Tag: doommetal

Grodek – Downfall Of Time

Il disegno artistico dei Grodek trova già una propria parziale concretizzazione, esibendo in maniera convincente la robustezza delle trame death ed il senso di drammatica ineluttabilità del doom.

Secondo Ep per gli abruzzesi Grodek , band davvero interessante che si muove in bilico tra death melodico e doom in maniera, mantenendo sempre un invidiabile equilibro tra le varie componenti del sound.

Questa breve prova, intitolata Downfall Of Time (che si avvale, in copertina, di una splendida fotografia di Francesco Delli Benedetti), si lega in maniera ancora più esplicita al concept che sta alla base dell’opera dei quattro ragazzi di Vasto, ovvero quello di “cantare la decadenza, il vuoto ed il fango della nostra realtà, trasformando l’ansia e l’orrore in esperienza estetica”.
Un modo di definire la propria musica intrigante e sicuramente impegnativo, ma va detto che il sound dei Grodek non smentisce tale dichiarazione di intenti; i quattro brani, infatti, sono piuttosto nervosi e pervasi da una certa inquietudine e, dovendo trovare un possibile riferimento per inquadrare le sfumature musicali proposte, direi che, specialmente in From The Fog I Rose e Time And Black Tides, il primo nome che viene in mente sono i Novembers Doom.
Da sempre ritengo la band di Paul Kuhr piuttosto sottovalutata, pur essendo fautrice di un sound piuttosto peculiare e riconoscibile: il fatto che i Grodek in qualche modo li richiamino alla memoria, nello stile vocale di Matteo Colantonio e in diverse soluzioni sonore, è senz’altro un fattore positivo che non deve far pensare al contenuto di Downfall Of Time come un qualcosa di derivativo, semplicemente è normale per un gruppo alle prime uscite ricordarne, anche inconsciamente, altri già conosciuti.
Resta il fatto che, in questi 25 minuti, il disegno artistico dei Grodek trova già una propria parziale concretizzazione, perché oltre ai due brani citati, anche Naiade e The Pale Dame esibiscono in maniera convincente la robustezza delle trame death ed il tocco di drammatica ineluttabilità del doom.
Un’ottima prova per un gruppo che sembra già avere tutte le carte in regola per provare l’avventura su lunga distanza, proprio perché è netta la sensazione che questo sia solo l’inizio di un percorso musicale tutt’altro che banale.

Tracklist:
1. From The Fog I Rose
2. Naiade
3. The Pale Dame
4. Time And Black Tides

Line-up:
Matteo Colantonio – Vocals, Guitars
Tiziano De Cristofaro – Guitars
Alessandro Leone – Drums
Matteo Sputore – Bass

GRODEK – Facebook

Sorrowful Land – Of Ruins …

Con questo suo progetto solista, il musicista ucraino può dare sfogo ad un’indole che lo porta ad avvicinare il death doom di matrice svedese.

Avevamo già potuto apprezzare il talento compositivo di Max Molodtsov in occasione delle due uscite del 2014 targate Edenian, dove con il nickname di Eternal Tom si cimentava in un gothic doom con tanto di voce femminile, sulla scia dei Draconian.

Con questo suo progetto solista, il musicista ucraino può dare sfogo ad un’indole che lo porta ad avvicinare il death doom di matrice svedese, in scia ai When Nothing Remains (non a caso Peter Laustsen fa capolino in On Another’s Sorrow) e i Doom Vs. di quel Johan Ericson che, per Molodtsov, costituisce sicuramente un modello dal punto di vista chitarristico, vista la notevole affinità di tocco già evidenziata nei lavori degli Edenian.
Con questi riferimenti e le già riconosciute doti tecniche di prim’ordine da mettere sul piatto, era fin troppo facile prevedere la riuscita di quest’esordio dei Sorrowful Land: grandi melodie, splendido lavoro chitarristico, vocals convincenti ed atmosfere pregne di dolente malinconia, nulla che non vada, insomma.
Se proprio vogliamo trovare il classico pelo nell’uovo, Of Ruins … in certi tratti potrebbe davvero essere scambiato per un nuovo album dei When Nothing Remains, ma alla fine chi se ne importa, quando nel lettore scorrono cinquanta minuti di death doom melodico di prima qualità: noi appassionati del genere chiediamo essenzialmente ai musicisti di emozionarci, e lasciamo volentieri la ricerca della pietra filosofale (sotto forma di originalità) a chi possiede menti meno semplici e lineari delle nostre …
Con gli indizi che ho fornito mi pare superfluo spiegare ulteriormente i contenuti del lavoro: chi ama le band citate si immerga senza indugio nell’ascolto dei brani grondanti emozioni contenuti in Of Ruins …

Tracklist:
1. A Reminiscence
2. Requiescat
3. On Another’s Sorrow
4. Of Ruins
5. In The Tyme Of Tyrants
6. Echoes Of Endless Silence

Line-up:
Max Molodtsov

SORROWFUL LAND – Facebook

Stone Ship – The Eye

Un bel lavoro, che probabilmente rappresenterà la prima ed ultima testimonianza discografica degli Stone Ship

Dei finlandesi Stone Ship non si può certo dire che in occasione del disco d’esordio abbiano attuato una politica dei piccoli passi.

The Eye, infatti, consta di due sole tracce per un totale di oltre tre quarti d’ora di musica, strano e forse audace, ma nemmeno tanto se si pensa alla matrice doom della band finnica.
Prendendo le mosse dai numi tutelari del genere quali Candlemass e Pentagram, gli Stone Ship riescono a giustificare la lunghezza delle due tracce con un’impostazione coerente con un’indole che li porta a sviluppare lunghe jam in sede compositiva.
Il risultato è senz’altro i linea con le aspettative di chi ama un genere che quelli della “nave di pietra” dimostrano di conoscere molto bene: passaggi in linea con la tradizione del genere si alternano a sprazzi di psichedelia, nel corso dei quali i musicisti lasciano libero sfogo all’istinto e alla creatività.
Nonostante questo, i due brani, benché lunghissimi, non sono particolarmente dispersivi, mantenendo ben salda l’impronta doom senza apprire audacemente sperimentali: merito di soluzioni sonore, queste sì, in linea con i dettami conosciuti, con accordature ribassate e voce stentorea e molto comunicativa.
Tra la coppia di lunghi brani, The Crooked Tree, il secondo dei due monoliti scagliati sul pianeta dalla band proveniente da Lahti (tempio degli sport invernali), gode di una line melodica molto ben definita , nonostante diversi cambi di passo, risultando più coinvolgente rispetto alla comunque buona The Ship Of Stone.
The Eye è stato pubblicato in formato musicassetta nel 2015 e solo quest’anno è stato edito su supporto digitale: questo sicuramente avrebbe potuto consentire agli Stone Ship di aumentare non poco i numeri dei propri estimatori, ma ci risulta che la band sia di fatto in stand by da circa due anni, da quando, purtroppo, il batterista e fondatore A. Lehto è tragicamente deceduto. I restanti tre ragazzi hanno dichiarato di non voler cercare un nuovo batterista, decidendo di dedicarsi alle altre band nelle quali sono coinvolti, il che fa presumere che The Eye possa, alla fine, costituire la prima e l’ultima testimonianza discografica degli Stone Ship.
Un vero peccato, perché questo gruppo aveva tutti i numeri per ritagliarsi un posticino tra le varie realtà di culto che la scena doom annovera, in virtù di un approccio molto settantiano in cui i suoni scorrono come un flusso lisergico e venefico.

Tracklist:
1. The Ship of Stone
2. The Crooked Tree

Line-up:
A. Lehto – Drums, Keyboards, Vocals (backing)
R. Pesonen – Bass, Guitars (acoustic), Narration
M. Heinonen – Vocals
J. Kuosmanen – Guitars

STONE SHIP – Facebook

Mammoth Weed Wizard Bastard – Y Proffwyd Dwyll

La band sostiene d’essere “la colonna sonora ideale per il nostro prossimo viaggio intergalattico”. Da sentire.

Dal Nord del Galles (Wrexham) discende questo immane flusso di energia doom con flavour psichedelico e cosmico; sono in quattro con stellare voce feminile (Jessica Ball) e sono emersi nel 2015 con un monolite nero (Nachthexen) di trenta minuti, replicato nello stesso anno con il full “Noeth ac Anoeth” che continua a definire il “loro” doom aggiungendo due ulteriori lunghe tracce ipnotiche e stordenti.

E ora nel settembre 2016 esplode, è proprio il caso di dirlo, questo nuovo lavoro con sei brani dal minutaggio più contenuto (in media 8-9 minuti) rispetto al precedente; il loro sound di una pesantezza trascendentale si alimenta di pachidermici riff accompagnati, sovrastati dalla ultraterrena voce della bassista e vocalist Jessica; il synth suonato un po’ da tutti i musicisti proietta il suono verso orizzonti cosmici sconfinati ed inesplorati, avvolgendo il tutto in spire scure e profonde.
A differenza della prima opera, dove spiccava il suddetto monolite nero di trenta minuti, qui i brani, tutti di simile alto valore, appaiono come una “massa” cangiante, inarrestabile nel suo scorrere che può ricordare il kraut rock degli anni 70′, con gocce ben udibili di suoni hawkindiani in alcuni tratti., il tutto sempre con spiccata sensibilità doom.
La band in questi 2 anni ha elaborato il suo suono, con diversi concerti in terra albionica e oltre mare suonando con gruppi come Monolord, Ramesses, All Them Witches, tutte realtà che profumano di doom “mutante”, non disdegnando di misurarsi anche con enormità come gli immensi Napalm Death e i polacchi Behemoth.
Accompagnato anche da un bella confezione apribile a formare una croce, il consiglio è quello di “assaggiare” il disco più e più volte per assaporare a fondo il viaggio intrapreso da questi ragazzi che, spero, decidano di farsi ascoltare “live” anche nelle nostre terre !

TRACKLIST
1. Valmasque
2. Y Proffwyd Dwyll
3. Gallego
4. Testudo
5. Osirian
6. Cithuula

LINE-UP
Paul M.Davies – lead guitar, moog synth, sampletron
Jessica Ball – bass,vocals, cello, sampletron
Wes Leon – rhythm guitar, moog synth
James Carrington – drums, moog synth

MAMMOTH WEED WIZARD BASTARD – Facebook

Doomcult – End All Life

End All Life rappresenta una bella novità che lascia una certa dose di curiosità nel vedere quali saranno le prossime mosse dei Doomcult.

Doomcult è il nome del progetto solsita di J.G. Arts, musicista olandese conosciuto in precedenza per la sua militanza nelle vesti di bassista e cantante dei thrashers Bulldozer Breed.

Trattandosi di una prima uscita, peraltro da parte di qualcuno che, almeno per quanto se ne possa sapere, non aveva avuto a che fare con il doom prima d’ora, End All Life è davvero un lavoro sorprendente.
Il pregio dell’album è quello di racchiudere una forma di doom piuttosto dinamica e con una buona dose di melodia, il che lo rende piuttosto ascoltabile anche se, ovviamente, quando ci si trova alle prese con questo genere, parlare di semplice fruibilità appare quasi una bestemmia.
In realtà, Arts riesce brillantemente a sfuggire alle tentazione di accodarsi alla florida scena gothic doom del suo paese, optando per una versione del genere molto naif, a partire dalla voce, un ringhio un po’ sgraziato, che può ricordare a grandi linee quello di Mister Curse dei grandi A Forest of Stars ed anche, a tratti, quello di Patrick Harreman dei connazionali Moon Of Sorrow.
Proprio questi ultimi, band capace di dare alle stampe alcuni album formidabili quanto sottovalutati all’inizio degli anni novanta, potrebbero essere audacemente considerati un possibile quanto inconscio punto di riferimento, soprattutto per l’aspetto melodico, anche perché i Doomcult sono comunque fedeli alla propria ragione sociale per cui i ritmi sono ovviamente più rallentati, ma una traccia come Ravens ne ricorda non poco le gesta, al netto di un sound più ruvido e privo dell’apporto delle tastiere.
Il musicista dei Paesi Bassi convince con il suo doom non così scontato, nonostante in sede di presentazione si citi l’immancabile triade albionica quale fonte di ispirazione, cosa che non mi trova affatto d’accordo dovendo basarmi su ciò che End All Life restituisce (forse qualcosa dei Paradise Lost, ma di primi Anathema e My Dying Bride non c’è alcuna traccia, direi); al di là di questo, che non è poi così importante, a fare molta della differenza sono le brillanti intuizioni chitarristiche che Arts dissemina in ogni brano, tenendosi alla larga da tentazioni sperimentali: qui il doom vien proposto in una forma ruvida, diretta e dannatamente efficace e, appunto, parzialmente inattesa visto il background musicale di Arts.
Non è un caso però, se i brani più efficaci sono anche i più movimentati, come Ravens e Wrath, ma nel complesso funziona tutto piuttosto bene all’interno di questi tre quarti d’ora di musica di grande sostanza.
End All Life rappresenta una bella novità che lascia una certa dose di curiosità nel vedere quali saranno le prossime mosse dei Doomcult.

Tracklist:
1. Angel
2. Master
3. Ravens
4. Wrath
5. Hammer
6. Dawn
7. End All Life

Line-up:
J.G. Arts Vocals, All instruments

DOOMCULT – Facebook

Clouds – Departe

Departe è uno dei capolavori dell’anno, in senso assoluto e non confinato alla nicchia del doom.

Quando qualche anno fa Daniel Neagoe, tra un capolavoro e l’altro dei suoi Eye Of Solitude, mise in piedi il progetto denominato Clouds, c’era la sensazione che potesse trattarsi di un progetto estemporaneo, per quanto splendido, alla luce di una line-up composita dal punto di vista logistico.

Oggi, anche se le redini compositive sono sempre ben salde nelle mani del musicista rumeno, con il secondo full length intitolato Departe, i Clouds fanno quel definitivo salto di qualità che conferma e rafforza il valore espresso con il precedente Doliu, facendolo apparire ancor più frutto del lavoro di una vera e propria band, e che band …
La definizione di supergruppo del funeral/death doom qui ci sta tutta e nessuno la può contestare: possiamo definire altrimenti un combo che presenta, oltre al proprio mastermind, il suo storico sodale Déhà (Deos, Slow, Imber Luminis, Yhdarl, We Al Die Laughing, e altri mille), Mark Antoniades (Eye Of Solitude), Jón Aldará (Hamferd, Barren Earth) Pim Blankenstein (Officium Triste), Natalie Koskinen e Jarno Salomaa (Shape Of Despair), Kostas Panagiotou (Pantheist, Wijlen Wij) e Shaun MacGowan (My Dying Bride)?
Non sempre la somma dei valori in campo corrisponde al prodotto finale, ed è proprio su questo punto che Departe ribalta le carte in tavola, riuscendo paradossalmente a spingersi anche oltre.
Clouds nasce come un progetto dedicato a chi non è più tra noi e questo, dal lato compositivo, si percepisce in ogni singola nota tramite la quale l’ascoltatore viene sommerso dalla commozione, il dolore ed il rimpianto, tutti sentimenti espressi da brani di bellezza irreale.
How Can I Be There è la prima gemma che si palesa alle nostre fortunate orecchie: una lunga e soffusa introduzione prepara il terreno al climax, che sopraggiungerà al momento dell’esplosione del growl di Daniel all’unisono con gli strumenti in sottofondo, seguendo un modus operandi non dissimile da quello degli Eye Of Soitude: nulla di strano, quando la mente compositiva è la stessa, ma nel sound dei Clouds è la malinconia, che questa traccia riesce a produrre a profusione, a prevalere sulla disperazione.
Migration è semplicemente uno dei brani più belli e toccanti mai ascoltati nella mia già abbastanza lunga vita di musicofilo: la voce spettacolare di Jón Aldará è il valore aggiunto, grazie a superlative clean vocals  che fungono da contrappeso ad un growl catacombale e a una struttura musicale che non lacera con il suo penoso incedere, bensì penetra e si insinua sottopelle con tutto il suo carico di nostalgico rammarico.
In The Ocean Of My Tears, interpretata da Natalie Koskinen, è un altro esempio di poesia musicale, introdotta da atmosfere dal sapore folk: ciò che nel brano si perde in drammaticità, si acquisisce in levità grazie alla voce della cantante finlandese e, in fondo, si rivela un mezzo diverso per evocare ugualmente quel senso di abbandono che nell’album non viene mai meno.
In All This Dark è uno dei sempre più frequenti brani in cui le clean vocals sono utilizzate in maniera consistente da Daniel Neagoe in alternativa al growl, a conferma di una crescita esponenziale negli ultimi anni della sua tecnica vocale, il che lo ha portato ad essere una delle migliori voci del metal odierno, non solo del genere specifico: anche quest’episodio conserva un livello di pathos non comune, pur mantenendo caratteristiche quanto mai atmosferiche.
E’ uno dei decani della scena, Pim Blankestein, storica voce degli Officium Triste, a prendere la scena nella magnifica Driftwood, assieme all’inconfondibile tocco chitarristico di Salomaa, che tesse nel finale una tela di passaggi indimenticabili.
La chiusura è affidata a I Gave My Heart Away, ed è inutile sottolineare quanto si tratti dell’ennesima gemma musicale, regalata a chi ne sa godere, contenuta in quest’album: chitarra, tastiere e violino producono un insieme che va a creare un contrasto esaltante con il growl, a sua volta appoggiato su un tappeto sonoro che, per quanto toccante, mostra fiochi barlumi di luce.
I Clouds rappresentano l’altra faccia della medaglia degli Eye Of Solitude, a ben vedere: se questi ultimi raffigurano in maniera tragica ed aspra il malessere esistenziale e la conseguente reazione all’ineluttabilità di un destino già scritto, i primi prefigurano una sorta di rassegnata accettazione di tutto questo, esprimendola con un sound più atmosferico e soffuso, dai toni consolatori.
Se vogliamo, anche il passaggio dal lutto (Doliu) alla lontananza (Departe) porta su un piano differente l’elaborazione del dolore: nel primo caso si descrivono la fase del distacco e le inevitabili lacerazioni che esso provoca, mentre nel secondo chi è scomparso fisicamente viene idealizzato spiritualmente in un non-luogo, il che consente di conservarne con nitidezza il ricordo, finendo per esacerbare ancor più il rimpianto .
Departe è uno dei capolavori dell’anno, e questo sia chiaro, in senso assoluto e non confinato alla nicchia del doom. Qui siamo di fronte ad un’opera d’arte musicale che travalica generi e mode, peccato per chi pensa che la musica debba essere solo allegra, con la finalità di far muovere le membra umane in una grottesca e plastificata simulazione di felicità; i Clouds, al contrario, conducono ad un’estasi raggiungibile necessariamente tramite una catarsi emotiva indotta dalla tristezza.
Qualcuno ha scritto che un essere umano incapace di emozionarsi fa paura: sottoscrivo in pieno.

Tracklist:
1. How Can I Be There
2. Migration
3. In the Ocean of My Tears
4. In All This Dark
5. Driftwood
6. I Gave My Heart Away

Line-up:
Daniel Neagoe – Drums, Vocals
Jarno Salomaa – Guitars
Déhà – Guitars, Bass
Kostas Panagiotou – Keyboards
Jón Aldará – Vocals
Pim Blankenstein – Vocals
Eek – Drums
Mark Antoniades – Guitars
Natalie Koskinen – Vocals
Shaun MacGowan – Violin

CLOUDS – Facebook

Suma – The Order Of Things

Il gruppo svedese è di un’altra categoria, e lo afferma ulteriormente con questo disco, capolavoro di musica pesante.

Dopo sei anni tornano i maestri del disordine rumoroso svedese i Suma, e lo fanno con un gran bel disco, The Order Of Things.

Il loro ordine delle cose è un forte impianto sonoro, fatto di un granitico muro del suono, figlio di distorsioni e pesantezze ritmiche. Non hai scampo dai Suma, perché tirano fuori il loro lato tribale, e tutto cambia. I Suma sono una band di culto, perché con i tre album precedenti sono riusciti a lasciare un’impronta indelebile nelle orecchie e nel cuore di chi vuole accogliere il rumore. Ma The Order Of Things alza ancora di più l’asticella, migliorandosi ulteriormente. Questo disco è davvero pesante ed immanente, colpendo con tutta la forza in maniera lenta. Qui non c’è molta velocità, ma troviamo una capacità di mettere in rumore le tenebre, dando spazio fisico alle nostre paure, ed alle nostre perversioni. La registrazione ed il mixaggio di Billy Anderson danno una forza ancora maggiore a questo nero monolite. I Suma sono il lato cattivo del post metal, il lato oscuro della luna, dove però è piacevole stare. Il gruppo svedese è di un’altra categoria, e lo afferma ulteriormente con questo disco, capolavoro di musica pesante. The Order Of Things è un ciclone di rumore e potenza, dovete solo sedervi e lasciarvi trascinare.

TRACKLIST
1.The Sick Present
2.Bait for Maggots
3.R P A
4.Being and/or Nothingness
5.Education for Death
6.Disorder of Things
7.The Greater Dying

LINE-UP
E
J
P
R

SUMA – Facebook

Riti Occulti – Tetragrammaton

La prestazione dei Riti Occulti è superba e mi costringe a ripetere (anche a chi non vuole sentire) che in Italia l’arte gravitante attorno alla scena metal è più che mai viva e ricca di musicisti ricchi di ispirazione e piglio innovativo.

Il terzo album dei Riti Occulti è la dimostrazione, per la band romana, di un’impressionante coerenza nei confronti del monicker prescelto, cosa non sempre scontata.

Chi si avvicinasse all’opera del gruppo laziale, infatti, si sorprenderebbe solo per la qualità musicale esibita, perché le sonorità non lasciano spazio a dubbi riguardo alla sincerità e alla competenza con la quale la materia occulta viene maneggiata.
E’ altresì vero che l’approccio dei Riti Occulti non possiede le connotazioni orrorifiche di molti che si cimentano in territori contigui e, del resto, anche la conformazione strumentale prescelta fornisce indizi di grande discontinuità: la rinuncia alla chitarra e l’utilizzo di due voci femminili, una affidata alle tonalità stentoree di Elisabetta Marchetti e l’altra allo spietato growl di Serena Mastracco (che ben conosciamo per la sua militanza nei Consummatum Est e nei Vidharr), costituiscono un indizio eloquente su quanto la band si muova con traiettorie oblique che attraversano le diverse sfumature della musica più oscura.
Non a caso mi trovo in seria difficoltà nel definire od avvicinare Tetragrammaton ad uno stile musicale ben preciso: probabilmente la base predominante è il doom, ma l’indole progressive e l’elemento psichedelico mescolano costantemente le carte in tavola, sicché l’album finisce per essere, come desiderato dai propri autori, un costante flusso sonoro in cui il basso martellante diviene un minaccioso rombo che, assieme a tastiere dal sapore antico e ad un drumming molto asciutto, funge da sottofondo alle evoluzioni delle due cantanti.
Tetragrammaton trova il suo fulcro nella quarta parte di Adonai, dove in avvio il basso di Niccolò Tricarico ricorda non poco quello di Waters nel finale di Echoes, e nell’intensità spasmodica della conclusiva Yetzirah, essendo i due brani che maggiormente colpiscono, pur essendo tutt’altro che di semplice fruibilità.
Il lavoro, infatti, costringe l’ascoltatore a non abbassare mai la soglia dell’attenzione, perché anche nei rari momenti in cui l’album pare assumere uno schema compositivo più tradizionale, avvicinandosi al doom con voce femminile in stile Jex Thoth, aleggia sempre un sottofondo sonoro che non lascia respiro, tra dissonanze ritmiche e atmosfere cariche di tensione che trova sublimazione nell’efferato growl della Mastracco.
La prestazione dei Riti Occulti è superba e mi costringe a ripetere (non che mi dispiaccia, ma ho sempre più netta la sensazione che sia fatica sprecata) che in Italia l’arte che gravita attorno alla scena metal è più che mai viva e ricca di musicisti ricchi di ispirazione e piglio innovativo. Poi sarò smentito, e ne sarò felice, ma sono sicuro che fuori dai nostri confini una band come questa si è già guadagnata una buona fetta di estimatori, mentre dalle nostre parti lo si può solo sperare .…

Tracklist:
01 – Invocation of the Protective Angels
02 – Adonai I
03 – Adonai II
04 – Adonai III
05 – Adonai IV
06 – Atziluth
07 – Beri’Ah
08 – Yetzirah
09 – Assiah

Line-up:
Serena Mastracco: Harsh Vocals
Elisabetta Marchetti: Clean Vocals
Niccolò Tricarico: Bass
Francesco Romano: Drums
Giulio Valeri: Synthesizers

RITI OCCULTI – Facebook

Cóndor – Sangreal

I ragazzi colombiani offrono un’interpretazione della materia così genuina che pare arrivare da altri tempi, ed è proprio questo che rende ben più che degno di un ascolto il loro sforzo compositivo.

E’ il nome del volatile andino per eccellenza il monicker scelto dai colombiani Condor, autori di un doom dai tratti epici.

Sangreal è il terzo full length della band di Bogotá, che si disimpegna piuttosto bene offrendo una cinquantina di minuti di musica intensa, in molti tratti evocativa, nonché piuttosto vintage per approccio e scelta dei suoni.
Proprio tale aspetto costituisce croce e delizia di un lavoro che, se guadagna senz’altro in spontaneità ed immediatezza, perde molto però per ciò che riguarda esecuzione e produzione.
L’arrangiamento minimale e l’inserimento di vocals pulite sicuramente rivedibili (in particolare nella title track) sono le pecche maggiori di Sangreal, che resta comunque un opera di un certo valore, proprio per il suo distanziarsi anche stilisticamente dalla maggior parte delle produzioni odierne.
I ragazzi colombiani offrono, in fondo, un’interpretazione della materia così genuina che pare arrivare da altri tempi, ed è proprio questo che rende ben più che degno di un ascolto il loro sforzo compositivo.
La parte centrale, contraddistinta da due brani molto intensi come Viejo Jabalí e Outremer, è quella che offre il meglio, ma nel complesso l’operato dei Condor è apprezzabile nel suo insieme, a patto di non soffermarsi troppo sugli aspetti meramente formali e chiudendo un occhio su qualche ingenuità che fa capolino qua e là all’interno della tracklist: questo è un bel doom, suonato e composto con passione, e di solito chi apprezza il genere non è ossessionato dalle raffinatezze stilistiche, o sbaglio ?

Tracklist:
1. Sangreal
2. Se extienden las sombras
3. Viejo jabalí
4. Outremer
5. Sainte-Terre
6. El árbol de la muerte
7. Roncesvalles

Line-up:
Andrés Vergara – Drums
Antonio Espinosa – Guitars, Vocals
Jorge Corredor – Guitars
Francisco López – Guitars
Alejandro Madiedo – Bass

CONDOR – Facebook

Abysmal Grief – Reveal Nothing…

Una raccolta irrinunciabile per i fans degli Abysmal Grief, nonché una maniera ideale di approcciarsi alla loro funerea arte per chi ancora colpevolmente non li conoscesse.

Sono già passati vent’anni da quando, in qualche anfratto di Genova, qualcuno decideva di mettere in musica la rappresentazione della morte, rendendo la materia doom un qualcosa di profondamente liturgico e sviscerando tutto quanto sia connesso con il momento del trapasso, senza lasciare da parte, però, una sottile vena di humor nero.

Gli Abysmal Grief sarebbero diventati in seguito i veri sacerdoti dell’horror/occult metal tricolore nel nuovo millennio, acquisendo uno status di culto riconosciuto anche fuori dai confini, in virtù di un sound peculiare che unisce il gothic alla Fields of the Nephilim alle ritmiche cadenzate del doom, con la decisiva immissione di quella gustosa componente horror che in Italia non ha eguali grazie a nomi quali Death SS e Antonius Rex, tra gli altri.
La ricorrenza viene così festeggiata con la pubblicazione (il 2 novembre …) di un box a forma di bara, contenente il cd Reveal Nothing… e la cassetta Mors Te Audit, contenente il secondo demo realizzato all’epoca in versione limitata di 13 copie.
L’operazione si rivela quanto mai esaustiva, in quanto il cd contiene di fatto tutti i brani incisi dagli Abysmal Grief che non sono mai stati inseriti in un loro full length: troviamo, quindi, una spettacolare sequela di tracce riconducibili alla miriade di singoli e split album che i nostri non hanno mai lesinato in tutti questi anni.
Un vero godimento per chi ama questa particolare forma musicale ed è irresistibilmente attratto da quanto, normalmente, nelle persone comuni provoca terrore o repulsione; e, in fondo, il trucco sta tutto qui: giocare con la morte per esorcizzarne il naturale timore e in qualche modo rendere più accettabile il suo incombere.
Detto questo, non resta che rendere onore a questa band facendo proprio questo prezioso prodotto che, oltre all’originale confezione, consente di godere dell’ascolto di una serie di brani magnifici, a partire dall’inedito Cursed Be The Rite, perfettamente in linea con la produzione recente, dai ritmi più incalzanti e meno doom nella sua impronta, una differenza che si coglie peraltro, in maniera evidente, ascoltando subito dopo Exsequia Occulta, alla superba traccia risalente al 2000, passando per il climax orrorifico corrispondente a Creatures Fron The Grave (tratta dallo split del 2004 con Tony Tears).
Insomma, una raccolta irrinunciabile per i fans degli Abysmal Grief, nonché una maniera ideale di approcciarsi alla loro funerea arte per chi ancora colpevolmente non li conoscesse.

Tracklist:
1. Cursed Be The Rite (Bonus Track – recorded in 2016)
2. Exsequia Occulta (2000 – Exsequia Occulta MCD)
3. Sepulchre Of Misfotune(2000 – Exsequia Occulta MCD)
4. Hearse (2002 – Hearse 7”EP)
5. Borgo Pass (2002 – Hearse 7”EP)
6. Creatures From The Grave (2004 – Split W/Tony Tears 7”EP)
7. Brides Of The Goat (2009 – Split W/Denial Of God 7”EP)
8. The Samhain Feast (2009 – The Smhain Feast 7”EP)
9. Grimorium Verum (2009 – The Smhain Feast 7”EP)
10. Celebrate What They Fear (2012 – Celebrate What They Fear 7”EP)
11. Chains Of Death (2012 – Celebrate What They Fear 7”EP)

Tape
1. Intro
2. Open Sepulchre
3. Ignis Fatuus
4. Hearse
5. Grimorium Verum

Line-up:
Lord Alastair – Bass
Lord of Fog – Drums
Regen Graves – Guitars
Labes C. Necrothytus – Keyboards, Vocals

Revelations Of Rain – Akrasia

L’ennesimo magnifico parto di una scena russa composta da una moltitudine di band in grado di elevare il funeral/death doom ai suoi massimi livelli.

Giunti al loro quinto full length, i russi Revelations Of Rain (o Otkroveniya Dozhdya, come sono conosciuti nella loro lingua) regalano agli appassionati di death doom un lavoro di elevato spessore, in grado di racchiudere quanto di meglio la scenda estrema della musica del destino ha offerto in questi ultimi anni.

Rispetto al precedente Deceptive Virtue, che già si segnalava come un magnifico disco, la band proveniente da Podolsk inasprisce non poco un sound che trovava le sue fondamenta nell’essenza più melodica del genere (My Dying Bride, Saturnus, Swallow The Sun, Ea) attingendo ad elementi di dissonanza che rimandano agli Esoteric, a certe aperture riconducibili ai Monolithe, oltre che alla cupa indole nichilista dei Comatose Vigil.
Certo, del funeral qui c’è più un’attitudine che la forma vera e propria, visto che i ritmi non sono quasi mai soffocanti ma semmai lo sono le strutture dei brani, che restano arcigni pur se pervasi da splendide melodie.
Proprio questo suo essere algido e nel contempo emozionale è il punto di forza di Akrasia, un lavoro che al primo impatto lascia più di una perplessità e al quale, pertanto, bisogna assolutamente dare il tempo di crescere, ascolto dopo ascolto, giorno dopo giorno.
Poi, sarà anche perché dopo tre anni ci abbiamo ormai fatto l’abitudine ad album cantati un po’ in tutte le lingue, il fatto che i Revelations Of Rain continuino ad utilizzare il loro idioma natio non costituisce più un problema, anzi, forse consente loro di aumentare l’impatto e la convinzione con cui si propongono anche al pubblico straniero.
Come in Deceptive Virtue, l’elemento predominante è la chitarra solista di Yuriy Ryzhov, capace di sfornare quasi a getto continuo melodie splendide e dolenti, supportato al meglio dal growl massiccio del fondatore (nonché chitarrista) Ilya Remizov e, fatto salvo l’ordinario strumentale Instead Of A Thousand Words, Akrasia è uno scrigno colmo di gioielli preziosi, tra i quali i più splendenti sono una magistrale In Joy And Sorrow e l’accoppiata finale Root Of All Evil e On Snow Wings.
Più ombroso rispetto al predecessore, l’ultimo album dei Revelations of Rain appare però più profondo e capace di reggere in maniera prolungata gli ascolti, mostrandosi, in ogni caso, l’ennesimo magnifico parto di una scena russa composta da una moltitudine di band in grado di elevare il funeral/death doom ai suoi massimi livelli.

Tracklist:
1. Altar’ Bludnic – Altar Of Whores
2. Skvoz’ Noch’ Fobetora – Through Phobetor’s Night
3. Jeshafot – Scaffold
4. V Grusti I Radosti – In Joy And Sorrow
5. Vmesto Tysjachi Slov – Instead Of A Thousand Words
6. Demony Miloserdija – Demons Of Mercy
7. Koren’ Vseh Bed – Root Of All Evil
8. Na Snezhnyh Kryl’jah – On Snow Wings

Line-up:
Olesya Muromskaya – Bass
Ilya Remizov – Vocals, Guitars
Denis Demenkov – Drums
Yuriy Ryzhov – Guitars

REVELATIONS OF RAIN – Facebook

Uncoffined – Ceremonies of Morbidity

Un album che ribadisce con forza, semmai l’avessimo dimenticato, quale sia la vera patria del genere.

Sicuramente, se si cerca del death doom della vechcha scuola suonato con proprietà e competenza, l’approdo in terra albionica è una sorta di certificato di garanzia.

Gli Uncoffined provengono, appunto, da Durham ed esprimono in maniera ideale questo stile musicale: Ceremonies of Morbidity è il loro secondo full length che conferma il buon livello già raggiunto con il precedente Ritual Death and Funeral Rites, grazie alla coesione di un gruppo di musicisti capaci di mettere a frutto l’esperienza maturata in passato.
Il motore della band è la cantante batterista Kat Shevil, attiva nella scena britannica fin dai primi anni novanta, guida del manipolo di dannati che ne accompagna l’efferato rantolo; Ceremonies of Morbidity è un lavoro che, con soli cinque brani, supera l’ora di durata ma tutto sommato il peso di tutto ciò non si avverte più di tanto: se si apprezza il genere non sarà un problema convivere con il sound pachidermico ma sufficientemente dinamico offerto dal quartetto.
Grazie ad una produzione efficace ma che lascia al sound quella “sporcizia” che ben gli si addice, l’album lascia il segno, mantenendo una sua drammaticità di fondo, dovuta anche all’inserimento di numerosi samples che rimandano agli horror in bianco e nero dello scorso secolo, e si pone una spanna al di sopra delle uscite di stampo analogo che mi è capitato di commentare ultimamente, alle quali mancava quella profondità che, invece, gli Uncoffined riescono ad imprimere con forza al lavoro.
Della tracklist segnalo gli ultimi due brani, Ill Omens of Death and Disease e Awakened from Their Dormant Slumber, che forse più degli altri si snodano lungo le coordinate che preferisco, quando il death doom volge lo sguardo ai dsichi d’esordio di Cathedral e Anathema, o all’unico splendido full length pubblicato dagli effimeri Decomposed: qui gli Uncoffined esprimono il meglio, ma non demeritano assolutamente anche nel resto di un album che ribadisce con forza, semmai l’avessimo dimenticato, quale sia la vera patria del genere.

Tracklist:
1. The Horrors of Highgate
2. Plague of the Uncoffined
3. Ceremonies of Morbidity
4. Ill Omens of Death and Disease
5. Awakened from Their Dormant Slumber

Line-up:
K.Shevil – Vocals, Drums
G.Hall – Guitars
Jonny Rot – Guitars
Gory Sugden – Bass

UNCOFFINED – Facebook

Gespenst – Forfald

I Gespenst scarnificano e rimodellano in più occasioni il loro black, donandogli pulsioni doom, ambient e rendendolo sempre e comunque poco rassicurante.

Da due quarti dei temibili Wobegone Obscured prendono vita i Gespenst, di stanza ad Aarhus ma, di fatto, per metà francesi, visto che il sedicente Galskab è il Quentin Nicollet che troviamo anche nei validi Dwell, nonché nelle vesti del Q. Woe dei doomsters estremi danesi.

Il progetto è stati avviato diversi anni fa da Genfærd (alias M.Woe) ma appare molto più di un semplice sfogo collaterale: se black metal deve essere, questo non è davvero né malleabile né scontato, visto che il duo (coadivuato alla batteria da Andreas Joen) lo scarnifica e lo rimodella in più occasioni, donandogli pulsioni doom, ambient e rendendolo sempre e comunque poco rassicurante.
Il bello di tutto questo è che resta ugualmente rinvenibile una linea guida melodica che consente di non smarrirsi, neppure quando sono pesanti dissonanze ad occupare la scena (Sorgens Taage e Min sjael raadner) oppure è la studiata lentezza del doom ad emergere con prepotenza (Revelation of Maggots); è magnifica, infine, nella sua solenne ed apocalittica ferocia, la conclusiva Life Drained to the Black, solo leggermente più fruibile per soluzioni ritmiche rispetto al resto del disco.
Forfald è un lavoro dannatamente difficile da decifrare, perché quando sembra scivolare via senza lasciare alcuna traccia si insinua subdolamente sottopelle invitando ad approfondirne i contenuti, ed è quello il momento in cui si comprende appieno che, quando il black metal è suonato e composto da musicisti capaci, esperti e soprattutto credibili come lo sono i Gespenst, si trasforma in una forma artistica che può rivelarsi trascurabile solo per chi non abbia voglia di ascoltarla per partito preso.

Tracklist:
1. Sorgens Taage
2. Revelation of Maggots
3. Min sjael raadner
4. Life Drained to the Black

Line-up:
Genfærd Guitars, Synths
Galskab Vocals, Bass

GESPENST – Facebook

Black Oath – Litanies In The Dark

Litanies In The Dark offre una ventina di minuti dall’indubbia qualità che servono a tenere viva l’attenzione nei confronti degli ottimi Black Oath

Nuovo Ep per i Black Oath, una delle migliori band italiane dedite al doom nelle sue sembianze più classiche.

Litanies In The Dark esce esattamente un anno dopo l’ottimo To Below and Beyond, lavoro che aveva consolidato lo status del gruppo milanese quale interprete credibile della musica del destino nella sua essenza più pura. In quest’occasione i nostri ci regalano tre brani inediti oltre ad una magnifica cover (Reincarnation Of The Highway Cavalier) che in realtà è molto di più, trattandosi del medley di due brani contenuti in The Time Lord, ep dei Pagan Altar  del 2004.
Detto dell’ottima riuscita di questa versione, va rimarcato sopratutto il brano d’apertura, …From Here, vero marchio di fabbrica dei Black Oath, sempre guidati dalla voce stentorea di A.Th, cerimoniere che ha il compito di introdurci in un mondo parallelo in cui l’occulto ed il sacrilego vanno a braccetto, provocando brividi ed inquietudine senza dover nemmeno ricorrere a particolari artifici.
Davvero una magnifica canzone, questa, alla quale fanno da corollario gli altri due inediti strumentali, la più composita Funeral Alchemy e una A Song To Die With che sfuma misteriosamente sul più bello dopo due minuti, proprio quando stava prendendo corpo un coinvolgente crescendo.
In sintesi, Litanies In The Dark offre una ventina di minuti dall’indubbia qualità che servono a tenere viva l’attenzione nei confronti degli ottimi Black Oath, in attesa di una prossima prova su lunga distanza.

Tracklist:
1. …From Here
2. Funeral Alchemy
3. Reincarnation Of The Highway Cavalier
4. A Song To Die With

Line-up:
A.Th – Vocals, Guitars
Chris Z. – Drums
B. R. – Guitars

BLACK OATH – Facebook

Soliloquium – An Empty Frame

An Empty Frame è un album sorprendente, se non per spunti innovativi, sicuramente per la qualità compositiva esibita da musicisti capaci di spaziare, con grande disinvoltura, fra diverse sfumature ed umori.

An Empty Frame è il full length d’esordio degli svedesi Soliloquium, un duo attivo dall’inizio del decennio e che, dopo l’accordo con la label americana Transcending, qualche mese fa aveva pubblicato una compilation (Absence) nella quale venivano racchiusi i brani contenuti nel demo e nei due ep usciti tra il 2012 ed il 2013.

Stefan Nordström e Jonas Bergkvist sono attivi anche in due death band, i Desolator e gli Ending Quest, e con i Soliloquium spostano il loro raggio d’azione verso suoni ben più malinconici, andandosi a muovere su terreni cari a connazionali quali Katatonia, October Tide e When Nothing Remains, senza perdere di vista ovviamente la scuola inglese del death doom.
Ciò che ne scaturisce, An Empty Frame, è così un album sorprendente se non per spunti innovativi, sicuramente per la qualità compositiva esibita da musicisti capaci di spaziare, con grande disinvoltura, fra diverse sfumature ed umori.
Così si passa in un attimo dall’opener Eye of the Storm, in pieno stile Novembers Doom, quindi una cavalcata death doom piuttosto arcigna, alle atmosfere liquide e rarefatte di Earthly Confine, canzone splendida nella quale si possono apprezzare le clean vocals di Nordström, per poi proseguire con brani che fondono sapientemente i due aspetti, attingendo ovviamente alla tradizione scandinava ma senza disdegnare appunto sconfinamenti oltreoceano, tra Novembers Doom e Daylight Dies (The Sorrow Path, With or Without, The Observer e Procession) e chiudere infine con lo strumentale Fear Not, dai tratti sognanti che ne spingono le note ai confini del postmetal.
An Empty Frame è un lavoro di grande pulizia esecutiva, ben costruito e ricco di ottimi spunti disseminati in ciascuna traccia: ci sono tutti i motivi, quindi, per ascoltarlo e farlo proprio.

Tracklist:
1. Eye of the Storm
2. Earthly Confine
3. The Sorrow Path
4. With or Without
5. The Observer
6. Procession
7. Fear Not

Line-up:
Stefan Nordström – vocals, guitars
Jonas Bergkvist – bass
Mortuz – drums
Mike Watts – electronics

SOLILOQUIUM – Facebook

Soothsayer – At This Great Depth

Un lavoro di notevole interesse che potrebbe trovare estimatori anche tra chi apprezza il post hardcore meno estremizzato, per cui resta solo da attendere i Soothsayer alla prima prova su lunga distanza.

At This Great Depth è il secondo ep per gli irlandesi Soothsayer, dopo quello omonimo d’esordio pubblicato l’anno scorso.

I due lunghi brani che compongono il lavoro sono intrisi di una forma di doom che viene definito atmosferico ma, in realtà, appaiono molto più vicini a certo postmetal nei suoi passaggi più aspri, complice anche un’interpretazione vocale affine a quelle di band tipo Amenra, per intenderci.
Ciò si verifica principalmente nella prima traccia, Umpire, che dopo un inizio liquido si snoda in un flusso sonoro intriso di una rabbiosa tensione emotiva.
L’etichetta doom si addice maggiormente al brano successivo, Of Locusts and Moths, anch’esso decisamente valido: qui viene lasciato un certo spazio alla chitarra solista che tesse melodie di un pregio benché sia, di volta in volta, screziata da accelerazioni repentine che ben vanno a variare i ritmi senza rendere frammentario il sound.
Un lavoro di notevole interesse che potrebbe trovare estimatori anche tra chi apprezza il post hardcore meno estremizzato, per cui resta solo da attendere la band di Cork alla prima prova su lunga distanza, alla luce di una capacità di scrittura che dovrebbe consentire lo spingersi su un minutaggio superiore senza subire alcun contraccolpo.

Tracklist:
1. Umpire
2. Of Locusts and Moths

Line-up:
Líam Hughes – Vocals/Noise
Con Doyle – Guitar/Vocals
Marc O’Grady – Guitar
Pavol Rosa – Bass
Will Fahey – Drums

https://www.facebook.com/soothsayerdoom

PLATEAU SIGMA

Intervista ai liguri Plateau Sigma, una delle migliori espressioni odierne del doom metal italiano.

Intervista ai liguri Plateau Sigma, una delle migliori espressioni odierne del doom metal italiano. Ha risposto alle nostre domande il bassista Maurizio Avena.

iye Cominciamo dalla fine: qualche settimana fa ci siamo visti in occasione del vostro concerto al Pinelli ed io, per assurdo, sembravo più incazzato di voi per la carenza di pubblico. Non essendo un musicista, mi sono sempre chiesto cosa si prova a suonare per pochi intimi, specialmente quando si ha consapevolezza del valore della propria proposta, certificata per di più da pareri unanimemente positivi. In questo casi cosa passa per la testa a chi sta sul palco ?

Beh, direi che alla fine ci si fa l’abitudine, peccato per la serata perché era organizzata bene, comunque la Liguria in generale è “ahimè” da scartare per la scena live, vuoi per lo scarso interesse a generi più estremi e vuoi anche al nullo legame che collega le band “Metal” liguri (e italiane).
Comunque non è la prima volta che succede, ovvio che magari rimani un po’ imbarazzato a suonare davanti a pochi eletti, qualcuno si scoccia pure, però si tira avanti perché sai che vale la pena fare un bel live anche davanti a “quattro gatti”.

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iye Mi riallaccio alla domanda precedente chiedendovi, in base alle esperienze maturate in questi anni, se la relativa ricettività del pubblico è un problema circoscritto alla “tipica accoglienza ligure”, oppure se anche altrove la risposta è più meno la stessa.

No beh ahaha! La “tipica accoglienza ligure” è un mito che a volte espatria dalla regione.
Parlerei però di “pigrizia musicale” e di altre robe per cui potrei esser tacciato per “Trve”.
Le date coi Novembre sono state contraddistinte da un pubblico caldissimo, soprattutto a Bologna dove abbiamo trovato un riscontro che ci ha lasciati spiazzati in positivo, e poi a Pescara all’Orange e in altre realtà!
Ci sono ancora vari barlumi di speranza!

iye Indubbiamente, suonare un genere complesso e sicuramente non “divertente”, nell’accezione più banale del termine, fa il resto, specie in una nazione dove la cultura musicale sembra essere ormai uno sbiadito ricordo. Ecco, quando e come nasce, in voi, la passione per il doom ?

Il doom ci ha sempre accompagnati, diciamo che nasce grazie al filo conduttore dei Katatonia/Paradise Lost per arrivare al funeral doom degli Ahab/Evoken.
Certo non possiamo dimenticare il doom più classico (Black Sabbath/Saint Vitus), alcuni di noi si sono avventurati poi in generi diversi tralasciando un po’ il filone centrale e conduttore.
Comunque è indiscutibile che il doom in ogni sua forma sia il sottogenere più variopinto ed espressivo.

iye La genesi dei Plateau Sigma risale all’inizio del decennio e da allora ne sono scaturite tre opere (un ep e due album su lunga distanza) segnate da un continuo crescendo artistico e compositivo. Come ho già sostenuto in altre sedi, la vostra collocazione all’interno di un genere non è poi così definita oggi, anche se le sonorità pesanti e sovente rallentate riconducono per forza di cose al doom. Un percorso evolutivo di questo tipo avviene sempre in maniera naturale o è in qualche modo condizionato dalla “musica che gira intorno” ?

Direi che la “musica che gira intorno” condiziona eccome le nostre sonorità e penso sia un bene. Come collocazione ci sentiamo “doom e qualcosa”, ma alla fine le etichettature sono molto soggettive, o forse no?

iye Anche se non siete attivi da moltissimi anni, non si può fare a meno di notare che la vostra line-up fino ad oggi è rimasta immutata: siete davvero così affiatati oppure ogni tanto capita anche a voi di mandarvi reciprocamente al diavolo ? E come vi suddividete i ruoli a livello compositivo ed organizzativo

La line-up rimarrà questa finché gli dei ci propizieranno, ahahah.
A parte gli scherzi direi che si è creato un forte legame e ognuno di noi ha dei ruoli chiave in tutto.
Chi si getta più sulla composizione (in primis Manuel che è il nostro motore compositivo principale) e chi nell’organizzare live, suoni, merchandising e a propagare il nostro verbo sul web (e non).
Ogni tanto ci si manda al diavolo ma con quell’amore fraterno da sorrisi e schiaffoni!

iye E’ sicuramente intrigante lo scambio di ruoli, sia alla voce che allo strumento, che vede protagonisti Francesco e Manuel. E’ un’intesa che è sgorgata in maniera naturale oppure ha avuto bisogno di diversi aggiustamenti nel tempo?

Nacque durante delle prove, serviva una voce “sporca” e Manuel non riusciva a interpretare entrambi i ruoli vocali: Francesco allora provò a cimentarsi da zero e da lì nacque il suo soprannome “Holy Growl” perché difatti fu una manna dal cielo.

iye Non siete i soli, tra le band italiane, ad essere affascinati dalla mitologia e dalla cultura latina; nel vostro caso il connubio tra il genere musicale ed i testi è piuttosto inusuale, visto che di solito certe tematiche sono più frequenti nella band che suonano black o epic/folk metal. Da dove nasce questa vostra passione ?

La storia sempre ha legato il nostro interesse, soprattutto per me e Manuel.
Da qui nasce la voglia di tramandare le gesta e la cultura della nostra storia. I testi sono comunque sognanti e ritualistici e metafisici, non saranno mai diretti come quelli dei sopracitati generi.

iye Si può parlare dell’esistenza di una scena doom, a livello nazionale, oppure tra le varie band i rapporti sono occasionali e legati solo alle occasioni live ?

Esiste eccome una scena doom a livello nazionale, i rapporti sono occasionali e non molto scontati: come sempre alcune band tengono a tirare il naso all’insù o forse a ignorare la presenza di altre realtà.

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iye In questi anni di intensa attività avete avuto l’occasione di dividere il palco con band di riconosciuta levatura (ultimi in ordine di tempo i redivivi Novembre): qual è stato il concerto che vi ha dato le maggiori soddisfazioni e chi, tra i vostri occasionali compagni di avventura, vi ha più impressionato per qualità artistiche ed umane ?

Sicuramente uno dei concerti più belli è stato quello di Bologna coi nostri amici Novembre!! Un riscontro così caloroso e un pubblico fomentato ci hanno ripagati della strada, sono nate anche varie amicizie, è stata una bellissima esperienza. Come compagni di avventure non possiamo dimenticare i nostri amici (EchO) con cui abbiamo stretto legami che vanno anche al di fuori della musica.

iye L’approdo alla Avantgarde Music per una band costituisce una sorta di imprimatur qualitativo: per un musicista quanto è importante avere alle spalle un’etichetta strutturata ad un livello più professionale ?

E’ estremamente importante, è una sicurezza, con Roberto abbiamo un ottimo rapporto e abbiamo trovato una grande professionalità.

iye In assoluto, nel panorama musicale mondiale, quale è stata la band emersa negli ultimi anni che vi ha maggiormente impressionato per impatto e potenziale innovativo ? Mentre, per quanto riguarda il solo ambito doom, quali sono state le principali fonti di ispirazione ?

Ultimamente non mi viene in mente nulla di rilevante e impressionante … sarà la memoria lenta del mio database. In ambito doom, le maggiori influenze derivano dalla scena di Albione (ovvero Anathema, Paradise Lost, My Dying Bride), dagli svedesi Katatonia e da classici come Black Sabbath.
Ovviamente anche il funeral degli Evoken, Ahab, Mournful Congregation, diSEMBOWELMENT e Thergothon e altro.

iye Per curiosità, quando avete deciso di intitolare Rituals il vostro ultimo album, eravate a conoscenza che un mese prima sarebbe uscito con lo stesso titolo anche il nuovo lavoro deii Rotting Christ, oppure lo avete scoperto solo a giochi fatti?

No, non ne eravamo a conoscenza (ahah) però la coincidenza ci lasciò sorpresi e divertiti.

iye Prossimi impegni ? So che suonerete il 27 novembre a Misano con Ahab e The Foreshadowing e poi, come mi ha anticipato Manuel, comincerete a pensare al nuovo disco. Cosa ci dobbiamo aspettare ?

Stiamo organizzando un paio di date e siamo in cerca di live! Dal nuovo lavoro ci si può attendere un disco ulteriormente migliorato nella compattezza, nelle atmosfere e nel songwriting, rispettando sempre le nostre influenze.

Doomed – Anna

Doomed è ormai un marchio di qualità all’interno della scena doom, così come lo è la tipica copertina a sfondo verde che contraddistingue ogni sua uscita.

I Doomed, creati da Pierre Laube cinque anni fa, sono diventati in poco tempo uno dei nomi più interessanti della scena death doom europea.

A questo non ha contribuito solo la prolificità del musicista tedesco che, in media, ha pubblicato un full length all’anno, ma anche e soprattutto la qualità dei suoi lavori ai quali si unisce una indubbia peculiarità sonora.
Con Anna, i Doomed (tecnicamente un progetto solista di Laube, il quale ricorre però a diverse collaborazioni al momento dell’incisione dei dischi, diventando una band vera e propria in sede live) raggiungono il picco della loro produzione, grazie ad un songrwiting aspro ed intenso e ad un’esecuzione di grande spessore esaltata da una produzione perfetta.
L’album ruota attorno ad un concept piuttosto crudo che, descrivendo la storia di Anna, bambina che ha visto morire il padre durante la deportazione nazista, prende in esame il dramma della guerra visto e subìto dalla parte dei bambini, un argomento ben presente, purtroppo, in ogni fase della storia dell’umanità.
Il sound risente a livello di umore dei temi trattati, anche se per assurdo i momenti melodici persistono ugualmente e tutto sommato in misura non minore rispetto al passato: il fatto è che questi sono perfettamente inglobati all’interno di un mood drammatico, a tratti così violento da restituire pari pari la rabbia ed il dolore che l’argomento riesce ad evocare.
Il fulcro di Anna lo si ritrova nella sua parte centrale, quando due brani magnifici quanto differenti come The Weeping Trees e Withering Lives tratteggiano un’immagine nitida delle doti compositive di Pierre Laube: se nella prima traccia l’effetto straniante viene provocato da un intreccio vocale tra il nostro e la cognata Daniela, tra dissonanze ed aperture melodiche (qui l’assolo di chitarra è magnifico), la seconda è una vera e propria mazzata che si concretizza tramite una ritmica squadrata, riff pesantissimi e lo screaming dell’ospite Kris Clayton (Camel Of Doom) che ne moltiplica il livello di efferatezza.
Come detto anche in passato, il death doom dei Doomed è sovente sbilanciato sulla prima componente a livello sonoro, ma della seconda è del tutto intriso l’umore di un sound compresso da un livore sordo che ben esprime la reazione dell’artista nei confronti degli avvenimenti descritti.
Doomed è ormai un marchio di qualità all’interno della scena, così come lo è la tipica copertina a sfondo verde che contraddistingue ogni sua uscita, diventata ormai un appuntamento fisso in grado di ricordarci che il doom può essere anche una forma di reazione decisa nei confronti delle brutture che ci circondano, e non solo un malinconico e disperato ripiegarsi su sé stessi che è, invece, il leit motiv della sua frangia più melodica.
Entrambe le opzioni, comunque, sono assolutamente gradite, anzi, direi di più, necessarie …

Tracklist:
1. Your Highness The Chaos
2. Anna
3. As The Thoughts Began To Be Tarnish
4. The Weeping Trees
5. Withering Leaves
6. Roots Remain
7. The Frozen Wish

Line-up:
Pierre Laube – Vocals, All Instruments

Guest musicians:
Ed Warby (Hail Of Bullets / Ayreon / The 11th Hour, ex-Gorefest) – lead vocals on “The Frozen Wish”
Markus Hartung (Panzerkreuzer) – add. vocals on “Your Highness The Chaos”
Kris Clayton (Camel Of Doom, ex-Esoteric) – add. vocals on “Withering Leaves”
Daniela Laube – add. backing vocals on “The Weeping Trees”
Uwe Reinholz (Oak Ridge) – add. solo guitar on “Wither Leaves

DOOMED – Facebook

Haunted – Haunted

Un’altra opera affascinante proveniente da una Sicilia nella quale sono sempre più curioso di fare un salto per scoprire il segreto di una tale magnificenza musicale.

Esordio omonimo per questo quintetto doom stoner siciliano, nato solo lo scorso anno in quel di Catania e che annovera tra le sue fila Frank Tudisco, un passato nei seminali Sinoath e bassista nella nuova formazione degli storici Schizo.

Nelle nostre due isole maggiori deve nascere qualche pianta a noi sconosciuta, dagli effetti collaterali tremendamente allucinogeni, vista (e non è la prima volta che lo scrivo) la qualità altissima delle uscite discografiche nel genere, confermate pure da questa pesantissima opera degli Haunted.
La grafica che accompagna l’album (ad opera di Sandro Di Girolamo, leader degli straordinari psycho-stoner palermitani Elevator To The Grateful Sky) ricorda le opere doom settantiane e soprattutto gli album usciti per la Rise Above del sommo sacerdote Lee Dorrian, impressione confermata dal sound di cui che si avvicina a quanto fatto da Orange Goblin ed Electric Wizard.
Una voce femminile (Cristina Chimirri), ci accompagna in questo trip doom messianica di una potenza pari ad un eruzione vulcanica, le sei corde ribassate fino al limite, il basso che pulsa come il cuore di un gigante addormentato e le pelli che si squarciano sotto i colpi inferti da Valerio Cimino, formano un monolite sonoro di impressionante potenza e pesantezza.
Non manca, come spiegato, quella componente psichedelica che è ormai tradizione per i gruppi che provengono dal profondo Sud, come dal bel mezzo del Mediterraneo, che rende l’opera ancora più sabbatica e disturbante, facendoci perdere a lunghi tratti la bussola nel mezzo del magma sonoro che il gruppo catanese ci rovescia addosso.
Cinque brani per più di quaranta minuti di musica del destino dall’inquietante incedere, un mega trip che ci incatena alla poltrona e ci invita ad un diabolico sabba, ipnotizzante e pericolosissimo, una lunga e drammatica avventura persi in deserti oscuri dove il sole è una palla di micidiale catrame nerissimo e caldissimo, una lenta agonia che ha nelle sabbatiche note del singolo Silvercomb, dell’opener Nightbreed e della conclusiva title track le sue magmatiche perle nere.
Un’altra opera affascinante proveniente da una Sicilia nella quale sono sempre più curioso di fare prima o poi un salto per scoprire il segreto di una tale magnificenza musicale.

TRACKLIST
1. Nightbreed
2. Watchtower
3. Silvercomb
4. Slowthorn
5. Haunted

LINE-UP
Valerio Cimino – Drums
Cristina Chimirri – Vocals
Frank Tudisco- Bass
Francesco Orlando – Guitars
Francesco Bauso – Guitars

HAUNTED – Facebook

Atten Ash – The Hourglass

The Hourglass non cede mai per intensità emotiva e stupisce per la sua qualità a prova di comparazione: non c’è infatti un solo brano che non meriti d’essere ricordato o che non contenga momenti di memorabile ed evocativo lirismo.

Non è mai troppo tardi per recuperare un bel disco, anche se questo è stato edito per la prima volta come autoproduzione nel 2012, per essere poi riproposto tre anni dopo dalla Hypnotic Dirge: The Hourglass, infatti, è in assoluto uno dei migliori lavori scaturiti dalla scena doom death statunitense nell’ultimo decennio.

Va premesso subito che nascondere o negare le affinità degli Atten Ash con i Daylight Dies è piuttosto difficile e, anche se volessimo passare sopra alle caratteristiche del sound, troviamo una stessa provenienza geografica (il North Carolina) e addirittura un membro in comune (il chitarrista Barry Gambling).
Dopo di che, fatte le debite premesse, l’ascolto di The Hourglass regala il doom death melodico alle sue massime potenzialità, con tanto di certificato sonoro da esibire alla bisogna come See Me… Never, una canzone a dir poco meravigliosa che ricorda non tanto qualcuno ma qualcosa, ovvero quanto questo genere musicale sia inimitabile nel suo offrire emozioni a profusione.
The Hourglass non cede mai per intensità emotiva e stupisce per la sua qualità a prova di comparazione: non c’è infatti un solo brano che non meriti d’essere ricordato o che non contenga momenti di memorabile ed evocativo lirismo.
Se non siamo ai livelli di A Frail Becoming (che uscì nello stesso anno), poco ci manca, e anche per questo non serve parlare oltre di questo disco, che va solo ascoltato e goduto in ogni suo attimo in attesa che gli Atten Ash ritornino alla ribalta con un nuovo e sospirato full length (che, a quanto pare, dovrebbe essere in via di realizzazione).

Tracklist:
1. City in the Sea
2. See Me… Never
3. Not as Others Were
4. Song for the Dead
5. Born
6. First Day
7. Waves of Siloam
8. The Hourglass

Line-up:
Barre Gambling – Guitars, Keyboards
James Greene – Vocals (clean), Guitars, Bass, Drums
Archie Hunt – Vocals (harsh)

ATTEN ASH – Facebook