUILLESI – Drums

THE BLANK CANVAS – Facebook

Tangled Thoughts Of Leaving – No Tether

Un’ora di musica strumentale oscura e metallica, progressiva e dinamica, ma tremendamente atmosferica: tragica, introspettiva, drammatica, un lungo dipanarsi di note a tratti ossessive che si stagliano su tappeti dark/ambient.

Post Rock, post metal, avanguardia, jazz …progressive: ecco, quando non troverete più aggettivi per identificare la musica di questo combo australiano, progressive sarà probabilmente la parola più indicativa per poter cogliere il concept dietro al sound di questo bellissimo lavoro strumentale intitolato No Tether.

Loro sono i Tangled Thoughts Of Leaving, quartetto di Perth, al secondo lavoro dopo Yeld To Despair, album di debutto uscito tre anni fa e che fu accolto molto bene da critica e pubblico; ora No Tether alza l’asticella quel tanto che basta per convincere chi ascolta d’essere al cospetto di una band a suo modo geniale.
Un’ora di musica strumentale oscura e metallica, progressiva e dinamica, ma tremendamente atmosferica: tragica, introspettiva, drammatica, un lungo dipanarsi di note a tratti ossessive (King Crimson) che si stagliano su tappeti dark/ambient.
Sette capitoli formano un’unica opera che ha nella suite Signal Erosion il suo cuore, annerito da un’attitudine oscura e pesantissima, mentre il pianoforte detta le coordinate ed i tempi a chitarre dai rimandi metallici, in un crescendo emozionale intenso e drammatico.
Nel genere, la band australiana tocca livelli davvero alti, la sua musica ipnotizza ed entra dentro l’ascoltatore, prima di esplodere in un fragore rabbioso, o regalare ritmiche progressive con chitarre lacerate da un’anima noise in Binary Collapse.
No Tether non è sicuramente un album facile e i Tangled Thoughts Of Leaving non sono un gruppo qualunque, ma una musica come questa, di difficile catalogazione, è un’esperienza da provare per chi è avvezzo con le sonorità elencate in fase introduttiva.

Tracklist
1. Sublunar
2. The Alarmist
3. Cavern Ritual
4. Signal Erosion
5. Inner Dissonance
6. Binary Collapse
7. No Tether

Line-up
Ron Pollard – Piano, Synth
Ben Greene – Drums, Noise
Paul Briggs – Guitar
Luke Pollard – Bass, Samples

TANGLED THOUGHTS OF LEAVING – Facebook

RITUALS OF THE DEAD HAND – Blood Oath

Blood Oath è un album molto valido, e si capisce dopo poche note che questo, pur trattandosi di un esordio per la band, è in realtà il frutto del lavoro di musicisti di notevole esperienza e conoscenza della materia: tutto ciò lo rende un ascolto caldamente consigliato a chi apprezza queste tipo di sonorità

Anche se parlare di rituale della mano morta può far sorridere, pensando a biechi individui all’opera su autobus o metropolitane affollate, questo Blood Oath è in realtà un serissimo esempio di black doom composto e suonato con tutti i crismi da questo gruppo belga.

I due artefici di tutto questo, Lykaios e Isangrim, sono musicisti attivi in diverse band fiamminghe e li ritoviamo peraltro assieme anche nei validi Hemelbestormer.
Blood Oath si compone di quattro lunghi brani, più un breve intermezzo strumentale, nel corso dei quali i Rituals of the Dead Hand offrono un sound cupo, privo per lo più di sbocchi melodici ma molto compatto, tanto dall’essere assimilabile alla scuola della vicina Germania (i Secrets Of The Moon di Privilegivm sembrano essere a tratti un termine di paragone abbastanza plausibile).
Ovviamente in tale contesto non mancano pulsioni post metal e una densità vicina allo sludge, e tutto questo contribuisce a creare un suono di grande efficacia che, se non si farà ricordare per il suo impatto melodico, trova un suo perché in un ottundente martellamento.
Un brano magnifico come The Scourge spiega tutto molto meglio di molte parole, con il suo incedere soffocante, rallentato, distorto, che appare nella sua prima parte come espressione di una malevola creatura che che ti cinge le caviglie impedendoti di riaffiorare da un liquido denso e stagnante, per poi aprirsi in un più ritmato finale di puro black metal che beneficia anche di una bellissima linea melodica.
Blood Oath è un album molto valido, e si capisce dopo poche note che questo, pur trattandosi di un esordio per la band, è in realtà il frutto del lavoro di musicisti di notevole esperienza e conoscenza della materia: tutto ciò lo rende un ascolto caldamente consigliato a chi apprezza queste tipo di sonorità

Tracklist:
1. Bonderkuil
2. Sworn
3. The Gathering
4. They Rode By Night
5. The Scourge

Line-up:
Lykaios – Bass, Keyboards, Guitars, Vocals
Isangrim – Drums

RITUALS OF THE DEAD HAND – Facebook

Rostres – Les Corps Flottants

Anche quando il sound si irrobustisce sfociando in uno sludge post metal, i Rostres non perdono di vista il senso melodico ed atmosferico che ne contraddistingue l’incedere, rompendo semmai quel minimo di uniformità compositiva senza rischiare di rendere il tutto frammentario.

Da Pau, cittadina resa famosa soprattutto dall’epopea ciclistica nel corso dei vari Tour De France, arrivano i Rostres, un duo che con il proprio fluido sound strumentale cerca di farci veleggiare lungo le impervie ed affascinanti zone pirenaiche.

Oltre tre quarti d’ora di musica di tale fattura non sono una proposta banale, stante il rischio concreto di perdere per strada qualche ascoltatore lungo i diversi tornanti che si susseguono, sotto forma di brani liquidi, inquieti e mai troppo spinti a livello ritmico.
L’operazione ai bravi Alain e Lionel riesce piuttosto bene , perché Les Corps Flottants è caratterizzato da un approccio molto più simile alla musica ambient e questo fa sì che la musica sia più volta a dipingere spazi, orizzonti e paesaggi, ben sintetizzati dalla foto in bianco e nero posta in copertina.
Anche quando il sound si irrobustisce sfociando in uno sludge post metal, i nostri non perdono di vista il senso melodico ed atmosferico che ne contraddistingue l’incedere, rompendo semmai quel minimo di uniformità compositiva senza rischiare di rendere il tutto frammentario.
E’ anche vero, d’altronde, che tra un episodio evocativo come 118 ed il brano di chiusura Deversoir le differenze sono sostanziali, tanto è placidamente scorrevole la prima e nervosa ed intensa la seconda, che va a sfiorare sonorità vicine a quelle degli ultimi Monolithe, ma ciò che resta è l’impronta univoca conferita al tutto dai Rostres, in virtù di intenti compositivi chiari e ben delineati in grado di compensare le controindicazioni derivanti dalla natura strumentale dell’opera.
Questa è la strada giusta, per chi si cimenta con dischi aventi tale caratteristiche, e bravi i Rostres nell’essere riusciti a trovarla al primo tentativo.

Tracklist:
1.Les Corps Flottants
2.Exorde
3.Méandres
4.118
5.Glaire
6.Au Faîte Des Honneurs
7.Déversoir

Line-up:
Mermin Lionel : Drums and percussion
Brunet Alain : Bass, Guitar, Keyboard, Ebow

Guests:
Salles Jean-Baptiste : Double Bass (Track 1, 5 and 6)
Duboux Julien : Harmonica (Track 6)
Bonnetain Nicolas : Guitar (Track 5)
Kevin Communal : Percussion (Track 1, 3, 4, 5)

ROSTRES – Fa cebook

Discordant System – Orlando

La sensazione è quella d’avere a che fare con un gruppo ambizioso e dalle buone doti che, però, dovranno necessariamente trovare sfogo in un’opera dalle dimensioni più significative per poter ambire ad una notorietà che, al momento, può essere un obiettivo perseguibile all’interno dei soli confini nazionali.

Breve ep per questa originale band ucraina dedita a un metal progressivo che viene sviscerato nei suoi differenti aspetti durante soli dieci minuti.

Orlando è un mini concept, nel corso del quale il protagonista subisce una trasformazione di genere diventando un individuo di sesso femminile, la cui ispirazione prende le mosse dalla novella Orlando: A Biography di Virginia Woolf, la quale a sua volta si rifà inevitabilmente alla mitologica vicenda di Tiresia.
La prima traccia, incentrata su Orlando nelle sue sembianze maschili, è un arcigno prog/groove metal che mette in luce la buona tecnica dei ragazzi di Severodonetsk; segue un Intermezzo nel corso del quale viene raccontata da due voci recitanti la fase successiva alla trasformazione, mentre nella terza traccia la vicenda di Orlando viene interpretata da una voce femminile, sempre sorretta da un’inquieta base progressiva.
Il lavoro lascia il tempo che trova per la sua brevità e il fatto che la pur interessante storia sia raccontata in lingua madre certo non ne aiuta la fruizione. Quel che resta è la sensazione d’avere a che fare con un gruppo ambizioso e dalle buone doti che, però, dovranno necessariamente trovare sfogo in un’opera dalle dimensioni più significative per poter ambire ad una notorietà che, al momento, può essere un obiettivo perseguibile all’interno dei soli confini nazionali.

Tracklist:
1.Orlando (male)
2.Intermezzo
3.Orlando (female)

Line-up:
Kyrylo Skurydin – guitars
Dmytro Bendyuk – guitars
Volodymyr Kuznietsov – bass, vocals
Mykola Bendyuk – drums

Guests:
Limboid – keys (І, ІІ)
Lidia Nazarova – Declamation (ІІ, ІІІ)
Natalya Timchenko – vocals (ІІІ)

DISCORDANT SYSTEM – Facebook/

Leonov – Wake

I Leonov sono fra i pochi gruppi che riescono a portare totalmente dentro la loro musica l’ascoltatore, che non può e non vuole allontanarsene, catturato da un magnifico canto delle sirene che risveglia in lui qualcosa di sopito.

I Leonov sono un gruppo norvegese che non fa un genere ben preciso, ma porta l’ascoltatore molto lontano, in un cammino dolcissimo ed oppiaceo, tra dolcezza ed ineluttabilità del disastro, o soltanto del nostro destino.

In questo secondo disco i Leonov immettono moltissime cose, rendendo Wake un serio candidato a disco dell’anno. La voce della cantante Tåran Reindal ci porta in un luogo sospeso, in una dimensione senza tempo, dove tutto è ovattato oppure ancora più deflagrante, dipende da noi. Il suono dei Leonov è un qualcosa che mette insieme molte istanze per far nascere qualcosa di estremamente originale e potente. La volontà del gruppo è quella di essere come degli sciamani che mostrano una realtà altrimenti inconoscibile, squarciando il velo di Maia che avvolge ciò che pensiamo che sia reale. La musica di Wake è un post metal altamente emozionale, ma anche uno shoegaze all’ennesima potenza, ed è davvero difficile chiuderla in qualche steccato. Dentro questo sogno soffuso si possono sentire molte cose, molti riferimenti alla psichedelia passata, a quel tocco psicotropo che si è perso con la modernità musicale. I Leonov sono fra i pochi gruppi che riescono a portare totalmente dentro la loro musica l’ascoltatore, che non può e non vuole allontanarsene, catturato da un magnifico canto delle sirene che risveglia in lui qualcosa di sopito. Unendo diverse istanze i Leonov producono un disco che mostra una composizione ed una esecuzione fuori dal normale: infatti Wake è stato accolto benissimo e non poteva essere diversamente. Un ascolto che scava dentro di noi e non il contrario, un attesa senza tempo, un seme lanciato nello spazio profondo.

Tracklist
1.I am Lion, I am Yours
2.Eucharist 05:13
3.Shem
4.Oceanode
5.Wake

Line-up
Ole Jørgen Reindal – Guitar
Rune Gilje – Guitar
Morten Kjelling – Bass
Tåran Reindal – Vocals/Synth
Jon-Vetle Lunden – Drums

LEONOV – Facebook

Apneica – Tra Rocce e Cortecce

Tra Rocce e Cortecce segna non tanto un ulteriore cambio di direzione ma semmai un assestamento ideale dello stile perseguito dagli Apneica: se da una parte c’è il ritorno a sonorità più aspre, dall’altra è ancora più fluida la compenetrazione con il post metal che fa scaturire bellissime aperture melodiche

Il nuovo lavoro dei sardi Apneica si rivela oltremodo gradito per diversi motivi, che vanno anche al di là dell’intrinseco valore di questo ep intitolato Tra Rocce e Cortecce.

La band di Alessandro Seghene mi aveva folgorato con il magnifico ep Pulsazioni… Conversione, nel quale la materia death doom si fondeva al meglio alle pulsioni post metal ponendo le basi per ritagliare alla sua creatura un ruolo da protagonista assoluta nella scena nazionale; purtroppo, il successivo full length Vulnerabile Risalita mi aveva parzialmente deluso, pur nella sua oggettiva bontà complessiva, in quanto la barra era stata spostata quasi del tutto verso la seconda delle sue componenti smarrendo in parte la drammaticità ed il pathos tipiche del doom metal
Tra Rocce e Cortecce segna non tanto un ulteriore cambio di direzione ma semmai un assestamento ideale dello stile perseguito dagli Apneica: se da una parte c’è il ritorno a sonorità più aspre, con il buon Ignazio Simula che si dedica quasi esclusivamente al growl lasciando l’uso della voce pulita alla brava Piera Demurtas, dall’altra è ancora più fluida la compenetrazione con il post metal che fa scaturire bellissime aperture melodiche all’interno di un sound che resta, comunque, tutt’altro che morbido.
Non ultimo, l’utilizzo delle launeddas, il tradizionale e peculiare strumento a fiato della tradizione sarda, senza apparire fuori contesto aggiunge semmai un valore importante allo sviluppo dell’album: è grazie a tutti questi elementi che l’ep mette nuovamente in luce la band sarda, con quattro brani intensi, dotati di una buona sintesi pur non essendo brevissimi, e tutti egualmente intrisi di oscurità e pathos, pur mostrando ciascuno caratteristiche diverse.
Le launeddas introducono con il loro magnifico timbro Terra, brano stupendo nel suo lento incedere, mente Occhi Celati mostra il volto più intimista degli Apneica con l’accentuato contrasto tra growl e carezzevole voce femminile; Dove cresceva la foresta evidenzia ancor di più l’eccellente lavoro chitarristico che connota l’intero lavoro, in un ambito che talvolta sfiora certa darkwave trasfigurata dalla compatta base death doom, ma è la splendida melodia della conclusiva Astratta solitudine a segnare in maniera definitiva il lavoro, sfociando in un finale più rarefatto con la chiosa delle launeddas che ci riportano al punto dacui tutto era partito.
I testi in italiano, sempre ricchi ed incentrati su tematiche naturalistiche, sono un interessante elemento di discontinuità rispetto alle abitudini del genere ed arricchiscono ulteriormente un album che colloca gli Apneica nella posizione che si auspicava ai tempi dell’uscita di Pulsazioni… Conversione, al quale peraltro il nuovo ep si lega in qualche modo presentando quella che ne era la traccia d’apertura Alba artificiale come bonus track, a confermare una sorta di ritorno a quelle sonorità che tanto avevano impressionato quattro anni fa.

Tracklist:
1. Terra
2. Occhi celati
3. Dove cresceva la foresta
4. Astratta solitudine
5. Alba artificiale

Line-up:
Alessandro Seghene – Guitars
Francesco Pintore – Bass
Ignazio Simula – Vocals
Alice Doro – Guitars
Giuseppe Fancellu – Drums
Andrea Pisu – Launeddas
Piera Demurtas – Vocals

APNEICA – Facebook

The Great Sabatini – Goodbye Audio

Come i pochi gruppi intelligenti in giro per il mondo, questi canadesi usano la canzone a loro piacimento, partendo con un genere ed arrivando poi ad un altro nel giro di un tempo che solo loro decidono, per poi spaziare ulteriormente, e tutto ciò nell’arco di una canzone.

I The Great Sabatini sono uno di quei gruppi che spiazzano sia musicalmente che visivamente.

Come musica è davvero difficile etichettarli perché spaziano davvero in tanti generi, dal post metal al noise rock, dal math alla psych, e tutto in maniera molto coerente e ben strutturata. Il gruppo è nato a Montreal nel 2007 e con Goodbye Audio è arrivato al terzo disco, che è forse la somma di quanto fatto prima, sempre con il chiaro intento di fare musica pesante da ascoltare al massimo volume possibile. Come i pochi gruppi intelligenti in giro per il mondo, questi canadesi usano la canzone a loro piacimento, partendo con un genere ed arrivando poi ad un altro nel giro di un tempo che solo loro decidono, per poi spaziare ulteriormente, e tutto ciò nell’arco di una canzone. Ci sono moltissime cose dentro la loro proposta, ed una cosa molto importante è l’ironia e la capacità di cogliere aspetti diversi sia della realtà che della musica. Ascoltando Goodbye Audio, che ha una copertina strepitosa, si passa in tanti territori diversi, ma il minimo comune denominatore è fare musica pesante, e questi canadesi ci riescono molto bene. Non ci si annoia mai perché non è possibile farlo, dato che si viene catturati dal vortice della loro musica. Sottotraccia, ma nemmeno tanto, c’è una fortissima struttura blues che li porta ad avere dei riff molto potenti e differenti. Ecco, differente è forse l’aggettivo migliore per questo gruppo che è molto al di fuori della massa di gruppi che fanno musica pesante. Ascoltando il disco ci si può subito accorgere di quanta sostanza ci sia dentro queste note, e quanto lavoro si sia compiuto per dare vita ad un disco che rimane fortemente underground, ma che aspira a colpire in maniera definitiva chi lo ascolta, e questa è la cosa più importante per un gruppo musicale. Più che rifarsi ad un genere qui si crea un’atmosfera, nella quale si vorrebbe rimanere per molto.

Tracklist
1.Still Life with Maggots
2.Dog Years
3.Strip Mall or: The Pursuit Of Crappiness parts 1-4
4.You’re Gonna Die (Unsatisfied)
5.Tax Season in Dreamland
6.Brute Cortege
7.Hand of Unmaking

Line-up
Steve Sabatini
Sean Sabatini
Rob Sabatini
Joey Sabatini

THE GREAT SABATINI – Facebook

Seventh Genocide – Svnth

Nonostante le sue caratteristiche Svnth può essere considerato alla stregua di un lavoro di inediti, tale è stato il percorso evolutivo dei Seventh Genocide rispetto agli esordi: l’ep ha la funzione non da poco di consolidare lo status prestigioso acquisito dalla band romana con pochi ma mirati lavori.

I romani Seventh Genocide con un album come Towards Akina, uscito circa un anno fa, si sono collocati ai vertici nazionali di quella mutevole galassia musicale in cui viene incluso chi fonde black metal, shoegaze e psichedelia , un ambito il cui solo pensare che tra le band più importanti vengono annoverati Alcets ed Agalloch fa intuire quale sia lo spazio di manovra al suo interno, stante la distanza stilistica che separa queste seminali realtà.

Questo spazio i Seventh Genocide lo sfruttano al meglio, grazie ad un talento che consente loro di lasciar fluttuare il sound senza apparire dispersivi, nonostante gli ingredienti che vanno a comporre anche questo ep intitolato Svnth siano molteplici e a tratti apparentemente contrastanti, rendendo marginale il fatto che tre dei quattro brani siano di fatto rielaborazioni di tracce presenti nei primi due demo rilasciati all’inizio del decennio.
La band romana possiede, infatti, il dono innato di far convergere tutte le proprie ispirazioni in un punto ben preciso da cui poi sfogare liberamente e fluidamente ogni pulsione creativa.
Un brano emblematico in tal senso, tra i quattro che compongono questo lavoro della durata di circa mezz’ora, è il conclusivo Martial Eyes (il cui minutaggio è raddoppiato rispetto all’originale contenuto nel demo autointitolato, tanto per dimostrare quale e quanto sia stato il lavoro di revisione del materiale già edito), in cui galoppate strumentali prossime all’heavy power si sposano alle già incontrate divagazioni pinkfloydiane in maniera del tutto naturale, e sotto certi aspetto lo stesso avviene anche in Sleepless, unico episodio inedito del lavoro, il cui incedere appare ancor più progressivo.
La traccia d’apertura Through Woods and Fire (anch’essa presente nel demo del 2012) parrebbe invece tributare l’opera della band di John Haughm, con il suo incipit folk e la magnifica esplosione post black che, dopo pochi minuti di ascolto, esplicita al meglio il valore dei Seventh Genocide e anche in questo caso il brano più vicino in scaletta, Clouds of Desolation (la cui versione originale proviene dal promo del 2011), ne replica le caratteristiche di base per quanto tale verbo possa essere quasi un ossimoro quando si parla di un lavoro dai tratti così cangianti.
Nonostante le sue caratteristiche Svnth può essere considerato alla stregua di un lavoro di inediti, tale è stato il percorso evolutivo dei Seventh Genocide rispetto agli esordi: l’ep ha la funzione non da poco di consolidare lo status prestigioso acquisito dalla band romana con pochi ma mirati lavori, oltre quella di ricordarci sempre che per ascoltare musica fresca e coinvolgente non è quasi mai necessario spingersi oltreconfine.

Tracklist:
1. Through Woods and Fire
2. Clouds of Desolation
3. Sleepless
4. Martial Eyes

Line-up:
Rodolfo Ciuffo – Bass, Vocals/Lyrics
Stefano Allegretti – Electric/Acoustic Guitars
Jacopo Gianmaria Pepe – Electric Guitars
Valerio Primo – Drums

SEVENTH GENOCIDE – Facebook

Deadbird – III: The Forest Within The Tree

Il disco possiede una ricchezza ed una varietà affatto comuni, e segna un graditissimo ritorno ad alto livello per questo gruppo americano.

Dopo otto anni tornano finalmente i Deadbird da Little Rock, Arkansas, Usa.

Ed è davvero un gran bel ritorno. Per chi non li conoscesse, prendete gli Yob maggiormente melodici, aggiungete un po’ di doom stoner classico ed una spruzzata di melodie alla Pallbearer e ci siamo quasi. Ovviamente i Deadbird offrono anche di più di ciò, e l’ascolto di III: The Forest Within The Tree è una piccola magia, perché il disco è un mondo a parte, regolato da leggi e soprattutto da suoni propri. Ad esempio ci sono canzoni che echeggiano i Neurosis e lo Steve Von Till solista, tanto per dare un’idea dell’atmosfera. E proprio quest’ultima è la maggiore protagonista di questo disco, perché i Deadbird vanno proprio a creare un sentimento, un sentire altro rispetto all’ascoltatore, che vi si deve immergere dentro per poter capire pienamente. Il disco possiede una ricchezza ed una varietà affatto comuni, e segna un graditissimo ritorno ad alto livello per questo gruppo americano. Tornare dopo dieci anni dal precedente disco non è mai facile, ed è reso ancora più difficile da questi tempi dove comparire continuamente sui social sembra essere l’unica cosa importante. Qui c’è sostanza, c’è la musica che ti prende il cuore ed il cervello, musica pesante di alta qualità, da ascoltare con attenzione e poi riascoltare ancora, perché c’è sempre qualcosa di nuovo ad ogni ascolto. III ì: The Forest Within The Tree è un’opera molto interessante, viva e pulsante, che racconta di tenebre dentro e fuori di noi allo scopo di esorcizzarle, con la consapevolezza che con tante cose bisogna conviverci, e questa musica arricchisce chi la sente. Le tracce sono tutte molto belle, e molto spesso ci sono passaggi entusiasmanti che ci fanno capire quanto siano bravi ed efficaci i Deadbird, come ad esempio Bone & Ash, una delle migliori cose del disco e anche del panorama pesante contemporaneo. I ragazzi da Little Rock hanno una marcia in più, e anche se fanno un disco ogni dieci anni, se i risultati sono questi li possiamo anche aspettare.

Tracklist
1. The Singularity
2. Luciferous Heart
3. Heyday
4. Alexandria
5. 11:34
6. Brought Low
7. Bone & Ash
8. Ending

Line-up
Chuck – Guitar / Vocals
Phillip – Drums / Vocals
Alan – Guitar / Vocals
Jeff – Bass / Vocals
Reid – Bass / Vocals
CT – Mini Korg / Noise / Vocals

DEADBIRD – Facebook

Kosm – Cosmonaut

I Kosm hanno fatto un disco di debutto che è un piccolo gioiello, con un prog metal che fa sognare, con una voce femminile e una voce maschile che sono in perfetta comunione, una mole impressionante di lavoro delle chitarre, un basso di grande effetto, e una delle migliori batterie ascoltate negli ultimi tempi.

Album di debutto per i Kosm di Vancouver, con ogni canzone ispirata agli infiniti mondi creati da HP Lovecrfat (del quale sulle nostre pagine trovate la prima puntata di una retrospettiva del nostro Warhammer), e in misura minore dalla fantascienza di Frank Herbert e Roger Zelazny.

Il disco è un lavoro eseguito con grande cura da un gruppo ispirato musicalmente dai lavori dei Tool, i Mastodon e il prog metal tout court. Questa è la loro formazione musicale, il punto di partenza per sviluppare un personale progetto musicale che è davvero notevole. La voce di Jessie Grace è molto potente, calda ma soprattutto perfettamente bilanciata per i diversi registri delle canzoni, interagendo perfettamente con il resto del gruppo, per un risultato di grande sostanza, lungi dal cercare inutili virtuosismi ma avendo come priorità l’amalgama dell’insieme. Il prog metal che ne viene fuori è assai valido, le linee melodiche sono di pregevole fattura, ci sono parti più aggressive e parti più melodiche che convivono perfettamente. Il sound possiede molto delle loro influenze, ma la peculiarità più importante dei Kosm è la maturità delle soluzioni sonore, che sono molto al di sopra della media. Ci sono momenti musicali in questo disco che si spera di ascoltare nel probabile futuro disco dei Tool, e non è un’eresia, perché i Kosm hanno fatto un disco di debutto che è un piccolo gioiello, con un prog metal che fa sognare, con una voce femminile e una voce maschile che sono in perfetta comunione, una mole impressionante di lavoro delle chitarre, un basso di grande effetto, e una delle migliori batterie ascoltate negli ultimi tempi. Il punto migliore rimane però quello della composizione della canzone, e in tal senso ci si spinge a dire che hanno ancora margini di miglioramento perché si sente che non hanno ancora dato tutto, anche se quanto fatto è già ottimo. Un disco che parla di mondi lontani, con una grande musica e testi molto interessanti ispirati dal migliore cantore possibile dello spazio profondo dentro e fuori di noi.

Tracklist
1. Space Mead
2. Cosmonaut
3. Colossus
4. Wolves Upon The Throne
5. The Esoteric Order
6. Farseer
7. Ancient Heart
8. Fiefdom In The Sky
9. Omnipresence
10. Monarch
11. Umbrakinesis
12. Wza – Y’ei

Line-up
Jessie Grace – Vox
Sterling Paterson – Drums
Michael “Pastrami” Mastracci – Bass
Mike Slater & Erik Leonhard – Guitars

KOSM – Facebook

Solar Temple – Fertile Descent

Fertile Descent tiene fede alle aspettative sorte in base ai lavori proposti dal duo con le rispettive band d’appartenenza, però a mio avviso qui si va anche leggermente oltre, in quanto certi dettami del genere vengono a tratti bellamente ignorati lasciando sfogare pulsioni di molteplice natura.

Qualche giorno fa abbiamo avuto l’occasione di parlare dello split album De Oord, che vedeva protagoniste due band olandesi, Fluisteraars e Turia.

Da questi stessi gruppi provengono i due musicisti coinvolti nell’opera prima di questi Solar Temple, autori di un album notevole come Fertile Descent.
O (Omar Kleiss, chitarristsa nei Turia) e M. (Mink Koops, batterista dei Fkuisteraars), dopo il demo dell’anno scorso esordiscono così su lunga distanza con un lavoro fatto di due soli lunghissimi brani (cosa che non sorprende, visto quanto offerto dalle band madri nel lavoro poc’anzi citato) all’interno dei quali vengono trovate soluzioni di grande interesse, sovente anche avulse dai canoni del black metal; l’impatto dei Solar Temple si basa sulla reiterazioni di temi che via via vanno a modificarsi fino ad assumere sembianze del tutto diverse rispetto al loro avvio.
Those Who Dwell in the Spiral Dark, per esempio, parte con ritmi molto sostenuti e con la chitarra a tessere una sottile linea melodica prima di stemperarsi in una parte atmosferica davvero particolare, al cui interno si rincorrono umori che riportano agli A Forest Of Stars così come ai Lunar Aurora, all’insegna di un lavoro tastieristico, poi, addirittura riconducibile al progressive settantiano.
Ancora più lunga, con i suoi oltre venti minuti di durata, è White Jaw, traccia che si snoda in maniera molto ritmata all’inizio, seguita da un black centrale con voci salmodianti e da una ripresa a ad andatura molto più lenta per poi sfociare in un dronico rumorismo che mette in luce anche la buona vis sperimentale del duo.
Fertile Descent tiene fede alle aspettative sorte in base ai lavori proposti dal duo con le rispettive band d’appartenenza, però a mio avviso qui si va anche leggermente oltre, in quanto certi dettami del genere vengono a tratti bellamente ignorati lasciando sfogare pulsioni di molteplice natura senza che venga mai meno, neppure nei frangenti di più difficile ascolto, quel livello di tensione percepito fin dalle prime note.
La sensazione è comunque quella di trovarci al cospetto di una realtà dalle potenzialità impressionanti, e lo stesso vale per l’emergente scena ubicata nella regione olandese del Gelderland.

Tracklist:
1. Those Who Dwell in the Spiral Dark
2. White Jaw

Line-up:
M. – Drums
O – Vocals and all Guitars

The Sleeper – Apparatus

Metalcore progressivo e post metal, il quintetto trovata la formula non la rielabora più di tanto e batte le strade sicure del genere, non un male sia chiaro ma in futuro qualche dose di coraggio e personalità in più potrebbero valorizzare una prova sulla lunga distanza, alla prossima.

Gli Sleeper sono un gruppo tedesco in attività dal 2010 e Apparatus è il nuovo lavoro, un ep di sei brani che segue di ben quattro anni il precedente Aurora.

La band suona un buon esempio di metal progressive moderno, tra post metal e metalcore, niente di nuovo, almeno negli ultimi tempi saturi di proposte del genere specialmente in ambito underground.
I The Sleeper possono però vantare un songwriting discreto e una buona preparazione strumentale, armi usate per valorizzare al meglio le canzoni composte per Apparatus.
La formula non cambia, i brani alternano parti estreme di estrazione core con altre dalle atmosfere prog/post, lo scream lascia spazio alle cleans e tutto fila liscio senza intoppi ma neanche grossi picchi.
L’opener Synthetic Gospel, Inertial Spiral o The God Of Suffocation seguono quindi strade già ampiamente battute da band come gli ultimi e meno cervellotici Tesseract o i The Contortionist, crogiolandosi nel solito gioco a due facce, anche se quella metallica in senso stretto rimane a mio avviso la più convincente.
Il quintetto, trovata la formula, non la rielabora più di tanto e batte le strade sicure del genere: non un male in assoluto, sia chiaro, ma in futuro ci si attendono più coraggio ed una maggiore personalità nella prospettiva di una prova su lunga distanza.

Tracklist
1.Synthetic Gospel
2.Glass eater
3.Inertia Spiral
4.Engineer
5.Sentinel
6.The God Of Suffocation

Line-up
Steven – Vocals
Phil – Guitars, Vocals
Johann – Guitars
Anja – Bass
Richard – Drums

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Hesperian Death Horse – Živ

Gli Hesperian Death Horse sono uno dei migliori gruppi post metal europei e questo disco ne è la notevole conferma, da ascoltare tutto d’un fiato anche se è diviso in quattro movimenti, come se fosse un’unica monolitica traccia.

Gli Hesperian Death Horse sono un gruppo croato di Zagabria che suona un ottimo post metal con venature sludge e stoner, molto ipnotico e coinvolgente, con una forte struttura narrativa.

Živ è la seconda parte di una trilogia cominciata con Mrtav, ed è un bel percorso assolutamente non consequenziale di psichedelia pesante, post metal che si intreccia con molte altre situazioni musicali, per un risultato che cattura l’ascoltatore, che entra in un labirinto colorato di grigio e di nero, con un cantato in croato che rimane sullo sfondo, come una voce narrante di una storia che solo noi possiamo vivere e trovare la conclusione. Il gruppo canta come detto in lingua madre e anche sulla loro pagina facebook troverete ben poco in inglese, ed è una scelta che funziona molto bene, perché aggiunge valore al loro progetto, che è già molto solido e credibile. La migliore caratteristica del disco, e ve ne sono tante, è il suo continuum spazio temporale musicale, un flusso continuo di note e sensazioni, un fluttuare senza requie in un caldo e però oscuro liquido amniotico che ci avvolge e dal quale non vorremmo più uscire. Nella musica del gruppo di Zagabria ci sono anche ricche reminiscenze del migliore indie anni novanta, sepolte sotto un pesante effluvio di post metal di alta qualità. La ripetitività di alcuni passaggi se non bene gestita renderebbe il tutto molto noioso, invece la bravura del gruppo rende tutto ciò molto bello ed ancora più potente. Gli Hesperian Death Horse sono uno dei migliori gruppi post metal europei e questo disco ne è la notevole conferma, da ascoltare tutto d’un fiato anche se è diviso in quattro movimenti, come se fosse un’unica monolitica traccia.

Tracklist
1.Saol (Part 1: Prizma)
2.Elu (Part 2: Voda)
3.Hayot (Part 3: Mezanin)
4.Liv (Part 4: Horde)

Line-up
Dario Orač – Guitars & Vocals –
Domagoj Žunić – Guitars & Vocals –
Marko Galetić – Guitars & Vocals –
Slaven Jedvaj – Bass Guitar –
Ivan Kukuljević – Drums –

HESPERIAN DEATH HORSE – Facebook

Fluisteraars / Turia – De Oord

De Oord è un’uscita decisamente stimolante, proprio perché mette in luce due realtà notevoli di una scena black olandese che sta ritagliandosi spazio prezioso in una nazione che ha sempre visto tradizionalmente predominare, in campo metal, il death ed il gothic.

De Oord è uno split album pubblicato quest’estate dall’etichetta tedesca Eisenwald, specializzata in tutte le sonorità gravitanti attorno al black metal.

Le due band che contribuiscono all’uscita, ciascuna con un lungo brano, provengono entrambe dai Paesi Bassi, per l’esattezza dal Gelderland, regione attraversata dai fumi Waal e Reno, ai quali concettualmente viene dedicato il lavoro.
Fluisteraars e Turia hanno alle spalle una discografia piuttosto simile , con due full length a testa, ma i primi sono in attività da qualche anno in più; il loro brano, Oeverloos , è davvero una piacevole sorpresa in quanto il black metal proposto ha tratti atmosferici che vanno spesso a divagare in territori post metal. Nel corso di circa un quarto d’ora, i Fluisteraars hanno cosi il tempo di spaziare tra aperture melodiche, pause acustiche e ripartenze dal grande gusto melodico ed un’innata solennità: il risultato è un brano davvero splendido.
I Turia si dimostrano invece molto più ortodossi, almeno apparentemente nella prima parte della loro traccia, con un black più martellante e sicuramente meno carezzevole rispetto ai compagni d’avventura. Aan den Golven der Aarde Geofferd è però tutt’altro che monolitico nel suo incedere, se è vero che passata la burrasca iniziale, accentuata da uno screaming esasperato, la band si concede momenti più riflessivi propedeutici a nuove accelerazioni, fino allo splendido finale nel quale emerge prepotentemente un’anima post metal dai tratti molto oscuri.
De Oord è un’uscita decisamente stimolante, proprio perché mette in luce due realtà notevoli di una scena black olandese che sta ritagliandosi spazio prezioso in una nazione che ha sempre visto tradizionalmente predominare in campo metal il death ed il gothic.

Tracklist:
1. FLUISTERAARS – Oeverloos
2. TURIA – Aan den Golven der Aarde Geofferd

Line-up:
Fluisteraars
M. Koops – Guitars
A. de Vries – Bass
B. Mollema – Vocals
Turia
T. – Vocals
J. – Drums
O. – Guitars

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Minsk/Zatokrev – Bigod

Raramente uno split è strutturato e suonato così bene. presentando due gruppi tanto interessanti quanto validi, sia sul piano della musica sia su quello che scatenano nella nostra testa.

Etereo e al contempo innovativo split fra due bands che sono fra le più interessanti del panorama post metal e post rock, gli americani Minsk e gli svizzeri Zatorkev.

Due brani a testa per due entità che fanno musica che va ben oltre il mero intrattenimento, con una composizione che ha un qualcosa di alchemico, poiché trasformano la materia musicale in un portale per entrare in un’altra dimensione. Questa operazione è stata pianificata molto bene, dato che porterà anche ad un tour europeo che partirà questo autunno. I due gruppi stanno bene vicino, si completano a vicenda: gli svizzeri uniscono molto bene post metal e post rock, trovando una formula originale che si avvicina molto alle atmosfere dei Neurosis più ansiogeni, e hanno un incedere che parte sommesso per poi diventare magniloquente con il dipanarsi della canzone. Nelle loro due tracce si può apprezzare a pieno la potenza e la bravura di un gruppo notevole e molto originale. I Minsk sono più conosciuti ed hanno una consolidata carriera che li ha portati negli anni ad avere un seguito solido e fedele. Anche qui ci aggiriamo nei dintorni del post metal e posto rock, con quel qualcosa in più che hanno sempre aggiunto loro. In questi due pezzi presenti nello split il gruppo americano fa sentire che è effettivamente superiore alla media dei gruppi del genere, e questi due sono i brani più recenti, del 2015, anno di uscita dell’ultimo disco The Cash & The Draw.
Raramente uno split è strutturato e suonato così bene. presentando due gruppi tanto interessanti quanto validi, sia sul piano della musica sia su quello che scatenano nella nostra testa. Peccato davvero che il loro tour congiunto non passi per l’Italia.

Tracklist:
1. Invoke/Revive (Minsk)
2. Silent Gods (Zatokrev)
3. Salvatore (Zatokrev)
4. The Chalice And The Dagger (Minsk)

Line-up
Minsk
Christopher Bennett
Timothy Mead
Aaron Austin
Zac Livingston
Ryan Thomas
Sanford Parker

Zatokrev
David Burger
Lucas Löw
Steffen Kunkel
Frederyk Rotter

MINSK – Facebook

ZATOKREV – Facebook

Organ – Eterno

Questo è un disco per il quale ognuno deve farsi la propria idea, perché oggettivamente è un grandissimo disco, pieno di archetipi e mille sfumature, ma è un qualcosa che fa nascere cose differenti dentro ognuno di noi.

Esordio monolitico e bellissimo per i bellunesi Organ, gruppo di musica pesante strumentale.

Tre pezzi che superano tutti gli otto minuti, tre racconti di rumore, con uno stile che si avvicina agli Yob, ai Neurosis e agli Amen Ra, ma non vi è nulla di derivativo, bensì la nascita di un grande gruppo che fa un ep da brividi. Musica magniloquente e a tratti mastodontica, come un pianeta in movimento, echi di passato e di futuro che si fondono in un messaggio che non conosce né speranza e né disperazione, ma che semplicemente attraversa gli eoni, ed è Eterno. Ci sono riverberi ed archetipi che passano da un punto all’altro della storia affatto circolare dell’uomo, o almeno quella dannatamente parziale che conosciamo, e che qui possiamo ritrovare. Se si chiudono gli occhi, ci si disconnette dalla matrice e ci si abbandona agli Organ, verremo portati in posti dove la fisicità è una chitarra che si incontra con una batteria, un basso che fluttua come un serpente e nessun canto, perché non serve capire quello che si ha dentro, ma farlo uscire. Gli Organ sono un gruppo che ha tempi e modi giusti, non esagerano mai, anche la produzione di Marcello Batelli è perfetta, lasciando quel tocco di lo fi che fa apprezzare di più la maestosità del gruppo bellunese. Il tutto è stato poi masterizzato da Giulio Ragno Favero, già chitarrista degli One Dimensional Man e bassista del Teatro Degli Orrori e figura chiave di una certa concezione di underground italiano di qualità e sostanza. Inoltre c’è davvero un “organo” negli Organ, ad arricchire notevolmente il tutto. Questo è un lavoro per il quale ognuno deve farsi la propria idea, perché oggettivamente è un grandissimo disco, pieno di archetipi e mille sfumature, ma è un qualcosa che fa nascere cose differenti dentro ognuno di noi.

Tracklist
1.Aidel
2.Faithless
3.Decadence

Line-up
Alessandro Brun: Guitar, Vocals
Luca Rizzardi: Guitar, Vocals
Alessandro De Pellegrin: Bass
Giulio Fabbro: Drums

ORGAN – Facebook

Déhà – 4 5 6

Déhà riesce a produrre un lavoro che si rivela atmosferico, sofferto e disperato, ricco di svolte che costituiscono delle sorte di portali i quali, per assurdo, paiono spalancarsi sempre e soltanto in luoghi dove non sembra esserci requie per le anime tormentate.

Ormai per Déhà credo d’aver esaurito gli aggettivi (e probabilmente anche le frasi, perché ho come l’impressione d’averlo già scritto …) ma si tratta indubbiamente di una piacevole “condanna” quella di doversi ripetere quando, puntualmente, la musica offerta dal musicista belga si rivela di livello superiore alla media.

La novità di quest’anno è un progetto che porta semplicemente il suo nome, con 4 5 6 a rappresentarne il secondo full length dopo Halo, uscito in primavera; in questo frangente Déhà continua ad esplorare gli aspetti più bui della psiche e, quindi, dell’esistenza umana con un solo lungo brano di trentasette minuti che ha la particolarità d’essere cantato nella prima parte in inglese e nella seconda in francese.
4 5 6 è forse la cosa più prossima ai We All Die (Laughing) tra quelle composte da Déhà da qualche anno a questa parte, per cui il sound, nonostante le tematiche siano tutt’altro che leggere, si mostra ugualmente arioso anche se scremato di quella componente progressiva che qui, invece, viene meno; non sono lontani però neppure gli umori di Imber Luminis, testimoniati da un sentore depressivo accentuato proprio in concomitanza con la parte francofona, che quasi chiama un’interpretazione più angosciante ed enfatica.
Déhà riesce a produrre un lavoro che si rivela atmosferico, sofferto e disperato, ricco di svolte che costituiscono delle sorte di portali i quali, per assurdo, paiono spalancarsi sempre e soltanto in luoghi dove non sembra esserci requie per le anime tormentate.
4 5 6 vive di un’intensità spasmodica, con intuizioni melodiche che sono prerogativa del compositore di livello superiore; malinconia, disperazione, rabbia, catarsi e ancora malinconia, per un ciclo destinato a replicarsi ininterrottamente, così come le magnifiche opere offerte da questo genio musicale (e in quanto tale non da tutti compreso come meriterebbe) dei nostri tempi.
“La souffrance des autres ne peut être connue qu’en souffrant soi-même.”

Tracklist:
1. 4 5 6

Line-up:
Dèhà – Everything

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Phantom Winter – Into Dark Science

Into Dark Science è un’ottima declinazione della brutalità messa in musica, e colpirà chi cerca qualcosa oltre, e chi vuole sensazioni forti e volumi allucinanti qui si troverà a casa.

I tedeschi Phantom Winter sono uno di quei gruppi che attraverso la loro musica riescono a creare un’atmosfera bassissima e molto tesa, e tutto ciò grazie ad un perfetto equilibrio fra pesantezza e lentezza.

Le canzoni sono costruite su riff potentissimi che sono la struttura portante della loro proposta musicale, poi tutto incombe intorno a questo. Come coordinate musicali si potrebbe dire sludge, post metal e anche un certo gusto no wave. Tutto ciò porta ad una saturazione che porta l’ascoltatore a sensazioni molto forti, continuando il discorso iniziato con i due buoni dischi precedenti. I Phantom Winter nuotano in un mare molto affollato, ma la loro capacità compositiva crea atmosfere che sanno davvero di scienza tenebrosa. Il passo è come quello delle anime che trascinano i piedi verso la loro eterna colpa in un luogo che non è nemmeno l’inferno. Into Dark Science è un’ottima declinazione della brutalità messa in musica, e colpirà chi cerca qualcosa oltre, e chi vuole sensazioni forti e volumi allucinanti qui si troverà a casa. Il gruppo di Würzburg, in Baviera, ha una forza differente, un impatto che annichilisce e lascia affascinati allo stesso tempo: non è un abito facile da mettere e fa sanguinare, ma è l’unico possibile. Sofferenza, nessuna redenzione o speranza perché qui le tenebre sono rotte solo da decibel imponenti che mangiano lo spazio ed il tempo, voci che giocano fra di loro e nella nostra testa, canzoni lunghissime che montano come se fossero montagne appena formate. Dolore, ma questo è il nostro cammino e destino, e la bellezza della brutalità. Dischi come questo spostano il cuore, sia fisicamente che sul campo metafisico, e se ne vuole sempre di scienza nera e del suo rumore.

Tracklist
1. The Initiation Of Darkness
2. Ripping Halos From Angels
3. Frostcoven
4. The Craft And The Power Of
Black Magic Wielding
5. Into Dark Science
6. Godspeed! Voyager

Line-up
Christof – drums
Andreas – guitar/bewitched screams
Christian – haunting growls
Martin – bass
Flo – guitar/cleaning gear

PHANTOM WINTER – Facebook