UndeRock Fest 2018 al Dagda Club di Retorbido

Volcano Records, Metal Maximum Radio e Suoni Distorti Magazine hanno il piacere di presentarvi l’UndeRock Fest 2018. Evento realizzato con la collaborazione del Dagda Live Club e la House Of Ashes Production che si terrà il prossimo weekend, 21 e 22 Aprile, presso il prestigioso Dagda Live Club di Retorbido, in provincia di Pavia.

Questo il bill e gli orari delle due giornate, suddivise in bands italiane ed estere:
Sabato 21 Aprile
Love Machine
Scala Mercalli
SkeleToon

Domenica 22 Aprile
Ne Obliviscaris (Austria)
Allagaeon (U.S.A.)
Virvum (Svizzera)

Apertura porte ore 20:00 / Inizio concerti ore 21:30 (tassativo). Partners ufficiali dell’evento RedWall Recording Studio e BrandUp Music. / Evento Facebook: https://www.facebook.com/events/2246483202044708/

All’interno della struttura:
Area merchandise, Area food & drink, PRZ (Press & Radio Zone) dove le bands interessate potranno proporre la propria musica: ci saranno il team di Suoni Distorti Magazine, Metal Maximum Radio e Karola Mazzola di ‘Free Pass’ (T-Radio), banco informativo del RedWall Recording Studio, e altro che lasceremo a voi scoprire.

L’ingresso per la serata di Sabato 21 Aprile è gratuito, mentre la successiva di Domenica 22 è di €11,50 in prevendita su TicketOne (A questo link). L’accesso al Dagda Club è riservato ai soci ACSI, se non avete la tessera potrete farla in loco al costo di soli €5,00 con validità annuale in tutti i club Acsi d’Italia.
I primi 30 ingressi (15 per ogni serata) riceveranno gratis una birra alla spina offerta da Suoni Distorti Magazine, Metal Maximum Radio e RedWall Recording Studio.

Alcuni momenti delle serate saranno trasmessi in diretta sul profilo Instagram di Suoni Distorti Magazine: https://www.instagram.com/suoni_distorti_magazine/ ed i video con le esibizioni delle bands saranno caricati sul canale youtube della webzine, dove potrete iscrivervi a Questo Link!

Segui l’hashtag ufficiale #UndeRockFest per tutti gli aggiornamenti nei social e per dire la tua durante e dopo la partecipazione all’evento. Siamo curiosi di sapere cosa ne pensi e cosa ti è piaciuto di più!

Un trailer promozionale dell’UNDEROCK FEST è disponibile al seguente link:
https://www.youtube.com/watch?v=gZwd50Aqxn4

Le bands nel dettaglio:

Nella prima serata si esibiranno tre delle bands italiane iscritte al contest lanciato dagli organizzatori lo scorso Gennaio.

Sabato 21 Aprile:

Ad aprire la serata gli SKELETOON, band “Nerd” Power Metal, attiva dal 2011 e con alle spalle già due album quali ‘The Curse of the Avenger’ (2016) e ‘Ticking Clock’ (2017). I metallers italiani, ad oggi, sono al lavoro sul nuovo full lenght intitolato ‘They Never Say Die’, dedicato alla pellicola cult ‘The Goonies’.

Subito dopo è il turno dei SCALA MERCALLI, storica formazione heavy metal italiana che in 26 anni di attività ha sfornato tre album micidiali di cui l’ultimo, ‘New Rebirth’ nel 2015. Attualmente la band è a lavoro su nuovo materiale e, al contempo, continua a infiammare ogni palco in cui si esibisce.

Headliner saranno i LOVE MACHINE, altra leggendaria band del panorama heavy metal tricolore. Tornati in pista di recente con l’album ‘Universe Of Minds’, con oltre 30 anni di esperienza alle spalle e tour con nomi del calibro di W.A.S.P., Saxon e Gotthard – tra gli altri

La seconda serata è dedicata alle band estere, il billi sarà composto per come segue.

Domenica 22 Aprile

Aprire le danze sarà compito dei giovani svizzeri VIRVUM, che hanno acquistato immediatamente credibilità nella scena technical death metal con il primo album ‘Illuminance’ del 2016. Nel 2013 Il chitarrista Nich Gruhn si unì ai leggendari Fallujah per un tour Europeo e da quel momento la sua missione fu quella di portare i Virvum a suonare su più palchi possibile. Dopo numerosi tours in compagnia di bands del calibro di Cephalic Carnage, Suffocation e Dying Foetus, la band di Zurigo ha recentemente firmato un contratto con la Season Of Mist che ha ristampato il loro album di debutto. La band al momento è in fase di composizione per il loro secondo album, che si preannuncia un mostruoso esempio di tecnica e brutalità.

A metà scaletta gli ALLEGAEON, da Fort Collins, in Colorado. Loro suonano extreme metal con influenze spaziano dal Technical Death Metal al Prog Metal passando per l’Heavy Metal e la Musica Classica. I loro testi trattanno temi scientifici, la possibilita’ di forme di vita aliene e l’intelligenza artificiale. Con questi presupposti ed un curriculum di tutto rispetto, che mette in evidenza tours di alto profilo con mostri sacri del genere, come Job For A Cowboy, Chimaira e Whitechapel, oltre che una nutrita dicografia, gli Allegaeon tornano in Europa per trascendere il loro status di cult band e per consolidare una fan-base in costante crescita.

A chiudere la tellurgica serata gli australiani NE OBLIVISCARIS, considerati come i nuovi eroi del progressive death metal, arrivando sulle scene nel 2012 e pubblicando, ad oggi, 3 album – di cui l’ultimo ‘Urn’ nel 2017 via Season Of Mist. La particolarità della band di Melbourne, risiede nella struttura delle loro composizioni che incorpora nel suo nucleo death / black metal elementi di jazz, djent, gothic e persino flamenco. La band sarà in Italia come headliner per la prima volta!
Ovvie sono le loro capacita’ tecnico compositive e il loro amore per la musica classica, che esce prepotentemente allo scoperto grazie al largo uso di strumenti quali violino e violoncello. Questa loro propensione alla cosiddetta “musica colta” e’ ulteriormente confermata dal fatto che il loro brano “And Plague Flowers the Kaleidoscope” (tratto dal primo album “Portait Of I”), e’ stato preso come esempio per un corso di composizione dal conservatorio di Sidney «per la sua struttura esemplare, i timbri, le misure di tempo, i modi, l’approccio al virtuosismo, al suono e al rumore»

Snei Ap – (In)sane Minds

I cinque brani presentati dalla band emiliana non possono che essere altrettante scariche di adrenalina, perfetti nei chorus facilmente memorizzabili come il genere impone, ma ai quali non manca una rabbiosa grinta di stampo street rock.

Cinque brani all’insegna del rock’n’roll, moderno potente e dal piglio hard rock.

Il nuovo ep delle Snei Ap, band di rocker emiliane partite nel 2011 come rock’n’roll band tutta al femminile, ed ora raggiunte da un maschietto (Damage) alla sei corde, parla la lingua del rock duro e lo fa senza timori reverenziali verso act più famosi ed internazionali.
Tre brani originali, più due ri-registrati per l’occasione, ci presentano un gruppo scatenato, intrigante e diretto, con un sound che deflagra dagli altoparlanti ed un tiro a tratti irresistibile.
Un primo ep viene seguito dal full length Sick Society, un tour da headliner nel Regno Unito e qualche assestamento in formazione che ha visto, oltre al cambio alla chitarra, l’arrivo della singer Angie The Lioness Prati, un’iradiddio dietro al microfono.
Con queste premesse, i cinque brani presentati dalla band emiliana non possono che essere altrettante scariche di adrenalina, perfetti nei chorus facilmente memorizzabili come il genere impone, ma ai quali non manca una rabbiosa grinta di stampo street rock, in un sound che mantiene il suo approccio ribelle e moderno.
Menti insane sono il segreto per suonare rock’n’roll irriverente, sfacciato e tripallico come nell’opener Bullet, nell’atmosfera lasciva di ObSEXion e nella super hit Monster Hill.
Snei Ap è una band di cui sentiremo ancora parlare, specialmente ora che ci ha messo lo zampino l’attivissima Volcano Records, label che  sempre più sinonimo di qualità nella scena hard rock e metal nazionale.

Tracklist
1.Bullet
2.ObSEXion
3.I Love You When I’m Drunk
4.Monster Hill
5.Lucifer

Line-up
Angie The Lioness Prati – voice
Adil Damage Bnouhania –  guitar
Valeria Goz Trevisan – bass
Sonia Wild Ghirelli – drums

SNEI AP – Facebook

Anua – Un Viaggio Senza Terra

L’album dimostra un buon equilibrio, nel senso che, a fronte della mancanza di particolari picchi, non si rinvengono neppure cali vistosi, il che consente di mantenere in ogni momento un impatto emotivo soddisfacente: tutto ciò dovrebbe essere senza dubbio nelle corde di chi apprezza sonorità di stampo post metal/shoegaze.

Gli Anua sono una nuova band che si affaccia sulla scena musicale nazionale, facendolo in punta di piedi con un post metal/shoegaze molto etereo e delicato.

Mettesi in scia di una realtà come gli Alcest, tanto per citare il nome più noto tra quelli che si cimentano in questo stile musicale, può rivelarsi controproducente perché, in fondo, gli spazi di manovra non sono illimitati, ma questi quattro musicisti provano a svincolarsi da un confronto innegabilmente ingombrante mutando qualcosa a livello di approccio: ecco allora il ricorso strumenti addizionali come flauto e clarinetto e una più pacata anima folk, che si manifesta con diversi passaggi di chitarra acustica.
L’operazione a mio avviso riesce piuttosto bene, nel senso che Un Viaggio Senza Terra si rivela un lavoro gradevole, pur se strutturato su quattro brani lunghi mediamente una decina di minuti, che scorrono comunque in maniera abbastanza fluida anche se mancano nell’arco di tutta la durata quei momenti più incisivi dal punto di vista melodico, capaci di segnare con forza un intero lavoro.
L’album dimostra però un buon equilibrio, nel senso che, a fronte della mancanza di particolari picchi, non si rinvengono neppure cali vistosi, il che consente di mantenere in ogni momento un impatto emotivo soddisfacente: tutto ciò dovrebbe essere senza dubbio nelle corde di chi apprezza questo tipo di sonorità, capaci di realizzare una fugace oasi di pace screziata di tanto in tanto da qualche riff mai troppo ingombrante ma ben coeso e funzionale alla resa finale.
Dovendo scegliere uno dei brani, prendo Canto di un viaggio finito, che è forse quello che propende maggiormente verso soluzioni acustiche, con il supporto degli strumenti a fiato e senza disdegnare ampie aperture elettriche, svincolandosi in parte dai principali modelli compositivi che confluiscono in Un Viaggio Senza Terra.
L’esordio degli Anua è sicuramente positivo, nonostante qualche rischio connesso alla scelta di uno stile potenzialmente tedioso se non viene messo in scena con tutti i crismi e con sufficiente doti compositive: la strada per raggiungere l’eccellenza assoluta prevede ancora la salita di diversi gradini, ma le basi poste con quest’album sembrano già abbastanza solide.

Tracklist:
1.Sulla riva di un lago
2.Un cielo scuro
3.Canto di un viaggio finito
4.Vorrei tornassi

Line-up:
Manuel Rodriguez – Guitars, Vocals
Piersante Falconi – Drums
Andrea Remoli – Bass
Luca Grimaldi – Guitars
Guests:
Andrea Salvi – Flute
Sofia Rofriguez – Vocals
Ennio Zohar – Clarinet

ANUA – Facebook

HAEGEN – Immortal Lands

Gli Haegen fanno un folk metal epico cantato in inglese ed in italiano, con una propensione verso l’epic metal: le loro composizioni sono molto bilanciate e ben costruite, con una buona interazione fra potenza, velocità e melodia.

Tornano gli Haegen, gruppo folk metal di Osimo, provincia di Ancona.

Questo è il primo disco sulla lunga distanza per questo gruppo che si pone come una i migliori del genere in Italia. Gli Haegen fanno un folk metal epico cantato in inglese ed in italiano, con una propensione verso l’epic metal. Le loro composizioni sono molto bilanciate e ben costruite, con una buona interazione fa potenza, velocità e melodia. La parte folk è molto importante ed è eseguita davvero bene, il lavoro delle tastiere è molto ampio e da un importante valore aggiunto alle canzoni. Una menzione speciale va al flauto di Federico Padovano, che rende giustizia a questo nobile strumento, troppe volte usato a caso nel folk metal. Le canzoni in italiano, secondo un giudizio totalmente soggettivo, rendono molto meglio delle canzoni in inglese, che sono comunque di buon livello, ma il pathos delle canzoni cantate nella lingua madre è notevole. Ad esempio un pezzo come Incubo è molto notevole, con il suo andamento incalzante e il testo molto realistico. Tutta la musica del gruppo marchigiano è costruita per essere eseguita dal vivo, perché già in pratica il disco è alla stregua di un concerto. Come prima prova sulla lunga distanza, dopo l’ep Tales From Nowhere del 2015, questa è sicuramente buona, ci sono ampi margini di miglioramento, poiché ci sono solide basi ed un buon talento compositivo. Immortal Lands è un buon disco di folk metal di un gruppo mediterraneo, infatti si sente molto chiaramente l’influsso melodico differente rispetto alle band nordiche o slave. Un gruppo che fa ballare le anime baldanzose e che è da seguire con attenzione.

Tracklist
1. Stray Dog
2. Legends
3. Gioie Portuali
4. Fighting In The River
5. Incubo
6. Gran Galà
7. The Princess And The Barbarians
8. Bazar
9. The Tale
10. Terre Immortali
11. My Favourite Tobacco

Line-up
Leonardo Lasca: voce
Samuele Secchiaroli: chitarra
Nicholas Gubinelli: basso
Tommaso Sacco: batteria
Eugenio Cammoranesi: tastiera
Federico Padovano: flauto

HAEGEN – Facebook

Wyrms – Altuus Kronhorr – La monarchie purificatrice

“Anscullfussian Black metal since 2007” è il motto rabbioso di questi artisti transalpini: suoni vibranti e melodie di chiaro stampo nordico impregnano la loro terza opera.

Tuoni, suoni d’ organo e tamburi battenti danno il via al terzo full dei francesi, di Orleans, Wyrms, bella realtà dell’underground, attiva fin dal 2008 con il demo Seigneur des Sommets, proseguita con altri due album (Aashanstys – Rêves et peines d’un misanthrope del 2010 e Morcar Satoric – Les VI chemins du crépuscule del 2013) e uno split con i Fhoy Miore nel 2015.

Testi e vocals in francese, ma rabbia e furia scandinava, continuano a impregnare le note della loro discografia di alcuni disegni o foto e nel bel booklet allegato riecheggiano vecchi capolavori del black norvegese. Grandi ritmi fino dall’opener Tyrannique fist fucking (gran titolo) assalgono l’ascoltatore e lo trasportano in zone della propria memoria mai sopite; lo scream acido, diretto, cattivo segue il rincorrersi delle chitarre che delineano atmosfere evocative e fredde (Les viviers du diable), vibranti, furenti e incompromissorie. La band persegue la propria idea di black metal “ansculfussien” (mascolino\virile) fino dal 2007 e riesce a trasmettere una notevole carica, pur seguendo strade già abbondantemente tracciate, presentando un’opera che fa dell’onestà di intenti il suo punto di forza. Circa cinquanta minuti di musica che scorrono fluidi, dove le chitarre attraverso riff diretti e qualche dissonanza disegnano gelide e convincenti melodie (Dysgenic imperial vortex) che si sfrangiano in rari momenti di quiete per poi ripartire senza freni.
La grande rabbia accumulata si scioglie nella delicata Ma geoliere solitude che conclude il disco e tratteggia oasi di sconfinata tristezza: in definitiva un buon disco devoto all’arte nera e per questo meritevole di ascolto.

Tracklist
1. Tyrannique Fist Fucking
2. Grande épuration humanitaire
3. Les viviers du Diable
4. Les échos du passé
5. Mes fantômes de jouvence
6. Le vide avant la mort
7. Dysgenic Imperial Vortex
8. Ma geôlière solitude

Line-up
Zayl – Drums
MAX – Bass
Tedd – Guitars, Vocals

WYRMS – Facebook

BlindCat – Shockwave

I BlindCat sono stati per il sottoscritto un’autentica sorpresa, il loro sound è quanto di più irresistibile e sanguigno si possa trovare in giro nel genere, quindi non perdetevi questo gioiellino hard rock.

E’ attiva dal 2012 questa sensazionale band nostrana, originaria di Taranto e al secondo lavoro dopo il debutto intitolato Black Liquid, che tante soddisfazioni ha portato ai BlindCat in questi ultimi anni.

Un gatto magari non vedente ma che, quando ingrana la marcia e comincia a suonare, difficilmente lascia indifferenti; il gruppo è guidato dal cantante Gianbattista Recchia, più che un gatto una iena, comunque un vero animale rock che risulta una via di mezzo tra Layne Staley e Zakk Wylde.
Domenico Gallo (chitarra) macina riff su riff e la coppia Emanuele Rizzi (batteria) e Pietro Laneve (basso) forma una sezione ritmica portentosa e groovy quel tanto che basta per dare a Shockwave un tocco moderno, tale da non apparire  datato o, come va di moda oggigiorno affermare, vintage.
One Life mette subito le cose in chiaro, il peloso delinquente dalla poca vista ma dall’orecchio fino ne ha per tutti e graffia lasciandoci in balia di una serie di brani adrenalinici, potentissimi ed irresistibili come Laughin’ Devil e soprattutto Stars And Sunset, un crescendo di potenza hard rock seguito da una Until (The Light Of The Day Comes) che aggiusta di varia di poco le coordinate quel tanto che basta per liberare Alice dalle catene e coinvolgerla in un ballo sfrenato.
La band si concede una pausa solo alla settima traccia, un intermezzo acustico che porta alla title track, un altro crescendo di tensione che esplode in una serie di riff mastodontici e ci prepara al finale, con la più intimista What Is Hell e Son And Daughter, cover dei Queen ed esplosiva conclusione di questo bellissimo e roccioso lavoro.
I BlindCat sono stati per il sottoscritto un’autentica sorpresa, il loro sound è quanto di più irresistibile e sanguigno si possa trovare in giro nel genere, quindi non perdetevi questo gioiellino hard rock.

Tracklist
1 One Life
2 Laughin’ Devil
3 Stars And Sunset
4 Until (the Light Of The Day Comes)
5 The Black Knight
6 Nothing Is Forever
7 Rising Moon (instrumental)
8 Shockwave
9 What Is Hell
10 Son And Daughter

Line-up
Gianbattista Recchia – Vocals
Domenico Gallo – Guitars
Emanuele Rizzi – Drums
Pietro Laneve – Bass

BLIND CAT – Facebook

Aurora Borealis – Goodbye

Con il monicker Aurora Borealis, Déhà va ad esplorare territori ambient che confluiscono poi in un post rock delicato ed emozionante, quello che ogni appassionato vorrebbe sempre ascoltare.

Può un musicista muoversi incessantemente tra generi apparentemente antitetici tra loro offrendo sempre e comunque opere di livello superiore alla media ?

La risposta è si, specialmente se ci si chiama Déhà, un nome che ormai è sinonimo della capacità innata di unire un’irrequietezza ed un’iperattivita compositiva ad una qualità che stupisce ogni volta di più.
Con il monicker Aurora Borealis il musicista belga va ad esplorare territori ambient che confluiscono poi in un post rock delicato ed emozionante, quello che ogni appassionato vorrebbe sempre ascoltare ma che, stranamente, la maggior parte degli altri musicisti riesce a proporre con tale maestria solo a intermittenza.
In virtù di un talento pressoché infinito, Déhà propone poco meno di tre quarti d’ora di melodie splendide e di stupefacente profondità, nel senso che non ci si stufa mai di ascoltarle e soprattutto, non appaiono mai stucchevoli.
Nel prime due parti di Goodbye (racchiuse in un unico brano), che se non ho inteso male dovrebbero essere state composte qualche tempo prima rispetto al restante contenuto dell’album, salta subito all’orecchio quello che è l’influsso primario di chi si cimenta con musica che a che fare con l’ambient, quel Brian Eno del quale vengono evocate note pianistiche che ricordano un capolavoro come By This River, e un lampo di memoria mi fa ricordare che uno dei geni indiscussi della musica contemporanea, seppure di nazionalità inglese, è di madre belga, cosa che di fatto è ininfluente ma che mi piace ritenere non del tutto casuale.
Non so questo imprinting iniziale sia consapevole o meno, fatto sta che man mano che l’album procede le atmosfere più corpose ed atmosferiche del post rock divengono preponderanti rispetto alle rarefazioni dell’ambient, rispettando in qualche modo anche la progressione temporale delle composizioni che sembrano farsi via via più robuste arrivando alle più recenti e conclusive Sun Up e Sun Down, alle quali si giunge però per gradi, con le parti più recenti di Goodbye che, in precedenza, hanno reso un po’ meno sognante l’incedere di un album in  possesso un afflato melodico difficilmente riscontrabile altrove.
Un album solo strumentale corre seriamente il rischio di annoiare dopo una ventina di minuti, ma se ti chiami Déhà tutto ciò non può accadere, perché ovunque si muova il musicista belga le cose scontate e banali sono bandite, ed ogni ascoltatore, qualsiasi possa essere il genere che predilige, ad ogni sua uscita ne resterà sempre e comunque appagato. E questo non è da tutti …

Tracklist:
1.Goodbye (1 & 2)
2.Goodbye (3)
3.Goodbye (4)
4.Goodbye (5)
5.Sun up – Lights
6.Sun down – Lights

Line-up:
Déhà

Déhà – Facebook

FACING THE ORACLE

Il video di “Dividing Lines”, tratto dal nuovo album “Haunted One”.

Il video di “Dividing Lines”, tratto dal nuovo album “Haunted One”.

Da oggi i milanesi FACING THE ORACLE hanno reso disponibile il video di “Dividing Lines”, tratto dal nuovo album di inediti “Haunted One”.

“Haunted One”, l’ultima fatica in studio della band metal-core lombarda, sarà pubblicato il 28 aprile 2018 e sarà presentato il giorno precedente 27 aprile 2018 presso il Legend Club di Milano.

Di seguito tracklist:

At The End Of Night
Dividing Lines
Firebreather
White Fever
Bankside Fault
Fox Tossing
Collide
A Handful Of Nothing
Sara
Summer Ghost

FACING THE ORACLE are:
Daniele Bompignano – vocals
Daniele Fusi – guitars
Nikolay Deliyski – guitars
Matteo Scialdone – bass
Alessandro Mori – drums

BIO:
Facing The Oracle are a metalcore band founded in Milan, Italy, in 2011. The current lineup consists of Daniele Bompignano (scream and clean vocals), Daniele Fusi (guitars), Matteo Scialdone (bass), Nikolay Deliyski (guitars) and Alessandro Mori (drums).

The release in 2012 of the first self-produced EP led the band to an inspiring collaboration with Eddy Cavazza and Giuseppe Bassi OF Dysfunction production (Fear Factory, Mnemic, Logical Terror etc…) for the creation of “In fear and solace” their first studio album, published in 2013 by Bagana Records (Destrage, Despite Exile).

The promotion of the full-length album began in 2014 by playing it live in north and centre of Italy and sharing the stage with bands like Texas in July, Modern Day Babylon, As They Burns, Helia, Mellowtoy, Logical Terror. The composing of “Haunted one”, their new album, began in 2016 and it will lead in 2017 to a new collaboration with Dualized and Dysfunction production.

Out In Style – Broken Dreams

Una certa maniera di fare punk degli anni novanta non è passata inosservata dalle nuove generazioni, e si può ben affermare che un gruppo come gli Out In Style avrebbero fatto una gran figura anche negli anni d’oro del genere.

Pop punk di alta qualità, melodico e veloce come deve essere per questo gruppo internazionale, che è diviso fra Canada e Brasile, e hanno inciso in Italia al Titan’s Lab di Ferrara.

La qualità è molto alta, il gruppo brasiliano (chiamiamolo così per facilità ), sa benissimo dove andare e lo fa con decisione e stile riprendendo il loro nome. Le composizioni delle tracce sono in pieno stile pop punk anni novanta, per cui nessun accordo mollo o batteria quasi inesistente come usa nel pop punk moderno, qui la batteria è quasi sempre in doppia cassa, e le chitarre assieme al basso vanno a mille, e tutto il gruppo gira benissimo. Una certa maniera di fare punk degli anni novanta non è passata inosservata dalle nuove generazioni, e si può ben affermare che un gruppo come gli Out In Style avrebbero fatto una gran figura anche negli anni d’oro del genere. Broken Dreams è un disco molto bello e divertente anche quando parla di cose non piacevoli, e non sono poche in questo disco. La disillusione che porta a fare sbagli ancora maggiori, anche la bottiglia che può peggiorare il tutto, ma per gli Out In Style giustamente c’è ancora speranza. La rabbia e la voglia di divertirsi possono essere due sentimenti in contrasto che però guidano a fare cose buone. Il disco giusto per chi ama il pop punk fatto bene come lo fanno questi ragazzi da Curitiba in questo bel lavoro, che non fa gridare al miracolo ma fa cantare tutti i ritornelli e non è affatto poco.

Tracklist
1. Looking for you
2. Straight and fast
3. Dreaming
4. Ellie
5. Lucid Dream
6. Glass
7. Just before dawn
8. Dead end
9. Interlude
10. O’Brein
11. Your smile
12. Blindfolded
13. Drinking in hell
14. The great perhaps

Line-up
João Xavier : vocals/bass
Marlos Andrews : guitar
Ricardo Niemicz : drums

OUT IN STYLE – Facebook

Rusty Nails – Seasons Of Hatred

Seasons Of Hatred vive di potenza metallica valorizzata da una componente power dosata a meraviglia dai suoi creatori, con picchi di notevole qualità, tra trame pacate ma semre sul punto di esplodere e deflagrazioni improvvise.

Si può suonare heavy metal classico, risultando moderni nei suoni ed esplosivi, pur ricordando a più riprese la scena del decennio storico ottantiano?

Chiedetelo ai toscani Rusty Nails, tornati dopo sette anni dal primo ep con in tasca il contratto con Sliptrick Records e di conseguenza con il primo lavoro sulla lunga distanza, questo incendiario Seasons Of Hatred.
Una lunga storia iniziata addirittura nel 2001 con il monicker Avatar, un numero esponenziale di problemi che ne rallentarono la carriera fono all’uscita di Mind Control e poi ancora un lungo stop lungo sette anni prima che le chitarre tornassero a ruggire su questi otto brani di cui un paio ripresi dal precedente lavoro (Mind Control e The End Of All Days).
Ma lasciamo i problemi al passato e prendiamo a capocciate il muro della stanza sotto il bombardamento heavy/power metal di Seasons Of Hatred e delle sue otto tracce che, già dall’opener Years Of Rage, mette subito in chiaro che qui si fa heavy metal di scuola priestiana, potenziata da dosi massicce di power americano alla Iced Earth, teatrale e drammatico il giusto per scuotere i fans addormentati ed impegnati a sognare un giradischi su cui girano i vinili di Painkiller e Something Wicked This Way Comes.
Epico ed interpretato con sanguigna drammaticità dall’ottimo singer Paolo Billi, l’album vive di potenza metallica valorizzata da una componente power dosata a meraviglia dai suoi creatori, con picchi di notevole qualità (su tutti gli otto minuti di The Outer Lords), tra trame pacate ma sempre sul punto di esplodere e deflagrazioni improvvise, dove Day Of Punishment e Mind Control sono uno spettacolo di lampi e saette nel cielo attraversato da burrasche metalliche.
Ottima la prova della sezione ritmica, mai velocissima ma precisa e potente (Federico Viviani alle pelli e Alessandro Crecchi al basso) e sugli scudi la prova dei due chitarristi (Claudio Della Bruna e Matteo Santoni) per un album che è un ascolto obbligato per gli amanti dei suoni heavy/power.
Di tempo ce n’è voluto tanto, ma oggi la band riparte ancora una volta come meglio non si potrebbe con questo ottimo Seasons Of Hatred.

Tracklist
1.Minutes of Hatred
2.Years of Rage
3.Day of Punishment
4.Dagon
5.Mind Control
6.Out of This World
7.The Outer Lords
8.The End of All Days

Line-up
Claudio Della Bruna – Guitars
Paolo Billi – Vocals
Federico Viviani – Drums
Alessandro Crecchi – Bass
Matteo Santoni – Guitars

RUSTY NAILS – Facebook

https://www.facebook.com/rustynailsmetal/

Gigantomachia – Atlas

L’epicità sanguina dalle note di questa raccolta di brani che non lasciano trasparire facili melodie, ma all’unisono gli strumenti compongono una colonna sonora di morte e dolore che a tratti sfiora il lento incedere del doom, creando una sorta di muro invalicabile.

Ad Alatri, in provincia di Frosinone, i giganti si stanno organizzando per andare in battaglia contro gli dei dell’Olimpo e la colonna sonora di questo epico scontro non può che essere forgiata nel metallo più estremo, epico ed oscuro.

Atlas è il debutto di questa band che dal mito greco prende il nome (Gigantomachia), un gruppo di giganti in perenne battaglia a colpi di death metal guerresco, pregno di mid tempo pesantissimi e dall’incedere monolitico.
La band nasce nel 2015 da un’idea del bassista Lorenzo Barabba e dopo vari aggiustamenti della line up e un bel po’ di rodaggio in sede live, arrivano al 2017 e alla firma con la label nostrana Agoge Records di Gianmarco Bellumori, con cui hanno collaborato per la realizzazione di questa primo attacco agli dei.
Atlas è un macigno estremo che travolge tutto, con un passo medio ma inarrestabile che tutto ababtte e devasta senza fermarsi davanti a nulla; l’epicità sanguina dalle note di questa raccolta di brani che non lasciano trasparire facili melodie, ma all’unisono gli strumenti compongono una colonna sonora di morte e dolore che a tratti sfiora il lento incedere del doom, creando così una sorta di muro invalicabile.
Growl e recitati, mid tempo e solos che evocano lo scontro tra le lame nella battaglia, rendono l’atmosfera drammatica e pesante, con la musica che ne diviene la colonna sonora offrendo atmosfere suggestive sulle note di Liberate The Tytans, Immortal e della più estrema title track, seguita da una Scylla & Cariddi che conclude Atlas alternando violenza e melodia e aggiudicandosi la palma di miglior brano in scaletta.
I Bolt Thrower sono la band più accostabile al sound dei Gigantomachia, con parti che si avvicinano all’epic metal classico rendendo Atlas un buon debutto, lontano dal death epico e sinfonico di moda in questo periodo e più vicino ad un approccio vecchia scuola.

Tracklist
1 – Rise Of Cyclop (intro)
2 – Eye Of The Cyclop
3 – Liberate The Titans
4 – Immortal
5 – Aldebaran
6 – Abyss Leviathan (intro)
7 – Leviathan
8 – Atlas
9 – Scylla & Cariddi

Line-up
Barabba – Bass
Alessandro – Guitars
Nicola – Drums
Davide – Guitars, Vocals

GIGANTOMACHIA – Facebook

Asino – Amore

Un sound che sposa l’attitudine punk con l’elettricità noise e i testi in italiano, per sette brani che formano un concentrato di suoni dissonanti, dall’approccio indie rock ma con la forza espressa che si avvicina al metal alternativo.

Amore è il terzo lavoro di questo duo toscano chiamato Asino e formato da Giacomo “Jah” Ferrari (voce, batteria) e Orsomaria Arrighi (voce, chitarra).

L’album chiude una trilogia iniziata nel 2012 con Crudo e proseguita con l’EP Muffa due anni dopo e che ha portato i due musicisti toscani in giro per il nostro paese ad incendiare palchi con il loro rock, molto originale, scarno ed essenziale.
Il sound sposa l’attitudine punk con l’elettricità noise e i testi in italiano, per sette brani che formano un concentrato di suoni dissonanti, dall’approccio indie rock ma con la forza espressa che si avvicina al metal alternativo: chitarra e batteria, voci che intonano testi irriverenti ed ironici, basi che si avvicinano a campionamenti industriali e rendono la proposta diretta come una serie di sette pugni allo stomaco, rock nella sua forma più grezza e sempre alla ricerca di uno spunto originale nelle atmosfere caotiche di tracce come Sentirsi Male, Offensivo o la conclusiva Trenita.
Difficile fare nomi per rendere più facile l’approccio ad Amore, forse le più indicative in tal senso sono proprio quelle delle note di presentazione dell’album: “pensate agli White Stripes senza il blues, pensate ai Tweak Bird senza lo stoner, pensate agli Zeus! senza il metal, pensate ai Lightning Bolt senza una maschera, pensate a Simon & Garfunkel senza una mano”.

Tracklist
1.Sentirsi Male
2.Enorme
3.Umberto Space Echo
4.Orsomariah Curry
5.Offensivo
6.Schiaphpho Dve
7.Trenita

Line-up
Orsomaria Arrighi – Vocals, Guitars
Giacomo Jah Ferrari – Drums

ASINO – Facebook

Militia – Regiments of Death

Nastro di una band forse minore, ma comunque molto interessante, del thrash americano della metà degli Eighties: tra l’altro, un caso rilevante di gruppo non proveniente dalla Bay Area.

Gli americani Militia sono tra quegli sfortunati ‘grandi fra i minori’ che non hanno mai raggiunto la possibilità di pubblicare un disco in vita.

Texani, si formarono ad Austin, nel 1984, e rimasero attivi solo sino al 1986 (per riformarsi poi molti anni dopo, come accadde a tanti dei loro colleghi). Il loro primo demo tape vide la luce nel 1985, con il titolo di Regiments of Death, ad opera di un manipolo di musicisti che avevano o avrebbero militato in gruppi più noti (Watchtower, SA Slayer, la band di Rhett Forrester dopo la sua uscita dai Riot). Il nastro conteneva solo tre pezzi, peraltro eccellenti ed altamente rappresentativi di quello che era l’heavy a stelle e a strisce, a metà degli anni Ottanta: per un verso ottimo thrash metal, in linea con le aree di San Francisco e Los Angeles; per un altro molte propensioni speed e segnatamente US metal, stile Metal Church-Vicious Rumors per intenderci. La cassetta, divenuta assai presto introvabile, è stata infine ristampata, su compact, dalla Rockadrome – nel 2008 soltanto, peraltro – con il titolo Released, insieme ad altro materiale di provenienza demo: cinque brani del 1986, due del 1984 e altrettanti dal vivo. La migliore occasione per una doverosa e utile operazione di recupero storiografico. Perché anche questa è archeologia musicale.

Track list
1. Metal Axe
2. Search For Steel
3. Regiments of Death

Line up
Mike Soliz – Vocals
Tony Smith – Guitars
Robert Willingham – Bass
Phil Acham – Drums

1985 – Autoprodotto

IN-SIDE – OUT-SIDE

OUT-SIDE è un lavoro che vorremmo non finisse mai più, un arcobaleno di note melodiche che lascia senza fiato e che si rivela imperdibile per i fans dell’aor, ai quali consiglio di lasciarsi rapire dall’opera di una band che ha talento da vendere.

Non capita spesso di questi tempi un lavoro italiano incentrato sull’ hard rock melodico di stampo ottantiano, forse perché il nostro paese non è l’America né la Scandinavia e neppure il Giappone, terre da sempre molto più ricettive per il genere.

L’Andromeda Relix imprime il suo marchio su questo bellissimo lavoro targato IN-SIDE, gruppo di Torino capitanato dal tastierista Saal Richmond e che vede dietro al microfono il singer Beppe Jago Careddu, vecchia conoscenza della nostra webzine (Madwork, Burning Rome) e cantante dalle mille risorse, che siano dark, estreme o, come in questo caso, melodiche.
La voce profonda e molto interpretativa del cantante (che a tratti ricorda un Brian Ferry in versione hard rock) accompagna sei brani più intro di una bellezza disarmante, pomposi, melodici, dal piglio statunitense e legati in modo indissolubile agli anni ottanta.
Mid tempo strutturati su tastiere che ci travolgono con cascate di note, mentre la chitarra ci strappa il cuore con solos eleganti, il tutto valorizzato da un talento per la melodia sorprendente, fanno di OUT-SIDE un gioiellino melodico imperdibile per i fans del genere, mentre si respira aria intrisa di profumi del litorale californiano in brani come The Signs Of Time o The Running Man.
Block 4 è un mid tempo di raffinato aor dal taglio ombroso, nel quale la voce raggiunge livelli interpretativi notevoli, così come in Break Down l’anima progressiva della band valorizza un brano bellissimo ed emozionante.
Lie To Me conclude un lavoro che vorremmo non finisse mai più, un arcobaleno di note melodiche che lascia senza fiato e che si rivela imperdibile per i fans dell’aor, ai quali consiglio di lasciarsi rapire dall’opera di una band che ha talento da vendere.

Tracklist
1.The Gate
2.The Signs OF Time
3.The Running Man
4.Block 4
5.I’m Not A Machine
6.Break Down
7.Lie To Me

Line-up
Jago – Vocals
Saal Richmond – Keyboards / Synthesizers / Programming / Vocals
Dave Grandieri – Keyboards / Synthesizers / Programming / Backing Vocals
Simone “Mono” Bertagnoli – Guitars
Abramo De Cillis – Guitars / Backing Vocals
PJ Philip – Bass / Backing Vocals
Marzio Francone – Sound Engineering / Drums

IN-SIDE – Facebook

VERATRUM

Il track stream video del brano “L’Alchimista”, dall’ep “Visioni”.

Il track stream video del brano “L’Alchimista”, dall’ep “Visioni”.

I prophetic black metallers VERATRUM rilasciano il track stream video ufficiale del brano “L’Alchimista”, dal loro prossimo EP “Visioni”.

Il loro epic black metal nasce per celebrare l’oscura saggezza e la conoscenza occulta degli antichi, oggi quasi dimenticata. I Veratrum uniscono la potenza delle loro orchestrazioni sinfoniche ad oscuri elementi atmosferici, creando così il Prophetic Metal.

Il singolo “L’Alchimista” descrive la visione di un alchimista che interpreta gli inquietanti segni della fine della propria era, prevedendo la perdita del senso e l’abbandono della saggezza spirituale. Ospite del brano la voce narrata di Giulian dei parthenopean epic black metallers SCUORN, registrata da Pasquale Piro presso i Dark Matter Sound Studio di Napoli.
Track stream video ufficiale prodotto da Cult Of Parthenope.

Il nuovo EP dei Veratrum, “Visioni”, è in uscita il 24 Aprile 2018, ed è incentrato sul potere ambiguo della visione profetica e del sogno premonitore, usando un’ ambientazione mistica per riflettere sul vuoto e la decadenza dei nostri tempi.

“Visioni” è stato registrato presso i Loft-1 Studio da Andrea Facheris, ed è stato mixato e masterizzato presso i Domination Studio (Necrodeath, Luca Turilli’s Rhaposody, Labyrinth) da Simone Mularoni. Ospiti speciali i guest vocalists Taliesin (Eternal Samhain) e Giulian (Scuorn), il maestro Vittorio Sabelli (Dawn Of A Dark Age) al clarinetto e i cori addizionali degli HaddaH.
La cover artwork è stata realizzata da Sabnock Design.

Segui VERATRUM :

FACEBOOK : https://www.facebook.com/veratrumofficial
OFFICIAL STORE : http://veratrum.bigcartel.com
YOUTUBE : https://goo.gl/htms1K
TWITTER : https://twitter.com/veratrumdeath

LE INTERVISTE DI OVERTHEWALL: AIKIRA

Grazie all’avvio della reciproca collaborazione con la conduttrice radiofonica Mirella Catena, abbiamo la gradita opportunità di pubblicare la versione scritta delle interviste effettuate nel corso del suo programma Overthewall, in onda ogni mercoledì alle 21.30 ed ogni domenica alle 22.00 su www.energywebradio.it.
Oggi è il momento dei Aikira, autori con Light Cut di un bellissimo lavoro di post metal strumentale.

MC Ospiti su Overthewall gli Aikira: con noi Danilo, batterista e portavoce della band, a cui diamo il benvenuto!

Ciao Mirella, ciao a tutti gli ascoltatori di Overthewall.

MC Gli Aikira nascono da un’idea tua e di un’altro componente della band già nel 2008. Ci racconti la genesi di questo progetto musicale?

Si, nel 2008 sono uscito dai Vibratacore, band hardcore che avevo fondato insieme a Fango, il chitarrista.
In questo periodo io e Fango ci siamo comunque visti in sala prove per sviluppare alcune idee che avevamo, e che non erano perfettamente in linea col sound dei Vibratacore. In una di queste jam abbiamo coinvolto Andrea Alesi con il quale abbiamo trovato subito grande affiatamento. Gli Aikira sono nati quel giorno!

MC Come definiresti il vostro genere musicale e quali sono le tematiche che affrontate?

Quando ci chiedono del nostro genere musicale, rimaniamo sempre un po’ interdetti hahah! Diciamo che a grandissime linee, rientriamo nei canoni del post-rock / post-metal, con qualche accenno alla psichedelia. Quello che ci interessa è giocare con le dinamiche e con le atmosfere, e farci coinvolgere emotivamente da quello che stiamo suonando.

MC Il vostro primo disco omonimo viene pubblicato nell’estate 2014. Com’è stato l’impatto con il pubblico e la critica? E’ andato tutto secondo le vostre aspettative?

L’impatto col pubblico direi che è stato superiore alle nostre aspettative. Essendo una band strumentale, avevamo il timore che un’ora di concerto senza un cantante potesse in qualche modo annoiare, ma questo problema non si è mai presentato. Con grande piacere poi abbiamo constatato come le varie webzine che hanno recensito il nostro primo album lo descrivessero come un viaggio, in linea con la nostra visione.

MC Nel febbraio del 2018 pubblicate Light Cut, che prende forma tra il 2015 e il 2017, periodo caratterizzato da momenti molto difficili per tutti i membri della band. Ci parli della realizzazione di quest’album e che cosa rappresenta per voi?

Si, diciamo che in questo periodo sia io che Fango che Andrea, abbiamo avuto momenti non facili, sul piano della salute e degli affetti. Abbiamo poi incrociato vari bassisti, e non tutte queste collaborazioni hanno dato un risultato positivo, sia a livello musicale che umano.
La cosa che abbiamo sicuramente notato è che la scrittura dei vari pezzi di Light Cut procedeva in maniera piuttosto fluida, nonostante tutte queste difficoltà, come se il suonare insieme fosse una sorta di energia che riusciva a sfuggire all’attrazione gravitazionale di tutta questa negatività.
Questo concetto è stato un po’ l’input per un brano del disco che si chiama appunto Something Escapes.
Abbiamo registrato con Davide Grotta, che ha lo studio di registrazione a fianco della nostra sala prove. Con Davide ci siamo trovati subito alla grande, tant’è vero che nelle pause tra una take e l’altra, abbiamo jammato assieme (lui suona theremin e pianoforte e un’altra miriade di strumenti), e alcune parti di quelle jam sono poi finite sul disco (parlo dei due Elemental).
Light Cut è stato quindi mixato da Enrico Baraldi: anche con Enrico ci siamo subito intesi, è una persona dalla grande professionalità e pazienza, e con noi ne ha avuta veramente tanta!
Il master è stato fatto da Paso di Studio 73, una vecchia conoscenza. Avevamo precedentemente lavorato con lui per i Vibratacore, e sia in passato che adesso con Light Cut siamo rimasti assolutamente soddisfatti del lavoro eseguito.
Appena terminato Light Cut abbiamo inoltre avuto modo di completare la line up della band: Lorenzo Di Cesare, già bassista dei Vibratacore, è entrato negli Aikira in qualità di bassista.

MC Si parla spesso di supporto alle band underground e molto di questo sostegno è dato dai fans. Che rapporto avete con il pubblico che vi segue?

Sarà una cosa banale da dire, ma per noi suonare live è linfa vitale! Avere un pubblico rapito da ciò che sta ascoltando/osservando ripaga di tutti i km e tutti gli sforzi per riuscire ad organizzare un concerto, cosa quest’ultima sempre più difficoltosa.

MC Ci saranno dei live a supportare il nuovo album?

Si abbiamo dei live in programma tra aprile e maggio a Pescara e Lecce, e siamo sempre in cerca di nuovi posti che possano ospitare un live di Aikira. Sicuramente quest’estate avremo il piacere di suonare a qualche festival.

MC Dove i nostri ascoltatori possono seguirvi?

Il sito: aikiraband.com.
Ci trovate su Facebook, ovviamente, poi su tutte le varie piattaforme musicali quali Spotify, Soundcloud, Bandcamp, eccetera.
Sul nostro canale Youtube abbiamo caricato il videoclip di Etera, il primo brano di Light Cut. E’ un video che abbiamo girato con la preziosa collaborazione di due nostri grandi amici, Nazareno Capitanio, in arte Nazz.Cool, alle riprese, e Lia Cavo, che è scultrice e ceramista, e ci ha messo a disposizione una delle sue più belle realizzazioni, chiamate Pneuma.

Paolo Carraro Band – Newborn

Assolutamente priva di inutili diavolerie tecniche fine a se stesse, la musica contenuta in Newborn non stanca ed è consigliata anche a chi non stravede per i lavori strumentali e per i maestri delle sei corde, proprio per la sua notevole fluidità e per la cura alla forma canzone che il gruppo non perde mai di vista.

Inizia con il pianto di un neonato questo viaggio musicale nel mondo di Paolo Carraro e la sua band, una strada da percorerre con la mente libera facendo proprie tutte le influenze che il sound di questi cinque brani ci consegnano.

Un rock strumentale attraversato da una vena heavy prog è quello che ci presenta questo quintetto capitanato da chi gli dà il nome, chitarrista vicentino con un percorso che negli anni lo ha portato a confrontarsi in vari concorsi nazionali, a dare vita un primo ep (You’d Better Run) e tornare con la Paolo Carraro Band con questo ottimo lavoro intitolato Newborn e con l’Atomic Stuff ad occuparsi della promozione.
I cinque brani proposti coprono almeno una quarantina d’anni di musica rock, partendo dal progressive e dall’hard rock anni classico di ispirazione settantiana, al più diretto heavy metal per sfiorare accenni blues e metal prog.
Assolutamente priva di inutili diavolerie tecniche fine a se stesse, la musica contenuta in Newborn non stanca ed è consigliata anche a chi non stravede per i lavori strumentali e per i maestri delle sei corde, proprio per la sua notevole fluidità e per la cura alla forma canzone che il gruppo non perde mai di vista.
La band si diverte e fa divertire seguendo uno spartito colorato di note progressive, ma che non dimentica il rock nella sua forma più pura e bluesy, come nella spettacolare ed hendrixiana Expetions o nella divertente Prog’n’roll, un brano tirato e sfacciatamente rock’n’roll , ma con una verve progressiva che scatena il gruppo, in una ipotetica jam tra Chuck Berry e John Petrucci.
Ancora grande musica blues con Blue Jay River e la più hard & heavy Beck In Town, brano che chiude l’album in un crescendo di scale ipertecniche, su un tappeto di ritmiche groove rock da trattenere il fiato.
Una gradita sorpresa, quindi,  questa band che con Newborn ci consegna uno dei lavori strumentali più belli sentiti ultimamente.

Tracklist
01. Introduction 1257
02. Exeptions
03. Prog’n’Roll
04. Blue Jay River
05. Beck in Town

Line-up
Paolo Carraro – Guitar
Daniele Asnicar – Guitar
Federico Saggin – Bass
Federico Kim Marino – Drums

PAOLO CARRARO – Facebook

NIHILI LOCUS – Lyaeus Nebularum

Interessante retrospettiva sui Nihili Locus, band che si mise in una certa evidenza negli anni novanta con un death dagli influssi doom e, in parte, black.

La Terror From Hell pubblica questa interessante retrospettiva sui Nihili Locus, band italiana che si mise in una certa evidenza negli anni novanta.

La raccolta comprende tutti i brani pubblicato nella sua storia dal gruppo piemontese, comprendendo quindi il singolo Sub Hyerosolyma (1992), il demo …Advesperascit… (1994) e soprattutto l’ep …Ad Nihilum Recidunt Omnia (1996), più due brani inediti registrati nel 1997.
Sono proprio i tre brani contenuti in …Ad Nihilum Recidunt Omnia ad aprire la compilation, rappresentando quello che, all’epoca, pur con tutte le variabili di una produzione perfettibile, era parso un notevole primo approccio per una band che possedeva le potenzialità per diventare uno dei nomi di punta a livello nazionale in ambito death doom.
Questo non si è verificato, purtroppo, anche perché dopo diverse vicissitudini ed una lunga stasi la band si sciolse nel 2003 per poi riprendere vita cinque anni dopo con una formazione a tre che compose quello che sarebbe dovuto essere il primo full length, Mors, che di fatto però non vide mai la luce.
Come detto il fulcro dell’album sono Silvara e le due parti di Memoriam Tenere, brani nei quali il Nihili Locus dimostravano d’essere sulla strada giusta per giungere alla quadratura di un death/black doom ricco di spunti notevoli e piuttosto vario sotto diversi aspetti, incluso l’utilizzo della voce femminile; Lyaeus Nebularum non segue, come forse sarebbe stato più auspicabile, un ordine cronologico nella collocazione dei brani in tracklist, per cui dopo le tracce di …Ad Nihilum Recidunt Omnia troviamo le due che erano presenti in Sub Hyerosolyma, dove il sound viveva ancora di un’accentuata dicotomia tra le parti melodiche e quelle death tout cort, per poi giungere alla più compiuta scrittura di…Advesperascit… , dove un brano come Canto (of a Nightly Jewel) attirava fatalmente nel gorghi più profondi del death doom.
I due inediti, infine, sono evidentemente frutto di registrazioni approssimative e provvisorie, tali da rendere inopportuno ogni possibile giudizio; d’altro canto, anche se in misura decisamente meno accentuata, la produzione dei lavori dei Nihili Locus non è mai stata ottimale, impedendo peraltro di attenuare le sbavature a livello strumentale e, soprattutto, le stonature dei contributi vocali femminili (ma, d’altro canto, nei primi anni novanta non era facile trovare nel nostro paese qualcuno che fosse in grado di gestire al meglio tutto il processo di incisione e registrazione di un album metal).
L’operazione risulta nel complesso assolutamente utile e gradita: vediamo se il tutto possa essere propedeutico, magari, alla sospirata pubblicazione di Mors o ancora meglio di materiale di nuovo conio, visto che ufficialmente i Nihili Locus risultano ancora attivi, per cui sperare non costa nulla.

Tracklist:
1. Memoriam Tenere
2. Silvara
3. Memoriam Tenere (Rigor Mortis)
4. Ancient Beliefs Forgotten
5. Deathly Silence Nebulae
6. Gloomy Theatre of Ruins
7. Canto (of a Nightly Jewel)
8. Dance of the Crying Soul
9. …Advesperascit…
10. Buio/XII Touches
11. Tectum Nemoralibus Umbris
12. Lugubri Lai
13. La Notte Eterna
Tracks 1-2-3 taken from ‘…Ad Nihilum Recidunt Omnia’ MCD
Tracks 4-5 taken from ‘Sub Hyerosolyma’ EP
Tracks from 6 to 11 taken from ‘… Advesperascit…’ Demo
Tracks 12-13 never released before (recorded in 1997)

Line-up:
Bruno Blasi – vocals
Valeria De Benedictis – guitars, keyboards, vocals
Mauro Veronese – guitars, vocals
Massimo Currò – bass
Roberto Ripollino – drums, vocals
Simone Fanciotto – keyboards

NIHILI LOCUS – Facebook

AA.VV. – Prigionieri 1988/2018

In download e streaming gratuito sui canali del Ghigo Renzulli Fan Collaborative, questa sorta di compilation celebrativa, oltre ad essere un tributo alla storica band è un modo riuscito ed originale per tornare a respirare le atmosfere di uno dei lavori più rappresentativi del rock italiano, consigliato non solo ai fans dei Litfiba, ma soprattutto ai giovani ascoltatori che del gruppo ignorano le produzioni ottantiane.

Sono passati trent’anni da Litfiba 3 e il Ghigo Renzulli Fan Collaborative, come già per Desaparecido (30 Desaparecido) ed il capolavoro 17Re (trent’anni di 17Re), dedica una compilation tributo al terzo album della trilogia del potere che i Litfiba scrissero tra 1l 1985 ed il 1988, anno di uscita del bellissimo ed ultimo capitolo.

Con la formazione storica ancora intatta (oltre a Ghigo Renzulli e Piero Pelù, Antonio Aiazzi alle tastiere, Gianni Maroccolo al basso e Ringo De Palma alle pelli) ma con la strada musicale del gruppo che sta per arrivare al crocicchio dove lascerà le ombrose atmosfere dark/wave degli esordi per un approccio molto più rock e commerciale, Litfiba3 risulta un album vario che alterna rock graffiante a bellissime e liquide composizioni legate alla new wave, ancora nelle corde dei fans del rock anni ottanta, ma da li a pochi anni scavalcata dalle sonorità del decennio successivo a cui anche i nostri si dedicheranno.
Prigionieri (che in origine doveva essere il titolo dell’album, poi accantonato per Litfiba3) è prodotto da Davide Forgetta con la collaborazione di Roberto Bruno in qualità di direttore artistico, vede al mastering il prezioso lavoro di Fabrizio Simoncioni e l’artwork realizzato da Claudio Serra, co-fondatore del Ghigo Renzulli Fan Collaborative.
Un album molto esplicito e dai temi socio/politici importanti come Litfiba 3 viene reinterpretato dagli artisti che si danno il cambio sui brani che hanno fatto la storia del rock italiano con ottima personalità, quindi non ci si devono aspettare mere cover copia incolla, ma una matura rivisitazione che soggioga a proprio piacimento il sound di cui si componeva l’opera.
L’opener Santiago, affidata ai Capitolo 21 perde le sfumature da “barricate” per un’attitudine più elettronica, mentre i Junkie Dildoz imprimono una notevole carica metal al rock’n’roll di Amigo.
La splendida Lousiana è valorizzata dall’interpretazione di Daniele Tarchiani in una rivisitazione che tanto sa di U2, mentre Ci Sei Solo Tu è lasciata agli Estetica Noir.
Altro brano clou di Litifba 3 (la “parigina” Paname) trova nuova vita nelle note elettro/dance dei Lip’s Aroma e i Røsenkreütz se la vedono con l’atmosfera intimista e dark di Cuore Di Vetro, mentre la diretta Tex, in mano ai Cani Bagnati, rimane un pugno rock in pieno volto.
Peste degli Elysa Jeph, in versione trip rock, lascia agli ultimi due brani (Corri, cantata da Alteria, e Bambino nella versione dei MnemoS) il compito di chiudere questa nuova versione dell’album che all’epoca chiuse definitivamente la prima fase della carriera del Litfiba i quali, da li a poco erano destinati a diventare il gruppo rock italiano più famoso del decennio successivo.
In download e streaming gratuito sui canali del Ghigo Renzulli Fan Collaborative, questa sorta di compilation celebrativa, oltre ad essere un tributo alla storica band è un modo riuscito ed originale per tornare a respirare le atmosfere di uno dei lavori più rappresentativi del rock italiano, consigliato non solo ai fans dei Litfiba, ma soprattutto ai giovani ascoltatori che del gruppo ignorano le produzioni ottantiane.

Tracklist
1.Santiago – Capitolo 21
2.Amigo – Junkie Dildoz
3.Louisiana – Daniele Tarchiani
4.Ci Sei Solo Tu – Estetica Noir
5. Paname – Lip’s Aroma
6. Cuore Di Vetro – Røsenkreütz
7. Tex – Cani Bagnati
8. Peste – Elyza Jepth
9. Corri – Alteria
10. Bambino – MnemoS

GHIGO RENZULLI FAN COLLABORATIVE – Facebook

 

Malnàtt – Pianura Pagana

Musicalmente è forse l’album più maturo del collettivo, molto completo dal punto di vista compositivo, e quasi pronto per essere trasposto in una piece teatrale, perché in fondo questo dei Malnàtt è teatro con musica pesante.

Il collettivo bolognese Malnàtt è molto più di un gruppo metal, è un’idea messa in musica pesante.

L’opera del collettivo è sempre stata di alto livello qualitativo e con messaggi molto forti, e anche in questo disco l’approfondimento è notevolissimo. Pianura Pagana è la dimostrazione che il metal può essere arte che nasce dal basso e si propaga per far meglio comprendere ciò che c’è sotto la superficie, ed in questo caso di marcio ce n’è davvero molto. La proposta musicale dei Malnàtt spazia nel mondo del metal, dal black al death, passando per pezzi più prog e sfuriate quasi thrash. In questo progetto la musica è al servizio del messaggio, ma essa stessa è messaggio e da un valore aggiunto molto importante. Tutta l’opera dei bolognesi è di agitazione culturale, quasi fossero una propaggine del collettivo culturale Wu Ming in campo metal. Pianura Pagana è un disco che sa di antico, un sentire con la mente libera da preconcetti e dai tarli della nostra consumistica esistenza. Il disco è una chiara dichiarazione di intenti, un continuo carnevale in senso medioevale, poiché quando suonano questi signori diventano altro da ciò che sono tutti i giorni, come spiegato nella splendida canzone Il Collettivo Malnàtt, che illustra molto bene cosa sia questa entità davvero unica. Il cantato in italiano rende moltissimo e fa l’effetto di una messa pagana senza alcun simbolo, solo l’andare contro la comune morale cristiana e borghese, ricercando il senso della vita e la sua forza, sempre più nascoste in questo mondo di plastica. Musicalmente è forse l’album più maturo del collettivo, molto completo dal punto di vista compositivo, e quasi pronto per essere trasposto in una piece teatrale, perché in fondo questo dei Malnàtt è teatro con musica pesante. Vengono anche smascherati i nostri tic, le normali aberrazioni che ogni giorni imperano in tv, creando quel cortocircuito che nasce mentre vediamo la morte in diretta mangiando tranquillamente con i nostri familiari, sentendoci al sicuro; ma non lo siamo affatto, perché il nemico peggiore siamo noi stessi, siamo noi gli assassini, siamo noi che abbiamo affidato le nostre speranze alla gente sbagliata da più di 2000 anni. Pianura Pagana va ascoltato nota per nota, parola su parola, immagine per immagine, perché è un piccolo capolavoro di coscienza, come li faceva una volta Pasolini; infatti qui i Malnàtt mettono in musica Alla Mia Nazione, e lì dentro c’è tutto.

Tracklist
1. Almanacco pagano
2. Io ti propongo
3. Il Collettivo Malnàtt
4. E lasciatemi divertire
5. Cadaverica nebbia
6. Alla mia nazione
7. Intervallo pagano
8. Qualche parola su me stesso
9. Posso
10. Chiese chiuse
11. Dialogo di marionette

MALNATT – Facebook

childthemewp.com