Categoria: postmetal

Birkenwald – MDD

MDD necessita di qualche ascolto in più della norma per essere apprezzato nel migliore dei modi, e questo è un altro indizio di una profondità che fa ulteriormente onore alla proposta dei Birkenwald.

MDD è il primo lavoro su lunga distanza dei bolognesi Birkenwakld, autori di quello che loro stessi definiscono black gaze / postblack.

Ci sarebbe anche una componente depressive nella proposta della band, benché dall’ascolto paia emergere più a livello concettuale (un titolo come MDD, ovvero major depressive disorder, è eloquente in tal senso) che non musicale, in quanto le caratteristiche del sound offerto tendono ad un mood più malinconico che non straziante come quello del DSBM.
L’album consta di un intro e di quattro brani veri e propri abbastanza lunghi, all’interno dei quali i Birkenwald esprimono compiutamente le loro idee musicali che hanno il pregio di non fossilizzarsi su un canovaccio ben preciso, muovendosi invece con buona disinvoltura attraverso le varie sfumature che un genere dai confini molto elastici può concedere.
Se dovessi pensare ad una band alla quale i ragazzi emiliani si ispirano citerei di primo acchito gli Agalloch, un punto di riferimento non semplicissimo da inquadrare e sicuramente sfidante per chiunque ci si voglia confrontare: i Birkenwald ne escono moto bene, affidando molto più al lavoro strumentale che alle parti cantate la conduzione dei singoli brani, e anche in questo tutto sommato si ritrova una corrispondenza nel modus operandi di John Haughm.
Parlando delle singole tracce, i tre minuti di Echoes of Madness – How Everything Started sembrano voler anticipare in maniera sintetica quelle che saranno le caratteristiche dell’album, mentre When Solitude Shines on Its Own si rivela già un’eloquente prova delle attitudini dei nostri, i quali pur disseminando di robuste accelerazioni il brano non sacrificano mai l’aspetto melodico, e lo stesso avviene con la successiva Drowned in Soundless Tears dove, benché la struttura appaia sostanzialmente diversa, a fare la differenza sono le splendide intuizioni acustiche; The Ghosts Left Behind si snoda, inizialmente, con sonorità black metal tutto sommato ordinarie per poi esplodere in un bellissimo crescendo dalla metà in poi, con l’aggiunta di apprezzabili punteggiature pianistiche, mentre l’ultimo brano autointitolato è forse quello al quale la definizione di blackgaze più si addice, grazie al suo intreccio tra melodie malinconiche e ritmiche intense ma sempre ben controllate.
Considerando che siamo di fronte ad una band all’esordio, alle prese con un progetto comunque ambizioso come quello di raccontare il male di vivere tramite un tessuto musicale più articolato di quello che può essere il classico depressive, MDD si rivela davvero una gradita sorpresa; l’album necessita di qualche ascolto in più della norma per essere apprezzato nel migliore dei modi, e questo è un altro indizio di una profondità che fa ulteriormente onore alla proposta dei Birkenwald.

Tracklist:
1. Echoes of Madness – How Everything Started
2. I – When Solitude Shines on Its Own
3. II – Drowned in Soundless Tears
4. III – The Ghosts Left Behind
5. IV – Anedonia

Line-up:
*H110311A – Voce e chitarra ritmica
*H110413D – Songwriting, testi e basso
*H081213S – Songwriting, chitarra solista
*H170207C – Batteria

BIRKENWALD – Facebook

 

A Cunning Man – To Heal a Broken Body

To Heal a Broken Body è arduo da descrivere, meglio allora ascoltarlo: questi due ragazzi hanno del talento da vendere e l’augurio è che si possa sentire parlare di loro anche in futuro, magari ritrovandoli alle prese con un’uscita su lunga distanza capace di dare la reale misura del potenziale in loro possesso.

Secondo ep per il duo scozzese denominato A Cunning Man, realtà piuttosto particolare e anche per questo meritevole di una certa attenzione.

La coppia di musicisti formata da Ged Cartwright (fondatore della band) e Theo Le Derf si cimenta in un genere di difficile definizione, liquidabile senza timore di sbagliare con un solo aggettivo: progressivo.
La voce particolare e stentorea di Cartwright è un altro elemento peculiare: il suo approccio teatrale (e con forte accento scozzese, come premesso con grande autoironia dalle note di presentazione) inizialmente può rivelarsi spiazzante ma successivamente si capisce che è il vero strumento che gliA Cunning Man utilizzano per veicolare al meglio una musica che accompagna testi anch’essi tutt’altro che banali.
A volte si fa fatica a seguire lo sviluppo melodico dei brani, perché il tutto necessita di un lavoro di decrittazione non semplice, tra dissonanze e strumenti che si accavallano a volte andando apparentemente ognuno per conto proprio, lasciando invece in eredità intuizioni geniali e sprazzi melodici magnifici.
A livello di attitudine più che di sonorità, che negli A Cunning Man non possiedono venature estreme, un possibile termine di paragone sono gli Xanthochroid di Blessing He With Boils, con i quali gli scozzesi hanno in comune un certo rifiuto per le consolidate consuetudini compositive.
To Heal a Broken Body è arduo da descrivere, meglio allora ascoltarlo: questi due ragazzi hanno del talento da vendere e l’augurio è che si possa sentire parlare di loro anche in futuro, magari ritrovandoli alle prese con un’uscita su lunga distanza capace di dare la reale misura del potenziale in loro possesso.

Tracklist:
1. Lemegeton & The Leaden Saviour
2. Picatrix & The Calcine Alchemist
3. Abramelin & The Silver Hand

Line-up:
Ged Cartwright – Vocals, composition, instrumentation and programming
Theo Le Derf – Guitars, additional composition

Guests:
Gemma McCabe – Additional vocals and spoken word
Meghan Bradford – Alto and soprano saxophone

A CUNNING MAN – Facebook

Agrimonia – Awaken

Potenza e melodia rappresentano il trademark degli svedesi Agrimonia i quali, giunti al terzo album, delineano il loro suono con una forza melodica da rimarcare e assolutamente da ascoltare.

Potenza e melodia rappresentano il trademark degli svedesi Agrimonia, quintetto di Gothenburg, attivo dal 2008 e giunto al terzo full, il secondo per Southern Lord, etichetta statunitense che raramente sbaglia sul mercato.

L’unione di idee, generate da musicisti provenienti da band significative (At the Gates, Miasmal, Bombs of Hades e Martyrdod), rende importante questa release, rappresentando un superamento di quanto finora espresso dalla band dedita a un suono sludge / crust molto denso e viscoso: la band mantiene queste caratteristiche ma le amplia con una ricerca melodica molto ispirata, creando atmosfere ricche di pathos, dove l’ interplay delle chitarre con le keyboard rende il suono molto suggestivo ed evocativo. Sei brani, cinque dei quali molto lunghi, dove si raggiungono picchi melodici intensi inseriti in strutture maestose e aperte, cupe ma non opprimenti: solo il growl aspro della singer Christina Blom mantiene il suono ancorato a una dimensione più terrena ed estrema. I pieni e i vuoti presenti nel suono mantengono alta l’attenzione, creando interesse per un suono non nuovissimo ma molto ispirato da parte di musicisti capaci e convinti. Le partiture possono ricordare i Neurosis nei loro momenti meno tesi e carichi di forza: la ammaliante melodia di Foreshadowed apre il cuore con il suo lento dipanarsi fino a caricarsi di potenza ed esplodere in un brano deciso esaltato dalla prova vocale di Christina. Il suono delle keyboard sempre misurato, non invade il brano ma lo tinge di colori chiaroscurali molto azzeccati. La delicatissima title track intesse parti chitarristiche classiche rimandando a suggestioni degli acustici Opeth. Gli ultimi due brani, Withering e The Sparrow, mantengono le medesime coordinate sopra descritte con forza, ispirazione e convinzione; il growl deciso, disperato accompagna strutture che si nutrono di postmetal e darkwave nel primo brano, mentre note crepuscolari di keyboard e piano emozionano e disegnano paesaggi desolati prima di sferrare l’ultimo decisivo attacco. Una più che buona prova da centellinare a apprezzare con la dovuta considerazione.

Tracklist
1. A World Unseen
2. Astray
3. Foreshadowed
4. Awaken
5. Withering
6. The Sparrow

Line-up
Martin – Bass
Björn – Drums
Pontus – Guitar, Keyboards, Vocals (backing)
Magnus -Guitars
Christina – Vocals, Keyboards

AGRIMONIA – Facebook

Septic Tank – Rotting Civilisation

Non deve passare inosservato il ritorno a sonorità crude e selvagge di autentiche leggende della musica estrema come Lee Dorrian e Gaz Jennings. Regaliamoci quaranta minuti di storia della musica estrema.

Non deve passare inosservato il ritorno a sonorità crude e selvagge di autentiche leggende della musica estrema, Lee Dorrian e Gaz Jennings.

I Septic Tank hanno aspettato il momento giusto per farci esplodere in faccia diciotto proiettili di insano suono crust, punk, hardcore; il quartetto composto anche da Scott Carlson al basso (Cathedral, Church of Misery, Repulsion) e Jaime Gomez Arellano alla batteria (Mothlite) aveva visto la luce nel 1994 ed è stato ibernato fino al 2013 quando è uscito un omonimo ultralimitato ep. Ora i tempi sono maturi per riaprire la “fossa settica” (Septic Tank) e spargere nel mondo liquami velenosi e intossicanti su questa “rotting civilization”; quaranta minuti, brani brevi sparati a rotta di collo fino dalla title track, carica di ferocia e odio, con testi scritti da Dorrian e musica composta dalla band in toto; nessun manierismo ma voglia di gridare, senza remore, lo schifo di un mondo alla deriva. La musica colpisce in pieno volto, lascia sanguinanti al suolo nel ricordare i primi passi di Lee Dorrian con i Napalm Death, senza dimenticare tutto lo spirito hardcore di band come Siege, Discharge e tante altre; lo spirito sovversivo di Lemmy in Divide and Conk Out emerge prepotentemente e colpisce il cuore. Nessun momento di pausa, il mondo deve essere colpito, non deve pensare, deve essere abbattuto con tutta l’inutilità dei suoi attuali marci ideali. Riff distorti, vibranti, passionali sono la colonna sonora per riuscire in tutto questo, aiutati da ritmiche rutilanti e incessanti. Brani come Fucked e White Wash non hanno bisogno di alcuna spiegazione, si accendono in un attimo ma creano un fuoco interiore difficile da spegnere. Le cadenze di Death Vase sprigionano tensioni infinite implacabili. Qui non abbiamo musicisti alle prime armi, ma artisti, alla soglia dei cinquant’anni come Lee Dorrian che dopo una carriera veramente gloriosa hanno ancora voglia di sbattersi e dimostrare il loro valore incendiando gli animi e la sensibilità di gente che non ne può più; le chitarre di Gaz Jennings sfornano riff violenti, attingendo ispirazione dal meglio della scena hardcore e crust degli anni 80 e 90. Lavoro superbo, sperando che il tutto non rimanga episodio isolato; in ogni caso lasciatevi intossicare da questa miscela impossibile da spegnere.

Tracklist
1. Septic Tank
2. Who
3. Victimised
4. Social Media Whore
5. Divide and Conk Out
6. Treasurers of Disease
7. Fucked
8. Whitewash
9. Death Vase
10. You Want Some
11. Digging Your Own Grave
12. Danger Signs
13. Walking Asylum
14. Lost Humanity
15. Never Never Land
16. Self-Obsessed
17. Living Death
18. Rotten Empire

Line-up
Scott Carlson – Bass
Gaz Jennings – Guitars
Lee Dorrian – Vocals
Jaime Gomez Arellano – Drums

SEPTIC TANK – Facebook

L’Homme Absurde – Sleepless

Il lavoro nel complesso non delude, offrendo un pregevole esempio di evoluzione della materia black senza stravolgerne più di tanto le linee guida.

Nonostante un monicker calzante a pennello ad una delle molte band francesi dedite ad un black metal arzigogolato e contorto, L’Homme Absurde è invece una band russa che propone un più lineare post black.

Lineare non significa banale, e infatti Slepless è un album che mostra non poche sfaccettature restando, però, sempre in un alveo ben definito andando ad evitare sperimentazioni assortite.
Il gruppo è attivo da qualche anno, e quello in questione è di fatto il secondo full length e trova la sua anima compositiva in Alexey Slavin, musicista già conosciuto in ambito death doom per la sua militanza in band come Mare Infinitum (in qualità di batterista) e A Young Man’s Funeral, nella veste di polistrumentista accompagnato dal ben noto E.S. alla voce, mentre qui A. (come si fa semplicemente chiamare di solito) offre invece uno screaming che si addice al genere proposto.
Slepless è un buon album che presenta sette brani mediamente lunghi, tra i quali spicca una magnifica The Quiet Room, traccia che richiama più di altre i Forgotten Tomb, punto di riferimento apparente per gran parte del sound contenuto nell’album, e l’altrettanto riuscita Insult to Injury, più spinta ed emotivamente intensa.
Il lavoro nel complesso non delude, offrendo un pregevole esempio di evoluzione della materia black senza stravolgerne più di tanto le linee guida, e questo non e’ affatto un risultato scontato; anche per questo il nome de L’Homme Absurde va tenuto d’occhio per possibili evoluzioni future, considerando quanto di buono la band russa ha già messo in mostra con i suoi primi due album su lunga distanza.

Tracklist:
1. Cleansing the Temple
2. Black Hole
3. The Quiet Room
4. Moments in Coma
5. Nausea
6. Insult to Injury
7. Carriers

Line-up:
A. – vocals
Georgiy Bykov – guitar
Isod – guitar
Yuri S. – bass
Evgeny Loboda – drums

L’HOMME ABSURDE – Facebook

ORPHANAGE NAMED EARTH – Re-Evolve

Una delle particolarità maggiori del disco è questo avere diversi elementi in grado di poter piacere ad ascoltatori di genere diverso, da chi ama l’anarco crust a chi sente post rock, o l’amante delle voluttuose sonorità del post metal.

Colonna sonora di una delle apocalissi possibili, verso la distopia del concetto di essere umano.

Nei polacchi Orphanage Named Earth troviamo tutta la disperazione del raccontare le nostre vite, il dolore dell’essere umano, in forma post metal e con un’attitudine fortemente punk. Il suono del gruppo polacco è un misto di post metal in stile Neurosis, con intarsi screamo e con un piano compositivo molto bene definito e studiato fin nei minimi particolari. L’impressione generale è di una marcia a tappe forzate verso la definitiva distruzione in uno scenario post punk in stile Mad Max, dove all’uomo rimangono poche cose se non sé stesso. Ci sono momenti di grande magniloquenza, alternati a furiose sgroppate, il tutto sempre bilanciato molto bene. L’ampio spettro coperto dal gruppo polacco arriva anche a sconfinare nel post rock di alcuni momenti, e sono attimi bellissimi. Una delle particolarità maggiori del disco è questo avere diversi elementi in grado di poter piacere ad ascoltatori di genere diverso, da chi ama l’anarco crust a chi sente post rock, o l’amante delle voluttuose sonorità del post metal. Il gruppo è relativamente giovane, essendosi formato nel 2015, ma ha già le idee molto chiare, come molto ben definito è il loro percorso politico, che li porta a schierarsi decisamente per la pace ed il rispetto militante di ogni forma di vita. Un disco che emoziona e che smuove qualcosa nel fertile cuore degli amanti della musica pesante.

Tracklist
1 Piss on Your Parade
2 Holy Hate
3 Insanity
4 Charity Everywhere
5 Romance is in the Eye of the Seeker
6 Pity this Kind
7 Orphanage Named Earth
8 Monuments of Tomorrow

Line-up
Piotrek – guitar
Piotrek – guitar
Hubert – bass
Michal – drums
Wojtek – vocals

ORPHANAGE NAMED EARTH – Facebook

Origod – Solitude In Time And Space

Solitude in Time And Space è un disco è un disco ad altissima intensità, avendo le stimmate del grunge e la forza del post metal, un misto davvero interessante ed originale che non si sente molto spesso lasciando ottime sensazioni.

Gli Origod producono un disco dai mille risvolti musicali e dall’alto tasso di emozioni.

Come pochi e ottimi gruppi sanno fare, gli Origod puntano dritti al cervello ed al cuore dell’ascoltatore senza fare un genere ben preciso, ma se proprio si devono dare delle coordinate allora si potrebbe dire post grunge metal. Solitude In Time And Space è il loro ritorno dopo otto anni senza dischi ma con numerosi concerti. Ad un primo ascolto si può non cogliere la profondità e la bellezza del loro suono, poiché si potrebbe facilmente bollarli come leggeri, ed invece non sono né leggeri né vuoti, tutt’altro. Il loro suono è molto variegato e composto, ed è un mezzo per esprimere le loro emozioni, regalando molte sensazioni. Le canzoni sono costruite in maniera sapiente e riescono a suscitare l’attenzione dell’ascoltatore. L’obiettivo degli Origod è quello di avere un suono molto vicino a cose come The Mars Volta o il primo potente emocore degli anni novanta, ma ci si avvicina anche al post metal. Il gruppo coinvolge musicisti con una certa esperienza come Luciano Cotta, che è batterista anche nei Nibiru, ed il suo drumming è molto potente, preciso e caldo, sicuramente un valore aggiunto. Solitude in Time And Space è un disco è un disco ad altissima intensità, avendo le stimmate del grunge e la forza del post metal, un misto davvero interessante ed originale che non si sente molto spesso lasciando ottime sensazioni.

Tracklist
1.Reaching Out
2.Perception of Dreams
3.Welcome to the New World
4.Strident Chords
5.Confession
6.Icy Breath
7.City of Pain
8.Now
9.Solitude in Time and Space

Line-up
Dario Chiadini: guitars
Vincenzo Circosta: vocals
Luciano Chertan Cotta: drums
Marco “Bobo” Miglietti: bass

ORIGOD – Facebook

Anua – Un Viaggio Senza Terra

L’album dimostra un buon equilibrio, nel senso che, a fronte della mancanza di particolari picchi, non si rinvengono neppure cali vistosi, il che consente di mantenere in ogni momento un impatto emotivo soddisfacente: tutto ciò dovrebbe essere senza dubbio nelle corde di chi apprezza sonorità di stampo post metal/shoegaze.

Gli Anua sono una nuova band che si affaccia sulla scena musicale nazionale, facendolo in punta di piedi con un post metal/shoegaze molto etereo e delicato.

Mettesi in scia di una realtà come gli Alcest, tanto per citare il nome più noto tra quelli che si cimentano in questo stile musicale, può rivelarsi controproducente perché, in fondo, gli spazi di manovra non sono illimitati, ma questi quattro musicisti provano a svincolarsi da un confronto innegabilmente ingombrante mutando qualcosa a livello di approccio: ecco allora il ricorso strumenti addizionali come flauto e clarinetto e una più pacata anima folk, che si manifesta con diversi passaggi di chitarra acustica.
L’operazione a mio avviso riesce piuttosto bene, nel senso che Un Viaggio Senza Terra si rivela un lavoro gradevole, pur se strutturato su quattro brani lunghi mediamente una decina di minuti, che scorrono comunque in maniera abbastanza fluida anche se mancano nell’arco di tutta la durata quei momenti più incisivi dal punto di vista melodico, capaci di segnare con forza un intero lavoro.
L’album dimostra però un buon equilibrio, nel senso che, a fronte della mancanza di particolari picchi, non si rinvengono neppure cali vistosi, il che consente di mantenere in ogni momento un impatto emotivo soddisfacente: tutto ciò dovrebbe essere senza dubbio nelle corde di chi apprezza questo tipo di sonorità, capaci di realizzare una fugace oasi di pace screziata di tanto in tanto da qualche riff mai troppo ingombrante ma ben coeso e funzionale alla resa finale.
Dovendo scegliere uno dei brani, prendo Canto di un viaggio finito, che è forse quello che propende maggiormente verso soluzioni acustiche, con il supporto degli strumenti a fiato e senza disdegnare ampie aperture elettriche, svincolandosi in parte dai principali modelli compositivi che confluiscono in Un Viaggio Senza Terra.
L’esordio degli Anua è sicuramente positivo, nonostante qualche rischio connesso alla scelta di uno stile potenzialmente tedioso se non viene messo in scena con tutti i crismi e con sufficiente doti compositive: la strada per raggiungere l’eccellenza assoluta prevede ancora la salita di diversi gradini, ma le basi poste con quest’album sembrano già abbastanza solide.

Tracklist:
1.Sulla riva di un lago
2.Un cielo scuro
3.Canto di un viaggio finito
4.Vorrei tornassi

Line-up:
Manuel Rodriguez – Guitars, Vocals
Piersante Falconi – Drums
Andrea Remoli – Bass
Luca Grimaldi – Guitars
Guests:
Andrea Salvi – Flute
Sofia Rofriguez – Vocals
Ennio Zohar – Clarinet

ANUA – Facebook

Soldat Hans – Es Taut

Tutto fluisce con una logica ed un senso melodico che sorprende, così come ogni sterzata impressa ad una vis compositiva che, in una sorta di folle quanto lucido caleidoscopio sonoro, trasporta l’ascoltatore dai Pink Floyd agli AmenRa, senza che la cosa possa apparire in alcun modo forzata.

Seriamente canditati ad essere considerati gli autori di uno dei dischi più brillanti i ed emozionanti del 2018, più o meno dal nulla sbucano gli svizzeri Soldat Hans.

E’ vero, il numeroso ensemble di Wintherthur aveva già pubblicato un disco nel 2014 (Dress Rehearsal), ma francamente non essendo stato da noi incrociato a quell’epoca (sfido chiunque ad intercettare qualsiasi proposta musicale venga immessa sul mercato, con la sovrabbondanza di questi tempi) mi risulta un nome del tutto nuovo e, tutto sommato, neppure troppo mi interessa andare a rivangare quanto già fatto, visto che il contenuto di Es Taut basta ed avanza per farmi ritenere ragionevolmente di trovarmi dinnanzi ad una delle più alte espressioni musicali di un genere pressoché impossibile da definire, anche se appiccicandogli l’etichetta post metal si riuscirebbe ad adempiere al compito con la minima fatica e non andandoci poi neppure troppo lontani.
La verità è che i Soldat Hans (un monicker strambo che può anche risultare fuorviante, finché non si scopre che ha a che fare con la produzione favolistica dei fratelli Grimm) interpretano la musica del tutto a modo loro, partendo da un’idea assimilabile al doom, nella quale vengono poi inseriti all’interno elementi di progressive, ambient, psichedelia, jazz e, ovviamente post metal: il tutto viene esibito tramite un album come Es Taut, strutturato su soli tre brani per un totale di oltre cinquanta minuti che risultano senz’altro un ascolto impegnativo finché, prese le misure con il sestetto elvetico, non ci si rende conto d’avere a che fare con un’espressione musicale che, al netto di qualche ruvidezza, ha sempre come target principale la melodia.
“Cos’è il genio?”, ci si domandava nel film Amici Miei: nel caso dei Soldat Hans direi che questo corrisponde alla capacità la capacità di inserire elementi a prima vista tra loro contrastanti, all’interno di una struttura che mostra ben pochi passaggi puramente dissonanti o sperimentali; tutto fluisce appunto con una logica ed un senso melodico che sorprende, così come ogni sterzata impressa ad una vis compositiva che, in una sorta di folle quanto lucido caleidoscopio sonoro, trasporta l’ascoltatore dai Pink Floyd di Atom Heart Mother agli AmenRa, senza che la cosa possa apparire in alcun modo forzata.
Emblematica, in tal senso, è una traccia lunghissima come Story of The Flood che si snoda placida con toni tra l’ambient ed il jazz, tra violini e fiati che tracciano armonie rarefatte e al contempo toccanti, prima dei cinque minuti conclusivi quando un post hardcore dai toni drammatici si impossessa della scena.
Schoner Zerbit possiede più o meno la stessa lunghezza ma è divisa in due parti, con la prima nuovamente più soffusa, ma con picchi movimentati dai fiati, e un cantato dai toni delicati, e la seconda che ne risulta la naturale prosecuzione con una presenza più decisa della chitarra solista che prelude ad una nuova esplosione, questa volta dai tratti ancor più aspri e dissonanti.
Ma ogni descrizione lascia il tempo che trova, visto che la varietà dell’offerta musicale e la padronanza strumentale mostrata dai Soldat Hans si palesano come un qualcosa di davvero coinvolgente ed innovativo, senza necessariamente dover ricorrere a passaggi troppo cervellotici per raggiungere tale risultato.
Da chi ama il progressive agli adepti del post metal e del doom, questo è il range dei potenziali fruitori ai quali si rivolge un disco davvero splendido come Es Taut.

Tracklist:
1.Story of the Flood
2.Schoner zerbirst, Part I
3.Schoner zerbirst, Part II

Line-up:
Tomas – Guitar
Omar – Guitar
Omar – Guitar, Vocals
Clemens – Keyboards
Jonathan – Bass
Jazz – Drums

SOLDAT HANS – Facebook

Formalist – No One Will Shine Anymore

Il contributo portato dal background dei singoli musicisti va ben oltre un ideale somma degli addendi, assumendo le sembianze di un sound personale al quale si può attribuire senza alcuna remora il marchio Formalist.

La sola idea di utilizzare il termine supergruppo all’interno della nostra scena metal mi fa abbastanza sorridere, visto che un appellativo del genere in passato lo si associava ad operazioni che coinvolgevano musicisti appartenenti a band già piuttosto famose e che, spesso e volentieri, erano un modo come un altro per fare cassa, anche se non di rado ne scaturivano ugualmente lavori di notevole spessore.

Fatta questa doverosa premessa, e visto che le finalità puramente commerciali vengono escluse dal genere stesso messo in scena dai Formalist, trovarsi al cospetto di un gruppo italiano che convoglia membri di Forgotten Tomb, Malasangre e Viscera ///, per chi conosce queste tre band equivale soprattutto alla garanzia di ascoltare musica intensa, corrosiva e non convenzionale.
Ciò che balza subito all’attenzione fin dalle prime note è l’evidente e non così scontata amalgama del contributo sonoro portato dalle diverse personalità presenti: così se la voce di Ferdinando Marchisio mette sul piatto l’impronta inevitabile dei suoi Forgotten Tomb, la tempesta sonora messa in atto dalla chitarra di Michele Basso e dalla base ritmica della coppia Nicola Casella/Riccardo Rossi appare una perfetta sintesi del sound che ci hanno regalato i Viscera /// ed i Malasangre (in quest’ultimo caso in tempi meno recenti visto che il loro l’ultimo album risale ormai al 2012)
No One Will Shine Anymore presenta così tre lunghi brani, tra i quali l’opener Arson appare leggermente più accattivante, mostrando i momenti maggiormente avvicinabili agli ultimi Forgotten Tomb, ma in generale il post metal, lo sludge, l’ambient drone ed il black metal vengono magnificamente sintetizzati dal quartetto, che non dimentica di offrire all’insieme un’idea melodica esaltata nella stupenda Mainlined, traccia nella quale dissonanze sludge/doom si alternano a passaggi più dolenti ed evocativi. In mezzo troviamo la più lunga e disturbata Foul, nella cui parte iniziale provano a farsi spazio i minacciosi toni di matrice Malasangre che vengono poi relativamente stemperati dalle inquiete atmosfere post dei Viscera ///.
Ovviamente questa descrizione non deve far pensare ad una sorta di collage delle varie componenti, le quali come detto in realtà si fondono e si intrecciano e, in più di un frangente, diventano un qualcosa va ben oltre un ideale somma degli addendi, assumendo le sembianze di un sound personale al quale si può attribuire senza alcuna remora il marchio Formalist.
Concludo con un auspicio, riguardante l’opportunità di ripetere con maggiore frequenza operazioni di questo genere, perché è proprio nell’osmosi tra musicisti provenienti da band e generi diversi che si concretizza la possibilità di rinsaldare e far crescere una scena che normalmente non brilla per unità di intenti.

Tracklist:
1.Arson
2.Foul
3.Mainlined

Line-up:
Ferdinando Marchisio – Vocals
Michele Basso – Guitars
Nicola Casella – Bass
Riccardo Rossi – Drums & Electronics

FORMALIST – Facebook

Deadly Carnage – Through the Void, Above The Suns

Questo nuovo album si rivela un altro passaggio evolutivo di un percorso artistico in costante crescendo, sempre contraddistinto da sonorità non del tutto convenzionali e, nel contempo, volte a scuotere quello stato di apatia emotiva nel quale si consuma l’esistenza dell’uomo moderno.

Non posso fare a meno di ammettere d’aver sempre avuto una certa predilezione per i Deadly Carnage, band riminese che, nella sua costante evoluzione nel corso di ogni passo fissato su disco, ha sempre dimostrato d’essere un gradino sopra a gran parte delle proposte appartenenti alla stessa cerchia stilistica.

Se Manthe era stata una splendida prova che aveva portato all’approdo verso un sound più oscuro e spesso collocabile a metà strada tra il black ed il doom nelle loro espressioni più emotive, e l’ep Chasm aveva confermato la propensione verso sonorità più liquide e definibili a maggior ragione “post” (con tutti i significati che si possono attribuire a tale prefisso), Through the Void, Above The Suns sembra ancor meglio focalizzato nell’assemblare le diverse sfumature confluite nel corso del tempo nella proposta del gruppo romagnolo, il quale decide di riversarle per la prima volta all’interno di un affascinante concept dalle tematiche cosmiche.
Prendendo una traccia come Lumis, per esempio, è possibile rendersi conto di come i Deadly Carnage possano permettersi, all’interno di uno stesso brano, di passare con una naturale fluidità da un black drammatico ed atmosferico ad un finale in quota Opeth (quelli più ispirati dei primi dischi, naturalmente), oppure, confrontando il robusto post metal di Matter ed il più sognante e melodico incedere “alcestiano” della meravigliosa Divide, si può notare come queste due maniere di interpretare la materia possano convivere tranquillamente nei tre quarti d’ora di Through the Void, Above The Suns, rappresentando ognuna un tassello fondamentale per la sua comprensione e soprattutto la sua riuscita.
Altri due punti nodali dell’album sono Ifene, dove un’atmosfera carica di tensione sfocia poi in un chorus cantato in italiano difficilmente rimovibile a breve termine, e la conclusiva Entropia, nella quale post metal e black avanguardista si intersecano in maniera esemplare, lasciando in eredità all’ascoltatore la sensazione compiuta d’avere ascoltato una album di rara profondità, sia a livello musicale che concettuale.
I Deadly Carnage non hanno risentito affatto del cambio dietro al microfono, che ora vede il chitarrista tastierista Alexis Ciancio anche alle prese con le parti vocali, e questo nuovo album si rivela un altro passaggio evolutivo di un percorso artistico in costante crescendo, sempre contraddistinto da sonorità non del tutto convenzionali e, nel contempo, volte a scuotere quello stato di apatia emotiva nel quale si consuma l’esistenza dell’uomo moderno.

Tracklist:
01 – Quantum
02 – Matter
03 – Hyle
04 – Cosmi
05 – Lumis
06 – Ifene
07 – Fractals
08 – Divide
09 – Entropia

Line-up:
Adres – Bass
Marco Ceccarelli – Drums, Percussion
Dave – Guitars
Alexios Ciancio – Vocals, Guitars, Synths

DEADLY CARNAGE – Facebook

Charun – Mundus Cereris

Il sound di Mundus Cereris si muove per lo più lento e sinuoso, talvolta segnato da un riff più deciso ma sempre compresso all’interno di un incedere per lo più sognante, pervaso spesso anche da tratti oscuri ed inquieti.

Come da consuetudine consolidata, le offerte della Third i Rex sono sinonimo di sonorità profonde e sempre scostate di qualche grado, rispetto al baricentro del genere di volta in volta proposto dalle band di turno.

Da una sempre musicalmente fertile Sardegna tornano i Charun, a due anni di distanza dal precedente album Stige: Mundus Cereris è dedicato all’immaginario religioso etrusco, argomento che ben si sposa con il post metal messo in scena dalla band isolana il cui monicker, peraltro, corrisponde proprio a quello della divinità equivalente al Caronte della mitologia greca.
Ancora una volta, così come accadutomi qualche giorno fa parlando dell’opera dei russi Trna, vengo piacevolmente costretto a rivedere il mio pensiero rispetto agli album interamente strumentali, visto che anche i Charun (ma questa non è affatto una sorpresa) riescono a comunicare con la necessaria perizia e l’imprescindibile intensità la loro visione di una spiritualità persa nel tempo e troppo spesso dimenticata a scapito della fagocitante epopea dell’antica Roma.
Il sound di Mundus Cereris si muove per lo più lento e sinuoso, talvolta segnato da un riff più deciso ma sempre compresso all’interno di un incedere per lo più sognante, pervaso spesso anche da tratti oscuri ed inquieti.
La mancanza delle liriche viene brillantemente superata mantenendo una coerenza stilistica che si sposa adeguatamente alla divinità di turno chiamata in causa: così, per esempio, se Laran (dio della guerra) è una traccia più movimentata e ritmata, la successiva Nethuns (il dio dell acque) si snoda appunto liquida esibendo caratteristiche prevalentemente di matrice ambient.
In generale, però, le tracce, che si assestano su una durata media tra i sette e gli otto minuti, mostrano sonorità rarefatte che via via si increspano prima di ritornare ad un più placido scorrere: fa eccezione in parte la splendida Vanth (divinità femminile messaggera di morte) che si sviluppa naturalmente in maniera più cupa e ritmata, andando a lambire territori sludge.
Pur restando dedicata ad un pubblico selezionato, quella dei Charun è musica di spessore superiore alla media: la band sarda riesce a sovvertire le difficoltà insite nella proposta, coinvolgendo l’ascoltatore dalla prima all’ultima nota e trasportandolo per oltre tre quarti d’ora in questo pantheon affascinante e colpevolmente dimenticato.

Tracklist:
1.Malacoda
2.Mae
3.Laran
4.Nethuns
5.Menvra
6.Vanth

Line-up:
Nicola Olla – guitar
Valerio Marras – guitar
Simone Lo Nardo – bass
Daniele Moi – drums

CHARUN – Facebook

Rome In Monochrome – Away From Light

Nella poetica dei Rome In Monochrome la reazione al dolore avviene in maniera dignitosa e composta, quasi a rappresentare l’accettazione di un destino ineluttabile che, quindi, non viene restituito esibendo tratti disperati bensì attraverso un senso di mestizia diffusa.

Per quel che vale, i Rome In Monochrome si avvalgono di uno dei monicker più affascinanti che una band dedita a sonorità come quelle offerte dalla band capitolina potesse scegliere.

E se è vero che il marchio da solo non basta, è innegabile che costituisce una sorta di imprimatur sul sound che si andrà a scoprire durante l’ascolto di un album: d’altra parte il fondatore della band, Gianluca Lucarini, ci ha abituato anche con gli altri suoi gruppi a delineare fin dal nome lo stile offerto: per cui, se dai Degenerhate o dagli Exume To Consume è difficile attendersi qualcosa che non abbia che fare con il metal più estremo, tra il brutal death e il grindcore, dai Rome In Monochrome è più che lecito immaginarsi una proposta tenue, malinconica, ma allo stesso tempo resa inquieta da ombre che talvolta aleggiano minacciose nel grigiore diffuso di un’istantanea sfocata.
Away From Light è la finalizzazione di un’opera iniziata tre anni fa con l’ep Karma Anubis, grazie al quale erano stato poste le basi di un sound che guarda inevitabilmente ai Katatonia oltre che agli Antimatter più intimisti (quelli di Leaving Eden, in particolare) per le caratteristiche appena descritte, ma ammantando il tutto di quel particolare modo di affrontare la materia oscura nella scena romana, partendo dai capostipiti Novembre e ai loro seppur latenti retaggi estremi per spingersi fino ai più eterei Klimt 1918.
Nella poetica dei Rome In Monochrome la reazione al dolore avviene in maniera dignitosa e composta, quasi a rappresentare l’accettazione di un destino ineluttabile che, quindi, non viene restituito esibendo tratti disperati bensì attraverso un senso di mestizia diffusa, appunto ciò da cui deriva il monocromatico grigiore al quale siamo condannati se proviamo ad osservare la realtà con uno sguardo disincantato, quando i sogni vengono spazzati via dalla quotidianità.
Le otto pennellate sonore si insinuano ed assumono forma compiuta ascolto dopo ascolto, lasciando un segno molto più marcato rispetto alla solo apparentemente attenuata incisività di un sound che, solo di rado, viene scosso da passaggi in growl (opera dello stesso Lucarini salvo in Paranoia Pitch Black, dove se ne occupa niente meno che Carmelo Orlando) e da altrettanto sporadiche accelerazioni ritmiche.
Tutto si compie in un ambiente lattiginoso, ben descritto dall’intima tristezza evocata dal timbro vocale di Valerio Granieri, al quale si finisce pericolosamente per assuefarsi quasi come se si fosse confortevolmente immersi in una sorta di liquido amniotico, ed offre i suoi momenti più alti ed emozionanti nei primi tre brani, Ghost Of Us, A Solitary King (la mia preferita, con un bellissimo giro di chitarra a supportare costantemente la voce) e la già citata Paranoia Pitch Black; se vogliamo il solo difetto dell’album è proprio quello esprimere il meglio nel suo primo terzo, mantenendosi in seguito sempre su un buonissimo livello ma senza raggiungere gli stessi picchi emozionali.
La canzone più ascrivibile a pieno titolo al doom, Only the Cold, chiude comunque al meglio un lavoro il cui spettro sonoro è attraversato anche da post rock e shoegaze, all’insegna di un velenoso malessere che resta costantemente confinato sullo sfondo di un’immagine avvolta da una coltre di nebbia.
Away From Light è ovviamente rivolto ad anime sensibili ed inclini alla malinconia, le quali potranno godere anche della perfezione sonora garantita dalla produzione di Fabio Fraschini e dal mastering di Dan Swano.

Tracklist:
1. Ghosts Of Us
2. A Solitary King
3. Paranoia Pitch Black
4. Uterus Atlantis
5. December Remembrances
6. Until My Eyes Go Blind
7. Between The Dark And Shadows
8. Only The Cold

Line-up:
Valerio Granieri – lead vocals
Gianluca Lucarini – lead guitar, backing and harsh vocals
Alessio Reggi – lead guitar
Marco Paparella – guitar, violin
Riccardo Ponzi – bass
Flavio Castagnoli – drums

ROME IN MONOCHROME – Facebook

Trna – Earthcult

Earthcult è un disco bellissimo, vivamente consigliato a chi vuole ascoltare musica avvolgente ed emozionante senza che tutto ciò vada ad attenuarne la brillantezza e la varietà ritmica.

I Trna sono un giovane trio proveniente da San Pietroburgo con all’attivo già due full length piuttosto ben accolti e risalenti rispettivamente al 2015 (Pattern of Infinity) ed al 2016 (Lose Yourself to Find Peace).

Earthcult rappresenta il terzo ed ambizioso tentativo di portare ancora più in alto l’asticella qualitativa così come la difficoltà di fruizione per chi ascolta, trattandosi di un lavoro che supera l’ora di durata, cosa non da poco per un album del tutto strumentale.
Nonostante una mia recondita idiosincrasia per questo tipo di soluzione resta ben poco da eccepire quando ci si trova di fronte ad un’esibizione di blackgaze di tale levatura; se è vero, sicuramente, che una maggiore sintesi avrebbe potuto giovare, non si può fare a meno di farsi trasportare da un sound che passa da toni rarefatti a repentine accelerazioni con mirabile fluidità.
Le quattro lunghe tracce, che ovviamente superano in media abbondantemente il quarto d’ora di durata, si rivelano tutt’altro che una stucchevole esibizione di stile in quanto pervase da un’intensità a tratti spasmodica, favorita dal fatto che i tre ragazzi russi non indulgono più di tanto in passaggi interlocutori ma preferiscono spingere più spesso con convinzione verso soluzioni artistiche in crescendo, capaci di portare al raggiungimento del climax in tempi dilatati ma preparati nella maniera adeguata.
Il sound dei Trna, che mantiene ben salde le proprie radici black, è avvolto da una costante aura cosmica e sognante che per una volta mi fa affermare che sì, tutto sommato della voce se ne può anche a meno: il flusso sonoro scorre tra un brano all’altro rendendo tutto sommato superflua la suddivisione in tracce; le brevi pause sono funzionali a far tratte un respiro all’ascoltatore tra una lunga cavalcata e l’altra, per cui le pennellate intitolate Earthcult, Everywhere and Nowhere, The Heart of Time e Thaw riescono davvero a rappresentare in un maniera compiuta quell’unità tra l’uomo e la natura alla quale sarebbe bene tendessimo tutti noi, anche al di fuori dell’aspetto prettamente musicale.
Earthcult è un disco bellissimo, vivamente consigliato a chi vuole ascoltare musica avvolgente ed emozionante senza che tutto ciò vada ad attenuarne la brillantezza e la varietà ritmica.

Tracklist:
1. Earthcult
2. Everywhere and Nowhere
3. The Heart of Time
4. Thaw

Line-up:
Anton Gataullin – Bass
Andrey Novozhilov – Guitars
Timur Yusupov – Drums

TRNA – Facebook

Eirð – Cosmos One: The (Un​)​known Universe

La musica marchiata Eirð può rivelarsi appetibile per chi apprezza queste sonorità volte ad immergerci nell’immensità dell’universo, una soluzione sicuramente non nuova ma sempre gradita specialmente quando viene offerta con la competenza dimostrata in questo frangente.

Eirð è il progetto solista del tedesco Andreas Libera (già con gli Spirit Descent), autore dal 2014 fino ad oggi di un numero consistente di uscite sotto forma di demo o singoli, ed arrivato alla fine dello scorso anno al primo full length intitolato Cosmos One – The (Un​)​known Universe.

Questo lungo lavoro è piuttosto esemplificativo dello stile musicale messo in atto dal musicista di Lubecca, ovvero un post metal/doom dal respiro melodico e cosmico, come facilmente intuibile anche dal titolo; la natura del tutto strumentale dell’opera ci conduce ad una scelta che non è dissimile da certe forme di ambient, con la differenza che il sound appare più ritmato, arrivando anche ad accelerazioni più sensibili come in A Dance of Cosmic Objects o nel finale di Dark Matter, trovando però a mio avviso una sua maggiore focalizzazione proprio nella conclusiva Deep Space Omega, nella quale Libera esprime al meglio le sue idee musicali spingendole fino ad una forma appunto più vicina all’ambient.
La musica marchiata Eirð può rivelarsi appetibile senza dubbio per chi apprezza queste sonorità volte ad immergerci nell’immensità dell’universo, una soluzione sicuramente non nuova ma sempre gradita specialmente quando viene offerta con la competenza dimostrata in questo frangente.
Per concludere, si segnala che poco dopo l’uscita del full length è stato immesso sul mercato, sempre da Loneravn Records, Cosmos Two – Earth and Beyond (2014​-​2016), un’uscita che raccoglie però materiale pubblicato nella prima fase di vita del progetto e, in quanto tale, utile quale sintesi retrospettiva dello sforzo compositivo attuato in quegli anni da Libera.

Tracklist:
1. Saturnalian Dreamsphere
2. Andromeda
3. A Dance of Cosmic Objects
4. Deep Space Omega
5. Dark Matter

Line-up:
Andreas G. Libera – All instruments

EIRD – Facebook

Hawkmoth – Godless Summit

Gli Hawkmoth optano per una forma di sludge meno ruvida e con una spiccata componente post metal, privilegiando così l’aspetto melodico ed emotivo di un lavoro che non perde comunque nulla in robustezza ed intensità.

Terzo full length per gli Hawkmoth, trio australiano dedito ad uno sludge doom interamente strumentale.

Godless Summit, nelle intenzioni della band, dovrebbe essere la prima parte di un’opera più composita e consta di quattro brani piuttosto lunghi che comunque non vanno di molto oltra la mezz’ora complessiva di durata, una soluzione ideale se si vuole rendere più appetibile una proposta che necessita di un qualcosa che mantenga sempre alta l’attenzione dell’ascoltatore.

Il gruppo di Sidney ci mette decisamente del proprio per facilitare la fruizione del lavoro, optando per una forma di sludge meno ruvida e con una spiccata componente post metal: l’andamento sognante esibito in diversi momenti denota una qualità complessiva elevata e se l’alternanza tra liquidi arpeggi e riff più corposi non può certo sorprendere, il tutto avviene con grande misura ed attenzione anche per l’aspetto melodico: in particolare va rimarcata la capacità degli Hawkmoth di creare un sound che monta costante come un onda, senza trascendere mai in ruvidezza abusando nella distorsione dei riff.
Difficilmente i lavori interamente strumentali riescono ad impressionarmi, specialmente quelli basati sullo sludge doom in quanto l’ottundente ripetitività che caratterizza diverse uscite del settore resta gradevole solo per un tempo limitato: Godless Summit, invece, riesce ad insinuarsi agevolmente grazie a brani concisi (per il genere) ed equilibrati come la title track, Ibex e Mala Fide, e ad una traccia più ambiziosa ed elaborata come la conclusiva Charnel Ground, nella quale i ragazzi australiani mostrano per intero la gamma di soluzioni a loro disposizione, colpendo ed emozionando come non sempre avviene quando si adottano stili e soluzioni analoghe.
Per una volta quindi non mi lamenterò dell’assenza di un vocalist, perché Godless Summit basta e avanza così com’è per far spiccare alla nostra mente quel volo evocato dall’aquila rappresentata in copertina.

Tracklist:
1. Godless Summit
2. Ibex
3. Mala Fide
4. Charnel Ground

Line-up:
Aaron Steed – Bass
Heath Blows – Guitars
Andy Griggs – Guitars
Brenda Mackay – Drums

HAWKMOTH – Facebook

An Evening With Knives – Serrated

Il suono si snoda come un serpente possente e va ad occupare l’etere, salendo sempre più in alto, tornando a casa nel cielo.

Ci sono molte cose dentro la musica degli olandesi An Evening With Knives, e tutte conducono ad un post metal molto avanzato in direzioni ancora tutte da esplorare.

Dopo il loro ep di debutto del 2015 il gruppo ha girato molto suonando con band importanti e ha avuto modo di sviluppare la propria poetica. Il suono è una ricerca incessante del groove giusto, un qualcosa da cercare come il sacro Graal, sapendo che il suo fine non è l’oggetto ma la ricerca stessa. Questi olandesi sanno essere molto originali grazie ad un suono che spazia dal post metal ad uno stoner davvero diverso dal solito. Ma non ci si ferma a questo, c’è molto altro. Le canzoni sono composizioni di ampio respiro, dal sapore forte e sognante, con un forte retrogusto di grunge, soprattutto nella commistione del suono con le linee vocali. Si avanza sempre in Serrated, non si torna mai indietro o si ripete qualcosa, per poi esplodere in aperture melodiche di una bellezza struggente, come in Blind Man’s Guess, che può essere benissimo presa come manifesto di questo gruppo. Bisogna abbandonarsi a questa granitica e melodica progressione del suono, ed è complesso spiegare le sensazioni dalle quali si viene avvolti durante l’ascolto, è come sostare in un posto nel quale ci si sente bene e che si aspettava da tempo. Serrated è un disco dai mille risvolti, che regala molti ottimi ascolti e lascia una sensazione destinata a durare nel tempo. Il suono si snoda come un serpente possente e va ad occupare l’etere, salendo sempre più in alto, tornando a casa nel cielo. Post metal, stoner per confezionare qualcosa di molto originale.

Tracklist
1. Come Undone
2. Restless
3. Blind Man’s Guess
4. Hysteria
5. Fade Out
6. Thoughts and Regrets
7. Drowning in Daybreak

Line-up
Peter van Grunsven – Bass guitar.
Ivo Jonkers – Drums & samples.
Marco Gelissen – Guitar & vocals.

AN EVENING WITH KNIVES – Facebook

Dirge – Alma Baltica

Pochi dischi hanno la forza sonora ed immaginaria di questo lavoro, che ha al suo interno una frequenza di fondo come la terra, poiché Alma Baltica è un organismo vivo. Forse non sarebbe corretto parlare di musica, bensì di ciò che provoca dentro e fuori di noi.

Nuove realtà che nascono dall’ascolto di suoni che assomigliano maggiormente a frequenze primordiali che scrutano il nostro groviglio di abissi, droni e sangue.

Tornano i francesi Dirge con questo Alma Baltica che è un piccolo capolavoro di ambient, noise, drone e tanto altro. Prendete qualcosa degli Earth soprattutto per quanto riguarda l’uso della chitarra, metteteci un po’ di post metal e post rock, tanto ambient e un po’ di dark ambient e forse capirete. Soltanto attraverso l’ascolto si può cogliere l’ampiezza di questo suono, la sua grandezza e la sua monoliticità complessa. Questi francesi ci raccontano una storia, esplorando un’ampia gamma di frequenze e pongono l’accento sulla necessità di isolarsi dalla nostra realtà per cercare di capire qualcosa dietro il velo. I Dirge hanno cominciato il loro percorso frequentando il post metal, ma ben presto sono approdati su altri lidi come si può ben ascoltare: le parti si fondono e si viaggia come onde sonore, spiriti in formazione, non esiste il tempo, o forse sono loop continui, come se il tutto tornasse come nulla. Alma Baltica è come una glaciazione messa in musica, un uso sapiente ed unico di vari elementi musicali allo scopo di creare una forza nuova ed immanente, o forse solo per richiamare gli antichi di Lovecraft. Pochi dischi hanno la forza sonora ed immaginaria di questo lavoro, che ha al suo interno una frequenza di fondo come la terra, poiché Alma Baltica è un organismo vivo. Forse non sarebbe corretto parlare di musica, bensì di ciò che provoca dentro e fuori di noi. Le recensioni canoniche e i generi qui funzionano davvero molto poco, bisogna ascoltare con mente aperta, dimensioni diverse ci aspettano.

Tracklist
1.Alma
2.Red Dawn Tibesti
3.Black Shore
4.Baltica (Sine Time Reoscillated)
5.Pure

Line-up
Marc T.
Alain B.
Stéphane L.
Luz

DIRGE – Facebook

Nereide – Nereide

Sembra di essere da soli in un bosco alle prime luci di una giornata di tiepida primavera, mentre il mondo ti accoglie caldamente e le asperità fanno parte del gioco.

La mente umana è stata creata per superare se stessa, cercando di allontanarsi sempre più dalla prigione corporea.

Per fare ciò essa usa vari mezzi, uno dei quali, forse il privilegiato, è la musica e questo ep di esordio dei pugliesi Nereide ne è la dimostrazione. Si tratta di un viaggio, un lungo vagare fra sogno e abissi aperti dentro ed intorno a noi, è tornare bambini e cercare di crescere allo stesso tempo. I linguaggi usati sono il post metal, il post rock, comunque un rock metal molto moderno, ma le etichette contano davvero poco. Sembra di essere da soli in un bosco alle prime luci di una giornata di tiepida primavera, mentre il mondo ti accoglie caldamente e le asperità fanno parte del gioco. Canzoni che viaggiano in completa autonomia, un trio che si conosce, si cerca e si compenetra alla perfezione, creando un disco molto affascinante. I Nereide sono nati come progetto solista del chitarrista cantante Roberto Spels, al quale si sono poi felicemente congiunti Cosimo Barbaro al basso e Giacomo Scoletta alla batteria. Post metal forse e non solo, soprattutto una qualità molto alta e una forza compositiva e di esecuzione notevole, ma ci sono ancora margini di miglioramenti notevoli, essendo i Nereide un gruppo dalle grandi possibilità. La melodia è molto presente e permea tutto e non manca anche una certa orecchiabilità, non figlia di una volontà di essere commerciali, ma risultato di scelte felici e di molta naturalezza. Un disco per allontanarsi dalla realtà e l’inizio di un qualcosa di importante.

Tracklist
1.Mindful
2.The Wave
3.Surmise
4.Polars

Line-up
Roberto Spels – Guitar, Voice
Cosimo Barbaro : Bass
Giacomo Scoletta : Drums

NEREIDE – Facebook

Greytomb – Monumental Microcosm

Monumental Microcosm è un lavoro breve ma in grado di cogliere nel segno, creando una certa aspettativa per quelle che saranno le prossime mosse della band australiana.

Dalla sempre ricca e cosmopolita faretra della Transcending Obscurity ecco sbucare anche gli australiani Greytomb, autori di questo ep che va a suggellare quanto di buono già mostrato con il full length d’esordio del 2016, A Perpetual Descent.

Il trio di Melbourne offre una prova convincente che va ad abbracciare con  duttilità e consapevolezza le diverse sfumature del metal estremo, partendo da una base black ma con un’indole introspettiva che oscilla tra il doom e il postmetal e qualche dissonanza riconducibile al death progressivo.
Quel che ne esce sono tre brani che si sviluppano per  circa venticinque minuti corrosivi, intensi e sfaccettati, con un episodio dal crescendo emotivo non comune come Antimeta che si spinge con il suo finale disperato fino al DSBM; il brano è racchiuso tra la lunga e più inquieta Null ed una Force Majeure che dimostra come i Greytomb abbiano grande dimestichezza con la materia anche quando scendono sul terreno del post black più oscuro ed ottundente.
Monumental Microcosm è un lavoro breve ma in grado di cogliere nel segno, creando una certa aspettativa per quelle che saranno le prossime mosse della band australiana.

Tracklist:
1.Null
2.Antimeta
3.Force Majeure

Line-up:
J. Angus – guitar
N. Magur – vocals
D. Coffey – bass

GREYTOMB – Facebook