Thrash metal tecnico e progressivo è quello che ci propone questo terzetto italo/inglese formato da due musicisti attivi dal 1993 nella scena metallica torinese, i quali che si avvalgono della prestazione dietro al microfono del cantante John Knight (in forza ai Synaptic).
Thrash metal tecnico e progressivo è quello che ci propone questo terzetto italo/inglese formato da due musicisti attivi dal 1993 nella scena metallica torinese (il batterista Andrea Carratta ed il chitarrista Stefano Saroglia), i quali si avvalgono della prestazione dietro al microfono del cantante John Knight in forza ai Synaptic.
Eideticè il loro primo lavoro, formato da tre brani che ci riportano tra le trame intricatissime del metal progressivo di natura estrema e di stampo thrash.
Non sono tracce facilissime da digerire se non si è amanti del tecnicismo, che raggiunge vette altissime per quanto riguarda la prestazione dei singoli musicisti, ma lasciando qualcosa a livello di fruibilità.
Certo è che i tre musicisti sono di un’altra categoria, costruendo una ragnatela di ritmiche, solos suonati alla velocità della luce ed una voce particolare che cresce col passare degli ascolti (a tratti sembra usata come strumento vero e proprio).
Dei tre brani, In Death Of A Marionette è quello più lineare e ad un primo ascolto è ovviamente quello che si ricorda più facilmente, ma dando il giusto tempo non mancano di convincere neppure Centripetal Force e Eidetic Memory le altre due tracce canzoni che completano l’ep.
Quello dei Centripetal Force è un sound che si avvale della perizia di questi tre ottimi musicisti e che, affondando le sue radici nelle opere di Coroner, Mekong Delta, Death e Cynic, verrà apprezzato dai fans di queste band.
TRACKLIST
1.Centripetal Force
2.Eidetic Memory
3.In Death Of A Marionette
LINE-UP
Andrea Carratta – beats
John Knight – screams
Stefano Saroglia – riffs
“Bones on the Beach” diventa “Bones in the Shed”: cambio di location ma non di programma! L’appuntamento è per Sabato 24 Giugno alla Shed Music Hall di Casapulla (Ce).
“Bones in the Shed” nasce da un’idea di MVO Concerti, in collaborazione con Live To Rock. Si propone come vero e proprio Metal Party estivo che alterna musica ad attività e momenti di intrattenimento. Il festival vuole diventare un appunatamento fisso dell’estate partenopea coinvolgendo gli appassionati del genere metal e rock in un evento che va oltre il semplice live musicale. Dal pomeriggio fino a tarda sera, mentre sul palco si susseguiranno le esibizioni di band emergenti ed artisti internazionali, band e pubblico potranno partecipare a giochi e attività varie (mini-tornei di volley, soccer, beer pong, giochi aperitivo, ecc. ecc.). A conferma dello scopo ludico del festival, lo slogan della manifestazione è: “Chi dice che i metallari non si divertono?!”
Inizialmente previsto sulla spiaggia col nome di “Bones on the Beach”, il festival ha dovuto affrontare, per motivi logistici, un cambio di location e, conseguentemente, di nome. “Bones in the Shed”, in collaborazione con “Rock and Blues 70”, si terrà Sabato 24 Giugno nello spazio esterno della Shed Music Hall, una sala concerti, realizzata in un capannone industriale, che fonde musica, passioni e tanto divertimento. L’appuntamento è in Via Sbarra, 41 a Casapulla (Ce) a partire dalle ore 18:30.
Welcome To My Dark Side scorre via senza particolari intoppi consegnandoci una decina di brani concisi, efficaci e vari.
Dall’unione di tre questi musicisti scaturisce, oltre ad un monicker (Eli Van Pike) originato dai rispettivi cognomi, una forma di gothic industrial che dovrebbe, secondo gli intenti dichiarati, attrarre i fans di Rammstein, Eisbrecher e in generale di un sound di tipica matrice tedesca.
Messa così, la questione potrebbe rivelarsi ingannevole perché in effetti il trio dimostra una certa versatilità, derivante anche da un’indubbia maestria strumentale che rende Welcome To My Dark Side un album tutt’altro che monotematico o ancor peggio noioso.
Quello che è il pregio dell’album si rivela però anche il suo principale difetto, perché l’idea di fondere sonorità industrial con altre di stampo più classico non è affatto male, ma finisce per far viaggiare il tutto a due velocità, con i brani più ritmati che si rivelano a mio avviso superiori a quelli di natura più melodica.
Sarà forse perché, da estimatore dei Rammstein fin dalla prima ora, l’ormai lunga vacanza compositiva presa da Lindemann e soci mi rende ancor più gradito tutto ciò che vi assomiglia, ma non c’è dubbio che a livello attitudinale gli Eli Van Pike si fanno preferire di gran lunga in questi frangenti.
Sono così le cosi le corpose Herzschlag e Tears Of War, con i lori classici riff squadrati, a spiccare in un album comunque divertente e piuttosto scorrevole, con un trio di musicisti che interpreta la materia con sapienza, disinvoltura ed un pizzico di gradita leggerezza dal punto di vista dell’approccio (Made In Germany), che spesso porta il sound dalle parti dei Mono Inc. in versione irrobustita (la title track, Amen).
L’alternanza vocale tra l’impostazione power dello statunitense Ken Pike e quella gothic del tastierista Thorsten Eligehausen funziona abbastanza bene, anche se entrambi non sempre appaiono a proprio agio, l’uno quando si spinge su tonalità troppo alte e l’altro quando tende a forzare ribassandole ulteriormente.
Poco male, tutto sommato, perché Welcome To My Dark Side scorre via senza particolari intoppi consegnandoci una decina di brani concisi, efficaci, vari e contraddistinti dal notevole lavoro chitarristico di Marc Vanderberg: nulla di imprescindibile, ma un qualcosa che si lascia ascoltare sempre con estremo piacere.
Tracklist:
01. Made in Germany
02. Herzschlag
03. 1-2 frei
04. World on Fire
05. Tears of War
06. One last Rose
07. Peter, 41
08. Welcome to my Dark Side
09. Amen
10. Valentine´s Day
Line-up:
Marc Vanderberg – Guitars, Drum & Bass Programming
Ken Pike – Lead Vocals
Thorsten Eligehausen – Lead Vocals, Keyboards
Una compilation perfetta per conoscere la musica di questa one man band australiana e magari cercarne le produzioni passate.
Succulenta compilation per questa one man band australiana di black metal orchestrale ed atmosferico, conosciuta come Midnight Odyssey, creatura astrale del polistrumentista Dis Pater.
Questo monumentale lavoro (più di due ore di musica estrema), raccoglie una serie di inediti, due singoli (Magica e The Night Has Come For Me) più la cover di un brano degli Emperor, Cosmic Keys From My Creations & Times.
Il sound creato da Dis Pater è dunque un black metal orchestrale, ricco di lunghe parti strumentali, a tratti vicino all’ambient ma più spesso contornato da un’aura spaziale come il concept creato dal suo creatore.
Una musica che a livello artistico risulta molto interessante e che ha bisogno del suo tempo per essere apprezzata, visto la lunghezza dei brani che non giova sicuramente all’appeal della musica dei Midnight Odyssey.
L’alternanza tra lo spirito ambient e quello più metallico ed estremo varia l’ascolto di quel tanto che basta per arrivare in fondo senza grossi problemi, anche se non manca qualche pausa.
Nei brani in cui l’anima black metal prende il sopravvento (What Was Is No More, The World Tree Burns To Vapour), echi di Emperor e Limbonic Art si ascoltano tra le note, con uno scream che mantiene un piglio epico e declamatorio, mentre è un attimo essere ancora una volta cullati dalle lunghe parti atmosferiche (Sorrow Of Deadalus, Dis Pater).
Una compilation perfetta per conoscere la musica di questa one man band australiana e magari cercarne le produzioni passate.
TRACKLIST
Disc 1
1.The Night Has Come for Me
2.Magica
3.Cosmic Keys to My Creations & Times (Emperor cover)
4.Sorrow of Daedalus
5.What Was Is No More
6.Fighting the Seraphim
7.Descent
8.The World Tree Burns to Vapour
9.Lost and Forgotten
Disc 2
1.Nocturnal
2.Your Death Is Chosen
3.The Tempest Entranced
4.Dis Pater
5.A Whisper’s Emptiness
6.Theme of Forest and Firmament
I dischi precedenti erano buoni, Carmentis rappresenta però una decisa svolta verso l’alto, verso un disegno sia musicale che poetico molto elevato, confermando il post metal come musica di scoperta e di navigazione dell’occulto.
Il sestetto ravennate Postvorta è uno dei migliori gruppi in ambito post metal che abbiamo in Italia.
In giro dal 2009, i Postvorta hanno regalato autentiche perle di post metal, dal debutto Beckoning Light We Will Set Ourselves On Fire in poi si sono sempre evoluti aggiungendo vari tasselli al loro suono. Ora toccano il punto più alto con questo Carmentis, un disco che segnerà la scena post metal italiana e non solo. Il sound si mescola a sludge e noise, non viene inventato nulla, ma il tutto è reso molto bene e con grande personalità. Il disco è il secondo, dopo Aegeria, di una trilogia sulla nascita come era intesa nella mitologia romana. Carmenta è una delle dee Camene nella religione romana primitiva, e non è stata adottata nelle religioni successive: essa era la protettrice della gravidanza e della nascita e patrona delle levatrici, compito non certo facile in quell’epoca. I Postvorta sono sempre stati cantori dei misteri dell’inizio, della nostra connessione all’universo e del nostro essere un piccolo universo noi stessi. La loro musica è oscura, un ottimo post metal molto carico, una specie di pesante incrocio tra Neurosis e Isis più duri, ma questo è giusto per dare delle coordinate. I dischi precedenti erano buoni, Carmentis rappresenta però una decisa svolta verso l’alto, verso un disegno sia musicale che poetico molto elevato, confermando il post metal come musica di scoperta e di navigazione dell’occulto. Un disco completo e maturo, da sviscerare con svariati ascolti per svelare
i diversi livelli di cui è composto. Non è tutta oscurità ciò che è tenebra, ma bisogna addentrarsi nella notte profonda per scoprire qualcosa, e questo disco è una scoperta continua.
I musicisti sono di provata esperienza, quindi i brani viaggiano che è un piacere, la produzione è perfetta per rompere membrane di vecchie casse impolverate e il tutto suona rock’n’roll come padre Lemmy ha insegnato ai fedeli.
Lemmy ed i suoi Motorhead , oltre a lasciare un vuoto incolmabile tra gli amanti dell’ hard & heavy più grezzo e rock’n’roll, sono uno dei gruppi più venerati ed emulati che il mondo della nostra musica preferita possa vantare.
I Nitrogods, trio tedesco arrivato al terzo album, sono una di quelle band che vivono nel mito del bassista inglese, eppure stiamo parlando di musicisti di spessore della scena metallica tedesca come il chitarrista Henny Wolter (Thunderhead, Primal Fear, Sinner) ed il batterista Klaus Sperling (Freedom Call, Primal Fear), qui al servizio del mastodontico bassista/cantante Claus “Oimel” Larcher.
Voce che sembra arrivare da qualche buco dell’inferno dove Lemmy, bottiglia di Jack nella mano destra e seno prosperoso di una groupie nell’altra, si sollazza con buona pace di Satanasso, e sound che fa sbattere natiche e teste al ritmo di un rock’n’roll ipervitaminizzato, senza soluzione di continuità, leggermente più melodico delle sfuriate hard & heavy a cui ci aveva abituato Mr.Kilmister. Roadkill BBQ è un buon lavoro, che perpetua un rito hard rock ormai consolidato nei soliti ed abusati cliché, ma che sa come far divertire, specialmente se lo si ascolta correndo per le strade con la vostra quattroruote o in un fumoso ed alcoolico localino a tema.
I musicisti sono di provata esperienza, quindi i brani viaggiano che è un piacere, la produzione è perfetta per rompere membrane di vecchie casse impolverate e il tutto suona rock’n’roll come padre Lemmy ha insegnato ai fedeli.
Inutile e superfluo il solo nominarvi una traccia, l’album è da spararsi con le modalità dette sopra ed arriverete alla fine con la voglia di rischiacciare il tasto play e scolarvi un’altra birra 0 whiskey.
Nella versione deluxe troverete un bonus cd con le cover di Overkill, Bomber,Aces Of Spades e Iron Fist … vi devo dire chi le ha scritte?
TRACKLIST
1. Rancid Rock
2. Roadkill BBQ
3. My Love’s A Wirebrush
4. Boogeyman
5. Bad Place Wrong People
6. Wheelin´
7. A Los Muertos
8. The Price Of Liberty
9. Race To Ruin
10. I Hate
11. Father
12. Where Have The Years Gone
13. Russian Rocket (Bonus)
14. Did Jesus Turn Water Into Beer (Bonus)
LINE-UP
Henny Wolter – Guitars
Oimel Larcher – Bass, Vocals
Klaus Sperling – Drums
Chi ama il genere non resterà affatto deluso, mentre chi volesse ricercare elementi di novità passi pure oltre: questo è “solo” buonissimo doom, suonato come le divinità marine comandano …
In occasione della sua riedizione nel corso dell’estate, dopo la firma con Wormholedeath, riproponiamo quanto scritto nello scorso dicembre a proposito di Of Gods and Heroes.
I Desolate Pathway vengono fondati da Vince Hempstead più o meno contestualmente alla sua uscita dai Pagan Altar, avvenuta nel 2014.
Rispetto alla band che fu del defunto Terry Jones, i Desolate Pathway spostano le coordinate del loro doom su un versante più epico non solo a livello compositivo ma anche lirico, cosa che ben si evince sia dalla notevole copertina sia dal titolo eloquente scelto per il lavoro (Of Gods and Heroes), proseguendo la strada intrapresa fin dal precedente Valley Of The Kings, risalente a due anni fa.
Quando viene maneggiata da musicisti esperti e competenti, la materia in questione ben difficilmente delude, e ciò vale anche per Hempstead, il quale, accompagnato dalla batterista Mags e da un quartetto di ospiti ad occuparsi delle parti di basso, offre tre quarti d’ora di doom fedele alla tradizione ma sicuramente godibilissimo. Of Gods and Heroes si snoda secondo copione tra vocals stentoree e sufficientemente evocative ed un lavoro chitarristico apprezzabile per la sua spontaneità: volendo trovargli una collocazione meglio definita, il sound dei Desolate Pathway potrebbe essere inquadrabile a meta strada tra Doomsword e Capilla Ardiente, risultando sempre coinvolgente pur nella sua essenzialità.
Chi ama il genere non resterà affatto deluso, mentre chi volesse ricercare elementi di novità passi pure oltre: questo è “solo” buonissimo doom, suonato come le divinità marine comandano …
Tracklist:
1. Intro
2. The Old Ferryman
3. The Perilous Sea
4. Medusa’s Lair
5. Into the Realms of Poseidon
6. Enchanted Voices
7. Gods of the Deep
8. The Winged Divinity
9. Trojan War
I primi brani trovano nell’impeto della battaglia la loro forza così da risultare i più canonici, mentre è la seconda parte che riserva le parti più epiche, lasciando che il sound si ricami di note folk, mentre una voce narrante ne rende maestoso l’incedere.
I Divine Element sono un duo greco/ungherese formato da Ayloss (chitarra, basso e synth) e Antonis (voce) e che, aiutati dal session drummer Hannes Grossman, ci invitano sulle colline dove è in atto una battaglia all’ultimo sangue.
Il loro sound è un buon esempio di death/black metal epico e battagliero, pregno di cavalcate dove non manca la componente tragico guerresca, qualche spunto folk e tanta fierezza metallica.
Il duo è attivo da più di dieci anni ed è al secondo lavoro sulla lunga distanza dopo sette anni dal debutto omonimo, un progetto che continua con Thaurachs Of Borsu, album che non dispiacerà agli amanti del metal estremo tutto sangue, battaglie ed eroi.
I cavalieri giungono sulla collina e la battaglia ha inizio, le ritmiche black accompagnano un growl death metal, mentre la chitarra scocca frecce classiche con solos e refrain melodici.
I primi brani trovano nell’impeto della battaglia la loro forza così da risultare i più canonici, mentre è la seconda parte che riserva le parti più epiche, lasciando che il sound si ricami di note folk, mentre una voce narrante ne rende maestoso l’incedere. Call Of The Blade e Traitor’s Last Stand sono la coppia di canzoni poste quasi in chiusura (l’ultima, Augury For A Shapeless Future, è una suggestiva outro) e colpiscono con il loro sound che risulta una cavalcata verso la gloria, tra fughe metalliche e buone parti folk progressive, alzando di molto la qualità di un lavoro che cresce con il passare dei minuti.
Le influenze sono da riscontrare nei gruppi epic/black e folk, quindi si tratta di un disco da ascoltare senza remore se siete fans del genere.
TRACKLIST
1.A Realignment with Destiny
2.Thaurachs of Borsu
3.Onto the Trail of Betrayal
4.Beyond This Sea
5.Interlude (The Point of No Return)
6.Call of the Blade
7.Traitor’s Last Stand
8.Augury for a Shapeless Future
Black Heavy Metal ! Questa e’ la pozione magica creata con grande competenza da questi artisti danesi…
Una brillante prova da parte dei Slægt, quartetto di Copenhagen che, a partire dal 2012, ha elaborato un proprio suono passando dalla prima prova Ildsvanger, prettamente black metal, all’EP Beautiful and Damned in cui qualcosa si stava modificando per poi culminare in Domus Mysterium dove il loro black heavy metal rifulge splendidamente.
La band sapientemente e con grande gusto ha miscelato sensibilità black metal, gocce di trash, aromi psichedelici e un grande suono heavy anni 80, componendo otto brani per una durata di circa 55 minuti; le canzoni sono realmente evocative, la produzione decisamente buona evidenzia un guitar sound molto nitido e fluido, la cover raffigurante il loro “the eye of the devil” e le vocals che alternano uno espressivo scream mai esasperato con un grintoso clean, danno vita a una piccola opera d’ arte del tutto inattesa.
Lunghi intermezzi strumentali nella loro inventiva profumano del migliore heavy anni 80 accompagnati da intarsi acustici di madrigalesca memoria (vengono in mente in alcuni momenti i Dissection); l’eclettismo e la competenza della band si esplicano in brani medio-lunghi, ricchi di idee a partire dall iniziale Succumb, con un inizio screziato della migliore psichedelia, per poi essere travolti da I Smell Blood, di cui esiste anche un video, con eccitanti intrecci di chitarre.
La struggente e sinistra melodia di The Tower può ricordare il miglior horror sound dei bei tempi, il breve intermezzo pianistico di Burning Feathers, dalla cristallina e antica melodia, apre la strada agli ultimi due lunghi brani: Remember It’s a Nightmare e la title track, nelle quali la capacità della band di scrivere splendide ed epiche songs viene fuori in tutta la sua limpidezza; chiaramente non si inventa niente di nuovo, ma il caleidoscopico blend creato e suonato con grande passione dai danesi appare sempre fresco e non può non essere apprezzato da attenti ascoltatori open-minded… “rise up in the Tower, climb high as they cower, ascend into glory with passionate fury…”
TRACKLIST
1. Succumb
2. I Smell Blood
3. Egovore
4. In the Eye of the Devil
5. The Tower
6. Burning Feathers
7. Remember It’s a Nightmare
8. Domus Mysterium
Se Still Bleeding era già un album più che convincente, The Human Defeat va ancora oltre, collocando il nome Helfir ai vertici qualitativi della scena italiana.
Più o meno a due anni esatti dall’uscita di Still Bleeding, ritroviamo Luca Mazzotta ed il suo progetto solista Helfir con un nuovo lavoro su lunga distanza intitolato The Human Defeat.
Parlando di quell’album, con la necessità di inquadrare in qualche modo il sound proposto dal musicista leccese, mi ero esposto senza troppi rischi nel paragonarne l’opera a quella di nomi illustri quali Antimatter, Anathema e Katatonia, mentre The Human Defeatcambia non poco le carte in tavola.
Fin dall’opener Time In Our Minds è possibile percepire, infatti, una propensione al gothic e al doom e, in generale, un approccio relativamente più estremo alla materia; tutto questo conferisce al lavoro anche una maggiore varietà e, di conseguenza, spinge gli Helfir fuori dall’orbita delle band di riferimento per assumere una forma ben più personale senza smarrire, però, un’oncia dell’impatto emotivo evidenziato sul precedente lavoro.
Lo stesso ricorso al growl, utilizzato con parsimonia ma in maniera del tutto appropriata, aggiunge un ulteriore elemento di discontinuità che nel brano d’apertura accentua gradevolmente la dicotomia tra l’anima metal e quella più propriamente dark alternative, mentre la chitarra tesse melodie splendide e dolenti, catturando così subito l’attenzione dell’ascoltatore.
Con Light cambia lo scenario e le coordinate sonore si spingono oltreoceano, eguagliando per potenziale evocativo e pulizia sonora quanto fatto quasi contemporaneamente dagli splendidi 1476.
La marea si ritrae e Tide lascia riaffiorare tracce tangibili degli Helfir precedenti, un’entità capace di modellare con maestria sonorità liquide ma cariche di tensione emotiva, lasciando che l’intimismo di Protect Me e Chant D’Automne prenda educatamente il sopravvento.
Pulsioni elettroniche inaugurano una Mechanical God che oscilla tra l’alternative e l’industrial, esibendo a tratti riff di una cattiveria insospettabile: un brano di grande impatto, ma che rischia d’apparire addirittura fuori contesto, specie se seguito dalle delicate pennellate chitarristiche di Climax 2.0.
In Golden Tongue ritroviamo nuovamente quel sound inquieto che aveva contraddistinto la splendida traccia d’apertura, mentre in The Last Sun ritorna a predominare l’imprimatur poetico di scuola Antimatter, anche se, come già detto, in tali frangenti le possibili somiglianze appaiono meno marcate che in passato.
La versione strumentale di Chant D’Automne suggella idealmente un lavoro di grade maturità e soprattutto propositività: Luca Mazzotta avrebbe potuto continuare a seguire, peraltro facendolo benissimo, le tracce di Moss e compagnia, mentre con quest’opera decide di prenderne in qualche modo le distanze, ampliando in maniera efficace e condivisibile lo spettro compositivo con risultati eccellenti.
Se Still Bleeding era già un album più che convincente, The Human Defeatva ancora oltre, collocando il nome Helfir ai vertici qualitativi della scena italiana.
Tracklist:
1. Time In Our Minds
2. Light
3. Tide
4. Protect Me
5. Chant D’Automne
6. Mechanical God
7. Climax 2.0
8. Golden Tongue
9. The Last Sun
10. Chant D’Automne (Instrumental Version)
Line up:
Luca Mazzotta: Vocals, Guitars, Bass, Keyboards, Drums and Percussions programming
